История азиатского искусства - History of Asian art

Ли Ченг , Буддийский храм в горах , 11 век, Китай, тушь на шелке, Художественный музей Нельсона-Аткинса , Канзас-Сити, Миссури

Истории азиатского искусства включает в себя широкий спектр искусства из разных культур, регионов и религий на континенте Азии. Основные регионы Азии включают Центральную , Восточную , Южную , Юго-Восточную и Западную Азию .

Искусства Центральной Азии в основном состоит из произведений тюркских народов в евразийской степи , а азиатское искусство Востока включает в себя произведения из Китая, Японии и Кореи. Искусство Южной Азии охватывает искусство Индийского субконтинента , а искусство Юго-Восточной Азии включает искусство Таиланда, Лаоса, Вьетнама, Индонезии и Филиппин. Искусство Западной Азии охватывает искусство Ближнего Востока , в том числе древнее искусство Месопотамии , и в последнее время в нем преобладает исламское искусство .

Во многих отношениях история искусства в Азии идет параллельно с развитием западного искусства . Истории искусства Азии и Европы сильно переплетаются, причем азиатское искусство оказывает большое влияние на европейское искусство, и наоборот; культуры смешались с помощью таких методов, как передача искусства по Шелковому пути , культурный обмен эпохи открытий и колонизации , а также через Интернет и современную глобализацию .

За исключением доисторического искусства , искусство Месопотамии представляет собой древнейшие формы искусства в Азии.

Центральноазиатское искусство

Женская статуэтка БМАК (III-II тысячелетия до н.э.), греко-бактрийская статуэтка из Ай-Ханума (II век до н.э.), статуэтка из Кош-Агача (VIII-X век н.э.).

Искусство в Центральной Азии - это визуальное искусство, созданное в основном тюркскими народами современного Кыргызстана , Казахстана , Узбекистана , Туркменистана , Азербайджана , Таджикистана , Монголии , Тибета , Афганистана и Пакистана, а также некоторых частей Китая и России. В последние века искусство в регионе находилось под сильным влиянием исламского искусства . Раньше искусство Центральной Азии находилось под влиянием китайского, греческого и персидского искусства через передачу искусства по Шелковому пути .

Кочевое народное искусство

Народное искусство кочевников является жизненно важным аспектом искусства Центральной Азии. Искусство отражает суть образа жизни кочевых групп, проживающих в этом регионе. Вы непременно будете поражены красотой полудрагоценных камней, лоскутного одеяла, резной двери и вышитых ковров, которые отражает это искусство.

Музыка и музыкальный инструмент

Центральная Азия богата классической музыкой и инструментами. Некоторые из известных классических музыкальных инструментов возникли в Среднеазиатском регионе. Рубаб , Домбра и Чанг - некоторые из музыкальных инструментов, используемых в музыкальном искусстве Центральной Азии.

Возрождение среднеазиатского искусства

Жизнь народов Центральной Азии вращалась вокруг кочевого образа жизни. Таким образом, большая часть современного искусства Центральной Азии также вдохновлена ​​кочевой жизнью, демонстрирующей золотую эру. Фактически, прикосновение к традициям и культуре в искусстве Центральной Азии является основным фактором привлечения внимания международных арт-форумов. Мировое признание искусства Центральной Азии, безусловно, прибавило ему ценности.

Восточноазиатское искусство

Копия портрета Чжао Мэнфу (趙孟頫), Музей Метрополитен

Китайское искусство

Китайское искусство (китайский: 中國 藝術 / 中国 艺术) менялось на протяжении всей своей древней истории , разделенное на периоды правящими династиями Китая и меняющимися технологиями. На различные формы искусства оказали влияние великие философы, учителя, религиозные деятели и даже политические лидеры. Китайское искусство включает изобразительное искусство , народное искусство и исполнительское искусство . Китайское искусство - это искусство, современное или древнее, которое зародилось или практикуется в Китае или китайскими художниками или исполнителями.

В династии Сун поэзия была отмечена лирической поэзией, известной как Ци (詞), которая выражала чувство желания, часто в принятом образе. Также во времена династии Сун появились картины с более тонким выражением пейзажей с размытыми контурами и контурами гор, которые передавали расстояние через импрессионистскую трактовку природных явлений. Именно в этот период в живописи акцент делался на духовных, а не на эмоциональных элементах, как в предыдущий период. Куньцюй , самая старая из сохранившихся форм китайской оперы, возникла во времена династии Сун в Куньшане , недалеко от современного Шанхая. Во времена династии Юань живопись китайского художника Чжао Мэнфу (趙孟頫) сильно повлияла на более позднюю китайскую пейзажную живопись, и опера династии Юань стала вариантом китайской оперы, которая продолжается сегодня как кантонская опера .

Китайская живопись и искусство каллиграфии

Китайская живопись

Гунби и Сиеи - два стиля живописи в китайской живописи.

Гунби означает «дотошный», его главные черты - насыщенные цвета и детали изображения, а его содержание - это в основном портреты или повествования. Сиеи означает «от руки», его форма часто преувеличена и нереальна, с акцентом на эмоциональное выражение автора и обычно используется при изображении пейзажей.

Помимо бумаги и шелка, на стенах также была нанесена традиционная роспись, например, в пещерах Могао в провинции Ганьсу. Дуньхуан Могао Гроты были построены в династии Северная Вэй (386-534 н.э.). Он состоит из более чем 700 пещер, из которых 492 пещеры имеют фрески на стенах общей площадью более 45 000 квадратных метров. Фрески очень широки по содержанию, включают статуи Будды, рай, ангелов, важные исторические события и даже жертвователей. Стили живописи в ранней пещере получили влияние Индии и Запада. Со времен династии Тан (618–906 гг. Н. Э.) Фрески стали отражать уникальный стиль китайской живописи.

Панорама вдоль реки во время фестиваля Цинмин , репродукция 18-го века оригинала 12-го века китайского художника Чжан Цзэдуаня ; Примечание: прокрутка начинается справа

Китайская каллиграфия

На каллиграфии по Ми Фу , династии Сун

Китайская каллиграфия восходит к Дачжуань (большая печать), появившемуся во времена династии Чжоу . После того, как император Цинь объединил Китай, премьер-министр Ли Си собрал и составил стиль Сяочжуань (маленькая печать) в качестве нового официального текста. Скрипт маленькой печати очень элегантен, но его сложно написать быстро. Во времена династии Восточная Хань начал развиваться тип письменности, называемый Лишу (Официальный сценарий). Поскольку на нем нет кругов и очень мало изогнутых линий, он очень подходит для быстрого письма. После этого появился стиль Кайсю (традиционный обычный шрифт), структура которого стала проще и аккуратнее, этот шрифт широко используется и сегодня.

Древние китайские ремесла

Сине-белая фарфоровая тарелка

Джейд

Ранний нефрит использовался как украшение или жертвенная утварь. Самый ранний китайский предмет из резного нефрита появился в культуре хемуду в период раннего неолита (около 3500–2000 гг. До н.э.). Во времена династии Шан (ок. 1600–1046 до н. Э.) Появились би (круглый перфорированный нефрит) и конг (квадратная нефритовая трубка), которые считались жертвенной утварью, олицетворяющей небо и землю. Во времена династии Чжоу (1046–256 гг. До н. Э.) Из-за использования инструментов для гравировки более высокой твердости нефрит вырезался более деликатно и стал использоваться как подвеска или украшение в одежде. Нефрит считался бессмертным и мог защитить владельца, поэтому предметы из резного нефрита часто хоронили вместе с умершими, например, нефритовый погребальный костюм из гробницы Лю Шэна, принца династии Западная Хань .

Porcelain

Фарфор - это керамика, изготовленная из каолина при высокой температуре. Самая ранняя керамика в Китае появилась во времена династии Шан (около 1600–1046 гг. До н.э.). А производство керамики положило начало изобретению фарфора. История китайского фарфора восходит к династии Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.). Во времена династии Тан фарфор делили на селадон и белый фарфор. В династии Сун , Jingdezhen был выбран в качестве королевского производства фарфора центра и начал производить синий и белый фарфор.

Современное китайское искусство

После конца последней феодальной династии в Китае , с появлением нового культурного движения , китайские художники начали испытывать влияние западного искусства и начали интегрировать западное искусство в китайскую культуру. Под влиянием американского джаза китайский композитор Ли Цзиньхуэй (известный как отец китайской поп-музыки) начал создавать и продвигать популярную музыку, которая произвела фурор. В начале 20-го века масляная живопись была представлена ​​в Китае, и все больше и больше китайских художников начали прикасаться к западным техникам живописи и сочетать их с традиционной китайской живописью. Между тем, появилась и новая форма живописи - комиксы. Это было популярно среди многих людей и стало самым доступным способом развлечения в то время.

Тибетское искусство

Джина Будда Ратнасамбхава, центральный Тибет, монастырь Кадампа , 1150–1225 гг.

Тибетское искусство относится к искусству Тибета ( Тибетский автономный район в Китае) и других нынешних и бывших гималайских королевств ( Бутан , Ладакх , Непал и Сикким ). Тибетское искусство - это прежде всего форма священного искусства , отражающая доминирующее влияние тибетского буддизма на эти культуры. Песчаная мандала ( тиб . Килькхор ) - это традиция тибетского буддизма, символизирующая преходящую природу вещей. В рамках буддийского канона все материальное считается преходящим. Примером этого является песчаная мандала , поскольку после того, как она была построена, а сопровождающие ее церемонии и просмотр завершены, она систематически уничтожается .

Поскольку буддизм Махаяны возник как отдельная школа в 4 веке до нашей эры, он подчеркивал роль бодхисаттв , сострадательных существ, которые отказываются от своего личного побега в Нирвану , чтобы помогать другим. С давних времен различные бодхисаттвы также были предметами скульптурного искусства. Тибетский буддизм как продукт буддизма Махаяны унаследовал эту традицию. Но дополнительное доминирующее присутствие Ваджраяны (или буддийской тантры) могло иметь первостепенное значение в художественной культуре. Обычным бодхисаттвой, изображаемым в тибетском искусстве, является божество Ченрезиг (Авалокитешвара), часто изображаемое в виде тысячирукого святого с глазом в середине каждой руки, представляющего всевидящего и сострадательного человека, который слышит наши просьбы. Это божество также можно понимать как йидам , или «медитационный будда» для практики ваджраяны.

Тибетский буддизм содержит тантрический буддизм , также известный как буддизм Ваджраяны из- за общей символики ваджры , алмазной молнии (известной на тибетском языке как дорже ). Большую часть типичного тибетского буддийского искусства можно рассматривать как часть практики тантры. Техники Ваджраяны включают в себя множество визуализаций / воображений во время медитации, и большая часть сложного тантрического искусства может рассматриваться как вспомогательные средства для этих визуализаций; от изображений медитативных божеств ( йидамов ) до мандал и всевозможных ритуальных инструментов.

В Тибете многие буддисты вырезают мантры на камнях как форму преданности.

Визуальный аспект тантрического буддизма - это обычное изображение гневных божеств , часто изображаемых с сердитыми лицами, кругами пламени или черепами мертвых. Эти изображения представляют Защитников ( санскр . Дхармапала ), и их устрашающая осанка противоречит их истинной сострадательной природе. Фактически, их гнев представляет собой их преданность защите учения дхармы, а также защите определенных тантрических практик для предотвращения искажения или нарушения практики. Чаще всего они используются как гневные психологические аспекты, которые можно использовать для преодоления негативного отношения практикующего.

Историки отмечают, что китайская живопись оказала глубокое влияние на тибетскую живопись в целом. Начиная с XIV и XV веков, тибетская живопись включала в себя многие элементы китайской живописи, а в XVIII веке китайская живопись оказала глубокое и обширное влияние на тибетское изобразительное искусство. По словам Джузеппе Туччи , ко времени династии Цин «тогда было развито новое тибетское искусство, которое в определенном смысле было провинциальным отголоском китайской изысканной изысканности 18-го века».

Японское искусство

Четыре из шестнадцати раздвижных перегородок (« Птицы и цветы четырех сезонов» ), сделанных для японского аббата XVI века. Обычно для более поздних японских пейзажей основное внимание уделяется объекту на переднем плане.

Японское искусство и архитектура - это произведения искусства, созданные в Японии с момента появления там людей, где-то в 10-м тысячелетии до нашей эры, до наших дней. Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств массовой информации, включая древнюю керамику, скульптуру из дерева и бронзы, живопись тушью на шелке и бумаге и множество других видов произведений искусства; с древних времен до современного 21 века.

Эта форма искусства приобрела большую популярность в столичной культуре Эдо (Токио) во второй половине 17 века, начав с одноцветных работ Хисикавы Моронобу в 1670-х годах. Сначала использовались только индийские туши , затем некоторые отпечатки были раскрашены вручную кистью, но в 18 веке Судзуки Харунобу разработал технику полихромной печати для производства нисики-э .

Хиросигэ , Снег, падающий на город , гр. 1833 год, печать укиё-э

Японская живопись (絵 画, Кайга ) - одно из старейших и наиболее изысканных видов японского искусства , охватывающее самые разные жанры и стили. Как и история японского искусства в целом, история японской живописи - это долгая история синтеза и конкуренции между эстетикой японцев и адаптацией заимствованных идей.

Истоки живописи в Японии уходят корнями в доисторический период Японии . Простые фигурки из палочек и геометрические узоры можно найти на керамике периода Дзёмон и бронзовых колокольчиках доотаку периода Яёи (300 г. до н.э. - 300 г. н.э.) . Фрески картины с обеими геометрическими и фигуративными конструкций были найдена в многочисленных курганах от периода Кофуна (300-700 н.э.).

Древняя японская скульптура в основном произошла от поклонения идолам в буддизме или анимистических обрядов синтоистского божества. В частности, из всех искусств скульптура наиболее прочно сосредоточилась на буддизме. Традиционно используемые материалы были металлом, особенно бронзой, и, чаще, деревом, часто лакированным , позолоченным или ярко окрашенным. К концу периода Токугава такая традиционная скульптура - за исключением миниатюрных работ - в значительной степени исчезла из-за потери покровительства буддийскими храмами и знати.

Укиё , что означает «парящий мир», относится к бурной молодой культуре, которая процветала в городских центрах Эдо (современный Токио), Осаки и Киото , которые сами по себе были миром. Это иронический намек на омофонический термин «Скорбный мир» (憂 き 世), земной план смерти и возрождения, от которого буддисты стремились освободиться.

Корейское искусство

Чон Сон , Общий вид горы Кымган (금강 전도, 金剛 全 圖), Корея, около 1734 г.

Корейское искусство известно своими традициями в гончарном деле, музыке, каллиграфии, живописи, скульптуре и других жанрах, часто отмеченных использованием ярких цветов, естественных форм, точной формы и масштаба, а также украшения поверхностей.

Несмотря на то, что между тремя независимыми культурами существуют четкие и различающиеся различия, между искусствами Кореи , Китая и Японии есть существенные исторические сходства и взаимодействия .

Изучение и оценка корейского искусства на Западе все еще находится на стадии становления. Из Кореи позиции «S между Китаем и Японией, Корея рассматривалась как простой трубопровод китайской культуры в Японию. Однако недавние ученые начали признавать собственное уникальное искусство, культуру и важную роль Кореи не только в передаче китайской культуры, но и в ее усвоении и создании собственной уникальной культуры. Искусство, рожденное и развитое нацией, есть собственное искусство.

Как правило, история корейской живописи датируется примерно 108 годом н.э., когда она впервые появляется как самостоятельная форма. Между тем временем и картинами и фресками, которые появляются на гробницах династии Корё , было мало исследований. Достаточно сказать, что до династии Чосон основное влияние оказывала китайская живопись, хотя в ней использовались корейские пейзажи, черты лица, буддийские темы и акцент на небесных наблюдениях в соответствии с быстрым развитием корейской астрономии.

На протяжении всей истории корейской живописи происходило постоянное разделение монохромных работ черной кистью на очень часто тутовой бумаге или шелке; и красочное народное искусство или мин-хва , ритуальные искусства, росписи надгробий и фестивальные искусства, в которых широко использовались цвета.

Это различие часто основывалось на классах: ученые, особенно в конфуцианском искусстве, считали, что в монохромных картинах можно увидеть цвет в пределах градаций, и чувствовали, что фактическое использование цвета огрубляет картины и ограничивает воображение. Корейское народное искусство и роспись архитектурных рамок рассматривались как осветляющие некоторые внешние деревянные рамы, и опять же в рамках традиции китайской архитектуры и раннего буддийского влияния обильного богатого тало и основных цветов, вдохновленных искусством Индии .

Современное искусство в Корее . Первым примером масляной живописи в западном стиле в корейском искусстве были автопортреты корейского художника Ко Ху и-донга (1886–1965). Только три из этих работ сохранились до наших дней. эти автопортреты передают понимание среды, которое выходит далеко за рамки утверждения стилистических и культурных различий. к началу двадцатого века решение рисовать маслом и холстом в Корее имело две разные интерпретации. Один из них - чувство просветления благодаря западным идеям и стилям искусства. Это просвещение произошло из интеллектуального движения семнадцатого и восемнадцатого веков. Ко писал этим методом в период аннексии Кореи Японией. В то время многие утверждали, что его искусство могло быть политическим, однако сам он утверждал, что был художником, а не политиком. Ко заявил: «Пока я был в Токио, произошла очень любопытная вещь. В то время в Токио было меньше сотни корейских студентов. выбор изучать искусство. Близкий друг сказал, что для меня было неправильным учиться живописи в такое время ».

Корейская керамика была признана еще в 6000 году до нашей эры. Эта керамика также называлась керамикой с гребенчатым рисунком из-за декоративных линий, вырезанных на внешней стороне. ранние корейские общества в основном зависели от рыболовства. Таким образом, они использовали глиняную посуду для хранения рыбы и других вещей, собранных из океана, например, моллюсков. Керамика имела два основных региональных различия. Те, что с восточного побережья, имеют плоское основание, в то время как керамика на южном побережье имеет круглое основание.

Южноазиатское искусство

Буддийское искусство

Мандала Чандры, бога Луны , Непал (долина Катманду) через Музей искусств Метрополитен

Буддийское искусство зародилось на Индийском субконтиненте в веках после жизни исторического Гаутамы Будды в 6–5 веках до нашей эры, прежде чем оно развилось благодаря контактам с другими культурами и распространению по остальной Азии и миру. Буддийское искусство путешествовало вместе с верующими по мере распространения, адаптации и развития дхармы в каждой новой принимающей стране. Он развился на север через Центральную Азию и в Восточную Азию, чтобы сформировать северную ветвь буддийского искусства, и на восток до Юго-Восточной Азии, чтобы сформировать южную ветвь буддийского искусства. В Индии буддийское искусство процветало и даже повлияло на развитие индуистского искусства, пока буддизм почти не исчез в Индии примерно в 10 веке нашей эры, отчасти из-за активного распространения ислама наряду с индуизмом .

Распространенным визуальным устройством в буддийском искусстве является мандала . С точки зрения зрителя, он схематично представляет идеальную вселенную. В различных духовных традициях мандалы могут использоваться для концентрации внимания стремящихся и адептов, духовного инструмента обучения, для установления священного пространства и в качестве помощи при медитации и наведении транса . Его символическая природа может помочь человеку «получить доступ к все более глубоким уровням бессознательного, в конечном итоге помогая медитирующему испытать мистическое чувство единства с абсолютным единством, из которого возникает космос во всех его многообразных формах». Психоаналитик Карл Юнг видел мандал как «представление центра бессознательных себя» , и считал , что его картину из мандал позволили ему выявить эмоциональные расстройства и работу по цельности в личности.

Бутанское искусство

Bhutanese тханки из горы Меры и буддийской Вселенной, 19 - го века, Тронгс Дзонга , Тронгс, Бутан

Бутанское искусство похоже на искусство Тибета . Оба основаны на буддизме Ваджраяны с его пантеоном божественных существ.

Основные направления буддизма в Бутане - Друкпа Кагью и Ньингма . Первая является ответвлением школы Кагью и известна картинами, документирующими линию передачи буддийских мастеров и 70 Дже Кхенпо (лидеров бутанского монашеского истеблишмента). Орден Ньингма известен изображениями Падмасамбхавы , которому приписывают введение буддизма в Бутан в 7 веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища , чтобы их нашли будущие буддийские мастера, особенно Пема Лингпа . В кладе Искатели ( тертон ) также частые предметы Ньингмы искусства.

Каждому божественному существу назначаются особые формы, цвета и / или идентифицирующие объекты, такие как лотос, раковина, молния и чаша для подаяний. Все священные изображения созданы в точном соответствии с техническими характеристиками, которые оставались неизменными на протяжении веков.

Бутанское искусство особенно богато бронзовыми изделиями различных видов, которые в совокупности известны под названием Кхам-со (сделанные в Кхаме ), даже несмотря на то, что они сделаны в Бутане, потому что техника их изготовления была первоначально импортирована из восточной провинции Тибета, называемой Кхам. . Настенные росписи и скульптуры в этих регионах созданы на основе нестареющих идеалов буддийских форм искусства. Несмотря на то, что их акцент на деталях заимствован из тибетских моделей, их происхождение можно легко определить, несмотря на обильно расшитую одежду и сверкающие орнаменты, которыми они щедро покрыты. В гротескном мире демонов художники явно обладали большей свободой действий, чем при моделировании образов божественных существ.

Искусство и ремесла Бутана , олицетворяющие исключительный «дух и самобытность Гималайского королевства», определяются как искусство Зорига Чосума , что означает «тринадцать искусств и ремесел Бутана»; тринадцать ремесел - это плотничество, живопись, изготовление бумаги, кузнечное дело, ткачество, лепка и многие другие ремесла. Институт Зориг Чосум в Тхимпху - главное учреждение традиционного искусства и ремесел, созданное правительством Бутана с единственной целью сохранения богатой культуры и традиций Бутана и обучения студентов всем традиционным формам искусства; есть еще одно подобное заведение в восточном Бутане, известное как Траши Янцзе. Сельская жизнь Бутана также представлена ​​в « Музее народного наследия » в Тхимпху. В Тхимпху также есть «Студия добровольных художников», чтобы поощрять и продвигать виды искусства среди молодежи Тхимпху. Тринадцать искусств и ремесел Бутана и учреждения, созданные в Тхимпху для продвижения этих форм искусства:

Индийское искусство

Якша , держащая балюстраду , Мадхья-Прадеш, Индия, период Шунга (II – I века до н.э. ). Musee Guimet .
Фреска из пещер Аджанты , гр. 450–500

Индийское искусство можно разделить на определенные периоды, каждый из которых отражает определенные религиозные, политические и культурные события. Самыми ранними примерами являются петроглифы, например, найденные в Бхимбетке , некоторые из них датируются периодом до 5500 г. до н.э. Изготовление таких произведений продолжалось несколько тысячелетий.

Затем последовало искусство цивилизации долины Инда . Более поздние примеры включают в себя вырезанные столбы из Эллоры , Махараштра государства . Другие примеры являются фресками из Аджанты и Эллоры Пещеры .

Вклад Империи Великих Моголов в индийское искусство включает живопись Моголов , стиль миниатюрной живописи, на который сильно повлияли персидские миниатюры , и архитектуру Великих Моголов .

Во время британского владычества , современная индийская живопись эволюционировала в результате сочетания традиционных индийские и европейские стилей. Раджа Рави Варма был пионером этого периода. Бенгальская школа искусств разработана в течение этого периода, во главе с Abanidranath Тагорой , Гаганендранат Тагором , Джеймини Роем , Мукулы Деями и Нандалал Бозе .

Один из самых популярных видов искусства в Индии называется Ранголи . Это форма украшения для рисования песком, в которой используется мелкоизмельченный белый порошок и цвета, и обычно она используется вне домов в Индии.

Изобразительное искусство (скульптура, живопись и архитектура) тесно взаимосвязано с невизуальным искусством. По словам Капилы Ватсьаяна , «классическая индийская архитектура, скульптура, живопись, литература (каавья), музыка и танцы развивали свои собственные правила, обусловленные их соответствующими средствами массовой информации, но они разделяли друг с другом не только основные духовные верования индийских религиозно-философских взглядов». разум, но также и процедуры, с помощью которых были детально проработаны отношения символа и духовных состояний ".

Понимание уникальных качеств индийского искусства лучше всего достигается через понимание философской мысли, обширной культурной истории, социальной, религиозной и политической подоплеки произведений искусства.

Конкретные периоды:

  • Индуизм и буддизм древнего периода (3500 г. до н.э. - настоящее время)
  • Исламское господство (712–1757 гг. Н. Э. )
  • Колониальный период (1757–1947)
  • Современное и постмодернистское искусство в Индии
  • Независимость и постколониальный период (после 1947 г.)

Непальское искусство

Древняя и утонченная традиционная культура Катманду , да и вообще всего Непала , представляет собой непрерывную и исключительную встречу индуистского и буддийского этосов, практикуемых его высокорелигиозными людьми. Он также вобрал в себя культурное разнообразие других религий, таких как джайнизм , ислам и христианство .

Искусство Юго-Восточной Азии

Камбоджийское искусство

Резьба по камню в Бантей Срей ( Ангкор )

Камбоджийское искусство и культура Камбоджи имеют богатую и разнообразную историю, уходящую в глубь веков и находящуюся под сильным влиянием Индии . В свою очередь, Камбоджа сильно повлияла на Таиланд , Лаос и наоборот. На протяжении долгой истории Камбоджи главным источником вдохновения была религия. На протяжении почти двух тысячелетий камбоджийцы развили уникальную кхмерскую веру на основе синкретизма местных анимистических верований и индийских религий буддизма и индуизма . Индийская культура и цивилизация, включая ее язык и искусство, достигли материковой части Юго-Восточной Азии примерно в I веке нашей эры. Принято считать, что торговцы-мореплаватели принесли индийские обычаи и культуру в порты Сиамского залива и Тихого океана, торгуя с Китаем. Первым государством, получившим от этого выгоду, был Фунан . В разное время культура Камбоджи также вбирала в себя элементы яванской , китайской , лаосской и тайской культур.

Изобразительное искусство Камбоджи

Каменный барельеф в храме Байон, изображающий кхмерскую армию в состоянии войны с чамами , вырезанный ок. 1200 г. н.э.

История изобразительного искусства Камбоджи уходит корнями в древние ремесла; Кхмерское искусство достигло своего пика в период Ангкора . Традиционное камбоджийское декоративно-прикладное искусство включают текстиль, нетекстильное ткачество , серебряное , резьбу по камню , лакированный , керамику , Ваты фрески , и кайт -Изготовление. Начиная с середины 20-го века, в Камбодже зародилась традиция современного искусства, хотя в конце 20-го века как традиционное, так и современное искусство пришло в упадок по нескольким причинам, включая убийство художников красными кхмерами . Страна пережила недавнее художественное возрождение из-за возросшей поддержки со стороны правительств, неправительственных организаций и иностранных туристов.

Кхмерская скульптура относится к каменной скульптуре Кхмерской империи , которая правила территорией, основанной на современной Камбодже, но более крупной, с 9 по 13 века. Самые известные образцы находятся в Ангкоре , который служил резиденцией империи.

К 7 веку кхмерская скульптура начинает отдаляться от индуистских влияний - прегупта для буддийских фигур, Паллава для индуистских фигур - и благодаря постоянной стилистической эволюции она развивает свою собственную оригинальность, которая к 10 веку может считаться полным и абсолютным. Кхмерская скульптура вскоре выходит за рамки религиозного представления, что становится почти предлогом для изображения придворных фигур в обличье богов и богинь. Но, кроме того, он также представляет собой средство и самоцель для выполнения стилистической изысканности, как своего рода полигон. Мы уже видели, как социальный контекст кхмерского королевства дает второй ключ к пониманию этого искусства. Но мы также можем представить, что на более эксклюзивном уровне работали небольшие группы интеллектуалов и художников, соревнуясь между собой в мастерстве и изысканности, преследуя гипотетическое совершенство стиля.

Спасение от Ангкора

Боги, которые мы находим в кхмерской скульптуре, принадлежат к двум великим религиям Индии, буддизму и индуизму . И они всегда представлены с большой иконографической точностью, что ясно указывает на то, что за выполнением работ руководили ученые священники. Тем не менее, в отличие от тех индуистских изображений, которые повторяют идеализированный стереотип, эти изображения обрабатываются с большим реализмом и оригинальностью, потому что они изображают живые модели: короля и его двор. Истинная социальная функция кхмерского искусства, по сути, заключалась в прославлении аристократии через эти изображения богов, воплощенных в принцах. Фактически, культ «дева-раджа» требовал развития в высшей степени аристократического искусства, в котором люди должны были видеть осязаемое доказательство божественности государя, в то время как аристократия получала удовольствие видеть себя - если это правда, в идеализированном виде - увековеченные в великолепии замысловатых украшений, элегантных платьев и экстравагантных украшений.

Скульптуры - это восхитительные изображения богов, царственных и величественных существ, хотя и не без женской чувственности, заставляющих нас думать о важных лицах при дворе, лицах значительной власти. Художники, которые лепили камни, несомненно, выполнили основные задачи и требования, которые требовали заказчики. Скульптуры представляют избранное божество в ортодоксальной манере и с большим мастерством и мастерством изображают высокие фигуры двора во всем их великолепии, в одежде, украшениях и украшениях изысканной красоты.

Индонезийское искусство

Балийская картина принца Панджи, встречающего трех женщин в джунглях

Искусство и культура Индонезии сформировались в результате длительного взаимодействия между исконными обычаями коренных народов и многочисленными иностранными влияниями. Индонезия занимает центральное место на древних торговых путях между Дальним Востоком и Ближним Востоком, в результате чего многие культурные обычаи находятся под сильным влиянием множества религий , включая индуизм , буддизм , конфуцианство и ислам, и все они сильны в крупных торговых городах. В результате получается сложная смесь культур, сильно отличающаяся от исходных культур коренных народов. Индонезия обычно не известна своими картинами, за исключением сложных и выразительных балийских картин, которые часто выражают естественные сцены и темы из традиционных танцев.

Фреска Кения в Лонг-Наванге, Восточный Калимантан .

Другие исключения включают в себя местные рисунки красок Кении, основанные, как это обычно бывает в австронезийских культурах, на эндемичных природных мотивах, таких как папоротники, деревья, собаки, птицы-носороги и человеческие фигуры. Их до сих пор можно найти на стенах длинных домов Кения Даяк в регионе Апо Каян Восточного Калимантана .

Индонезия имеет давние бронзовый и железный века , но этот вид искусства особенно процветал с 8-го по 10-й век, как отдельные произведения искусства, так и включенные в храмы.

Рельефная скульптура из храма Боробудур , ок. 760–830 гг. Нашей эры

Наиболее примечательными являются сотни метров рельефной скульптуры в храме Боробудур в центральной части Явы . Примерно две мили изысканной рельефной скульптуры рассказывают историю жизни Будды и иллюстрируют его учения. Изначально в храме находилось 504 статуи сидящего Будды. Этот сайт, как и другие в центральной части Явы, демонстрирует явное индийское влияние.

Каллиграфия, в основном основанная на Коране , часто используется как украшение, поскольку ислам запрещает натуралистические изображения. Некоторые иностранные художники также поселились в Индонезии . Современные индонезийские художники используют самые разные стили и темы.

Балийское искусство

Балийская картина сцены Рамаяны из Керта Гоши, изображающая Рама против Дасамукхи (Раваны).

Балийский искусство является искусством индуса - Яванский происхождения , который вырос из работы ремесленников Маджапахита Королевства , с их экспансии на Бали в конце 13 - го века. С 16 по 20 века деревня Камасан, Клунгкунг (Восточный Бали), была центром классического балийского искусства. В первой половине 20-го века появились новые разновидности балийского искусства. С конца двадцатого века Убуд и соседние с ним деревни приобрели репутацию центра балийского искусства. Убуд и Батуан известны своими картинами, Мас - резьбой по дереву, Целук - золотыми и серебряными мастерами, а Батубулан - резьбой по камню. Коваррубиас описывает балийское искусство как «... высокоразвитое, хотя и неформальное народное искусство в стиле барокко, сочетающее крестьянскую живость с утонченностью классицизма индуистской Явы, но свободное от консервативных предрассудков и с новой жизненной силой, воспламененной изобилием искусства. демонический дух тропического первобытного человека ». Эйсман правильно указал, что балийское искусство на самом деле вырезано, раскрашено, соткано и приготовлено в предметы, предназначенные для повседневного использования, а не как объект искусства.

В 1920-х годах, с приходом многих западных художников, Бали стал анклавом художников (как Таити был для Поля Гогена ) для художников-авангардистов, таких как Вальтер Спис (немецкий), Рудольф Бонне (голландский), Адриан-Жан Ле Майер ( Бельгиец), Ари Смит (голландец) и Дональд Френд (австралиец) в последние годы. Большинство этих западных художников имели очень небольшое влияние на балийцев до периода после Второй мировой войны, хотя в некоторых отчетах чрезмерно подчеркивается западное присутствие за счет признания балийского творчества.

Этот новаторский период творчества достиг пика в конце 1930-х годов. Поток известных посетителей, в том числе Чарли Чаплин и антропологи Грегори Бейтсон и Маргарет Мид , побудили талантливых местных жителей создавать очень оригинальные работы. Во время своего пребывания на Бали в середине 1930-х годов Бейтсон и Мид собрали более 2000 картин, преимущественно из деревни Батуан, но также из прибрежной деревни Санур. Среди западных художников Шпионам и Бонне часто приписывают модернизацию традиционных балийских картин. Начиная с 1950-х годов, балийские художники использовали аспекты перспективы и анатомии этих художников. Что еще более важно, они действовали как проводники перемен, поощряя эксперименты и способствуя отходу от традиций. Результатом стал взрыв индивидуального самовыражения, который увеличил скорость изменений в балийском искусстве.

Лаосское искусство

Бронзовый Будда Лан Ксанг , Лаос 17 века
Резные фигурки по камню, называемые чайтьями , можно увидеть даже на углах улиц и во дворах Катманду.

Лаосское искусство включает керамику , лаосскую буддийскую скульптуру и лаосскую музыку .

Скульптуры лаосского буддизма создавались из самых разных материалов, включая золото, серебро и чаще всего бронзу . Кирпич и раствор также был средством, используемым для создания колоссальных изображений, известным из них является изображение Пья Вата (16 век) во Вьентьяне , хотя реконструкция полностью изменила внешний вид скульптуры, и она больше не похожа на лаосского Будду. . Дерево популярно для небольших буддийских изображений, которые часто оставляют в пещерах. Дерево также очень часто встречается в больших изображениях Будды в натуральную величину. Самые известные две скульптуры, вырезанные из полудрагоценных камней, - это Пхра Кео ( Изумрудный Будда ) и Пхра Пхутта Буцаварат. Пхра Кео, который, вероятно , имеет происхождение из Ксиенг Сен ( Чианг Саен ), вырезан из цельного нефритового блока. Он покоился во Вьентьяне двести лет, прежде чем сиамцы унесли его в качестве добычи в конце 18 века. Сегодня он служит палладием Королевства Таиланд и находится в Большом дворце в Бангкоке. Пхра Пхутта Буцаварат, как Пхра Кео, также хранится в собственной часовне в Большом дворце в Бангкоке. До того, как сиамцы захватили его в начале 19 века, это хрустальное изображение было палладием лаосского королевства Чампассак .

Многие красивые лаосские буддийские скульптуры высечены прямо в пещерах Пак Оу . Рядом с Пак Оу (устье реки Оу) Тхам Тинг (нижняя пещера) и Тхам Теунг (верхняя пещера) находятся недалеко от Луангпхабанга , Лаос. Это великолепная группа пещер, до которых можно добраться только на лодке, примерно в двух часах езды вверх по течению от центра Луангпхабанга , и в последнее время они стали более известными и посещаемыми туристами. Пещеры известны своими впечатляющими скульптурами в буддийском и лаосском стиле, вырезанными на стенах пещер, и сотнями отброшенных буддийских фигур, выложенных на полу и стенных полках. Они были помещены туда, поскольку их владельцы не хотели их уничтожать, поэтому предстоит трудное путешествие в пещеры, чтобы разместить там ненужную статую.

Тайское искусство

Носовая часть королевской баржи Suphannahong из Таиланда.

Тайское искусство и изобразительное искусство традиционно и в первую очередь были буддийским и королевским искусством. Скульптура состояла почти исключительно из изображений Будды , в то время как живопись ограничивалась иллюстрацией книг и украшением зданий, в первую очередь дворцов и храмов. Изображения тайского Будды разных периодов имеют несколько отличительных стилей. Современное тайское искусство часто сочетает традиционные тайские элементы с современными техниками.

Традиционные тайские картины изображали предметы в двух измерениях без перспективы . Размер каждого элемента изображения отражал степень его важности. Первичная техника композиции - это разделение площадей: основные элементы изолированы друг от друга космическими преобразователями. Это устранило промежуточную основу, которая в противном случае предполагала бы перспективу. Перспектива появилась только в результате западного влияния в середине 19 века.

Наиболее частыми повествовательными сюжетами для картин были или остаются: истории Джатаки , эпизоды из жизни Будды , буддийские небеса и ад и сцены повседневной жизни.

Период Сукотаи начался в 14 веке в королевстве Сукотаи . Образы Будды периода Сукотаи элегантны, с извилистыми телами и стройными овальными лицами. Этот стиль подчеркивал духовный аспект Будды, опуская многие мелкие анатомические детали. Эффект усиливался за счет обычной практики отливки изображений в металле, а не их вырезания . В этот период была введена поза «ходящего Будды».

Художники Сукотаи пытались следовать каноническим определяющим признакам Будды, как они изложены в древних палийских текстах:

  • Кожа настолько гладкая, что к ней не может прилипать пыль;
  • Ноги как у оленя;
  • Бедра подобны баньяновому дереву ;
  • Плечи массивные, как голова слона;
  • Руки округлые, как хобот слона, и достаточно длинные, чтобы касаться колен;
  • Руки подобны цветущим лотосам;
  • Кончики пальцев повернуты назад, как лепестки;
  • голова как яйцо;
  • Волосы, похожие на жало скорпиона;
  • Подбородок похож на камень манго;
  • Нос похож на клюв попугая;
  • Мочки ушей удлиняются королевскими серьгами;
  • Ресницы как у коровы;
  • Брови похожи на натянутые бантики.

Сукхотай также производил большое количество глазурованной керамики в стиле Саванкхалок , которая продавалась по всей Юго-Восточной Азии.

Вьетнамское искусство

Поверхность бронзового барабана Нгок Лу, II - III век до н.э.

Вьетнамское искусство принадлежит к одной из старейших культур региона Юго-Восточной Азии. Богатое художественное наследие, восходящее к доисторическим временам, включает: роспись по шелку, скульптуру, керамику, керамику, гравюры на дереве, архитектуру, музыку, танцы и театр.

Tô Ngọc Vân, Thiếu nữ bên hoa huệ (Молодая женщина с лилией) , 1943, масло

Традиционное вьетнамское искусство - это искусство, практикуемое во Вьетнаме или вьетнамскими художниками с древних времен (включая сложные барабаны Тон Сон ) до искусства посткитайского господства, на которое сильно повлияло китайское буддийское искусство , среди других философий, таких как даосизм и конфуцианство . Позже искусство Чампа и французское искусство также сыграли меньшую роль.

Китайское влияние на вьетнамское искусство распространяется на вьетнамскую керамику и керамику , каллиграфию и традиционную архитектуру. В настоящее время вьетнамские лаковые картины пользуются большой популярностью.

Династия Нгуен , последняя правящая династия Вьетнама (ок. 1802–1945), увидела возобновление интереса к керамике и искусству фарфора. Императорские дворы по всей Азии импортировали вьетнамскую керамику.

Несмотря на то, насколько высоко развито исполнительское искусство (например, музыка и танцы императорского двора) во время династии Нгуен, некоторые считают, что другие области искусства начали приходить в упадок во время последней части династии Нгуен.

Начиная с 19 века, современное искусство и французские художественные влияния распространились во Вьетнаме. В начале 20 века Высшая школа изящных искусств Индокитая (Индокитайский колледж искусств) была основана для обучения европейским методам и оказывала влияние в основном в крупных городах, таких как Ханой и Хошимин .

Ограничения на поездки, наложенные на вьетнамцев во время 80-летнего правления Франции во Вьетнаме и длительного периода войны за национальную независимость, означали, что очень немногие вьетнамские художники могли обучаться или работать за пределами Вьетнама. Небольшое количество художников из обеспеченных семей имели возможность поехать во Францию ​​и по большей части сделать там свою карьеру. Примеры включают Ле Тхи Луу, Ле Пхо, Май Чунг Ту, Ле Ван Де, Ле Ба Данг и Фам Тан.

Современные вьетнамские художники начали использовать французские техники со многими традиционными материалами, такими как шелк, лак и т. Д., Создавая уникальное сочетание восточных и западных элементов.

Вьетнамская каллиграфия

Каллиграфия имеет долгую историю во Вьетнаме, раньше она использовала Чо Хан вместе с Чу Ном . Однако в самой современной вьетнамской каллиграфии вместо этого используется римский символ Chữ Quốc Ng , который оказался очень популярным.

В прошлом, когда грамотность в старых системах письма Вьетнама, основанных на иероглифах, была ограничена учеными и элитой, каллиграфия, тем не менее, все еще играла важную роль во вьетнамской жизни. В особых случаях, таких как Лунный Новый год , люди приходили к деревенскому учителю или ученому, чтобы сделать им каллиграфические надписи (часто стихи, народные поговорки или даже отдельные слова). Люди, которые не умели ни читать, ни писать, также часто поручали ученым написать молитвы, которые они сжигали в храмовых святынях.

Филиппинское искусство

Статуя Мадонны с младенцем из слоновой кости.
Роспись потолка церкви Лила.

Самым ранним известным филиппинским искусством является наскальное искусство, самым старым из которых являются петроглифы Ангоно , созданные в эпоху неолита и датируемые периодом 6000–2000 гг. До н. Э. Возможно, эти резные фигурки использовались как часть древней лечебной практики для больных детей. Затем последовали алабские петроглифы , датированные не позднее 1500 г. до н.э., на которых были изображены символы плодородия, такие как пуденда. В арт - рок искусства являются petrographs, в том числе угля горного искусства из Peñablanca , древесный уголь горного искусства из Singnapan , красного гематита искусства в Анда , и недавно открытого горного искусства из Monreal (Ticao) , изображающие обезьян, человеческие лица, червей или змей, растения , стрекозы и птицы. Между 890 и 710 годами до нашей эры на юге Палавана был построен Манунггул Джар . Он служил вторичным погребальным сосудом, верхняя крышка которого изображает путешествие души в загробный мир через лодку с психопомпом . В 100 г. до н.э. пещеры захоронения мумий Кабаян были высечены в горе. Между 5 г. до н.э. - 225 г. н.э. в Котабато была создана антропоморфная керамика Майтум . Ремесла представляли собой вторичные погребальные кувшины, многие из которых изображали человеческие головы, руки, ноги и грудь.

К 4 веку нашей эры и, скорее всего, до этого, древние люди с Филиппин делали гигантские военные корабли, где самые ранние известные археологические свидетельства были обнаружены в Бутуане , где корабль был идентифицирован как балангай и датирован 320 годом нашей эры. Самый старый из найденных в настоящее время артефактов с письменным письмом на нем - это надпись Laguna Copperplate , датированная 900 годом нашей эры. На табличке обсуждается выплата долга. Бутуан Ivory Seal является самым ранним из известных слоновой кости искусства в стране, датированный между 9 - го по 12 - м веке нашей эры. Печать содержит резные изображения древнего письма. В этот период были изготовлены различные артефакты, такие как изображение Агусана , золотая статуя божества, возможно, под влиянием индуизма и буддизма. С 12 по 15 века производился палеограф Бутуанского серебра . Надпись на серебре еще предстоит расшифровать. Между XIII – XIV веками уроженцы Бантона , Ромблон, создавали ткань Бантона , старейшую сохранившуюся ткань для икатов в Юго-Восточной Азии. Ткань использовалась как покрывало смерти. К XVI веку, вплоть до конца XIX века, испанская колонизация оказала влияние на различные формы искусства в стране.

С 1565 по 1815 год филиппинские мастера изготавливали манильские галеоны, которые использовались для торговли из Азии в Америку, откуда многие товары поступали в Европу. В 1565 году древняя традиция татуировки на Филиппинах впервые была записана через пинтадо . В 1584 году был построен форт Сан-Антонио-Абад , а в 1591 году был построен форт Сантьяго . К 1600 году были построены рисовые террасы Филиппинских Кордильер . Пять кластеров рисовых террас были внесены в список Всемирного наследия . В 1607 году была построена церковь Сан-Агустин (Манила) . Здание было объявлено объектом Всемирного наследия . Сайт славится своим расписным интерьером. В 1613 году самая старая из сохранившихся письменных работ суйят на бумаге была написана через документы Университета Санто-Томас-Байбайин . После 1621 года Монреальские камни были созданы в Тикао, Масбате. В 1680 году была сооружена Арка веков . В 1692 году был написан образ Нуэстра-сеньора де ла Соледад де Порта Вага .

Manaoag Церковь была основана в 1701 году В 1710 году в список Всемирного наследия в Paoay Церковь была построена. Церковь известна своими гигантскими контрфорсами, частью архитектуры барокко, построенной после землетрясения. В 1720 году в Камарин-де-Вирхен в Санта-Ана были написаны религиозные картины. В 1725 году была построена историческая церковь Санта-Ана . В 1765 году была построена церковь Санта-Мария, внесенная в список Всемирного наследия . Участок отличается высокогорной структурой. Церковь Бакарры была построена в 1782 году. В 1783 году были впервые зарегистрированы иджанги , замки -крепости Батана . Точный возраст построек пока неизвестен. В 1797 г. в список Всемирного наследия в Miagao Церковь была построена. Церковь известна своей резьбой на фасаде. Церковь Тайюм была построена в 1803 году. В 1807 году были написаны картины Восстания Баси, изображающие революцию Илокано против испанского вмешательства в производство и потребление. В 1822 году был основан исторический парк Пако . В 1824 году был создан бамбуковый орган Las Piñas , ставший первым и единственным органом из бамбука. К 1852 году роспись сакрального искусства приходской церкви Сантьяго Апостол была закончена. В 1884 году « Убийство губернатора Бустаманте и его сына» и « Сполиариум» получили призы на художественном конкурсе в Испании. В 1890 году была написана картина « Кормление цыпленка» . «Парижская жизнь» была написана в 1892 году, а « Ла Булакенья» - в 1895 году. Глиняное искусство «Триумф науки над смертью» было создано в 1890 году. В 1891 году появилась первая и единственная стальная церковь в Азии, церковь Сан-Себастьяна ( Манила) , был построен. В 1894 году было изготовлено глиняное искусство «Месть матери» .

Коран Баянга был написан в ХХ веке, а возможно и раньше. В то же время посторонние обнаружили Каменный сельскохозяйственный календарь Гидайя, Бесао. В 1913 году памятник Ризалу был завершен. В 1927 году было перестроено главное здание Университета Санто-Томаса , а в 1933 году было построено его центральное здание семинарии. В 1931 году был разрушен королевский дворец Дарул Джамбанган из Сулу. В том же году был построен Манильский столичный театр . Картина «Прогресс медицины на Филиппинах» была завершена в 1953 году. Церковь Санто-Доминго была построена в 1954 году. В 1962 году была завершена роспись Международного института исследований риса , а в 1968 году была создана фреска в Маниле . В 1993 году был создан памятник Бонифачо. .

Западноазиатское / ближневосточное искусство

Искусство Месопотамии

Искусство Израиля и еврейская диаспора

Исламское искусство

Иранское искусство

Арабское искусство

Галерея искусства Азии

Смотрите также

Конкретные темы азиатского искусства

Общие художественные темы

Океания

Австралия

Новая Зеландия

Тихоокеанские острова

использованная литература

дальнейшее чтение

внешние ссылки