История искусства - History of art

История искусства фокусируется на объектах , сделанные людьми для любого числа духовных, описательных, философских, символического, концептуальных, документальные, декоративных, и даже функциональных и других целей, но с основным акцентом на его эстетической визуальной форме. Изобразительное искусство можно классифицировать по- разному , например, отделив изобразительное искусство от прикладного ; инклюзивное внимание к человеческому творчеству; или сосредоточение внимания на различных медиа, таких как архитектура , скульптура , живопись , кино , фотография и графика . В последние годы технический прогресс привел к появлению видеоарта, компьютерного искусства , перформанса , анимации , телевидения и видеоигр .

Историю искусства часто рассказывают как хронологию шедевров, созданных во время каждой цивилизации . Таким образом, его можно представить как историю высокой культуры , воплощенную в чудесах света . С другой стороны, выражения народного искусства также могут быть интегрированы в художественно-исторические нарративы, именуемые народным искусством или ремеслом . Чем ближе историк искусства занимается этими последними формами низкой культуры , тем более вероятно, что он определит свою работу как исследование визуальной культуры или материальной культуры или как вклад в области, связанные с историей искусства, такие как антропология или археология. . В последнем случае арт-объекты можно отнести к археологическим артефактам .

Предыстория

Раковина псевдодона DUB1006-fL с самыми ранними известными геометрическими гравюрами; предположительно сделанный Homo erectus ; c. 500000 л. оболочка; из Тринила ( Ява ); Центр биоразнообразия Naturalis ( Нидерланды )

Доисторическое искусство включает в себя широкий спектр произведений неграмотных культур, в том числе некоторые из самых ранних человеческих артефактов. Самыми известными произведениями доисторического искусства являются большие наскальные рисунки эпохи палеолита , на которых изображены животные континентальной Европы, особенно в Ласко в регионе Дордонь во Франции. Известно несколько сотен украшенных пещер, относящихся к периоду верхнего палеолита ( ок. 38–12 000 до н . Э.). Примеры есть в Украине , Италии и Великобритании , но больше всего во Франции и Испании. Было высказано множество теорий о назначении этого искусства, наиболее распространенная из которых заключалась в том, что оно было частью религиозных ритуалов, возможно, для того, чтобы вызвать успех на охоте.

Помимо наскальной живописи, в различных частях мира, особенно в Европе, делались небольшие доисторические статуэтки, известные как фигурки Венеры с преувеличенными грудями и животами, самой известной из которых была Венера Виллендорфская , найденная в Австрии . У большинства маленькая голова, широкие бедра и сужающиеся к концу ноги. Руки и ступни часто отсутствуют, а голова обычно маленькая и безликая.

Античность

Месопотамия

Цилиндрическая печать Хаш-хамера, изображающая восседающего на троне царя Ур-Намму , с современным оттиском; c. 2100 г. до н.э .; гринстоун; высота: 5,3 см; Британский музей (Лондон)

Южный Ирак в 4-м тысячелетии до нашей эры стал свидетелем появления первых городов и самой ранней формы письма. Древняя Месопотамия охватывает современный Ирак, а также части Сирии и Турции . Поскольку регион расположен в дельте реки Тигр-Евфрат , здесь жили многочисленные цивилизации, в частности Шумер , Аккад , Ассирия и Вавилония . Самая ранняя письменность возникла здесь как одна из нескольких административных технологий, которые также включали цилиндрическую печать . В месопотамской архитектуре использовались кирпичи , перемычки и мозаика из конусов . Яркие примеры - зиккураты , большие храмы в виде ступенчатых пирамид . Гробница представляла собой камеру, покрытую ложным куполом , как в некоторых примерах, найденных в Уре . Были также дворцы, обнесенные стенами с террасой в виде зиккурата, где сады были важной особенностью. В висячие сады Семирамиды был одним из семи чудес древнего мира .

Рельефная скульптура разработана из дерева и камня . Скульптура изображала религиозные, военные и охотничьи сцены, в том числе фигуры людей и животных. В шумерский период изготавливались небольшие статуи людей. Эти статуи имели угловую форму и были изготовлены из цветного камня. У фигур обычно была лысина со сложенными на груди руками. В аккадском период , статуи изображены фигуры с длинными волосами и бородами, такие как стелы из Нар-Сина . В период амореев (или неосумерианцев ) статуи представляли королей из Гудеа из Лагаша в мантии и тюрбанах на головах и руками на груди. Во время вавилонского правления стела Хаммурапи имела большое значение, поскольку на ней был изображен великий царь Хаммурапи над письменной копией введенных им законов. Ассирийская скульптура отличается своим антропоморфизмом скота и крылатым джинном , который изображен летящим во многих рельефах , изображающих военный и охотничьи сцены, например, в Черном Обелиске из Салманасар III .


Египет

Одна из первых великих цивилизаций возникла в Египте , в которой были тщательно продуманные и сложные произведения искусства, созданные профессиональными художниками и мастерами. Искусство Египта было религиозным и символическим. Учитывая, что культура имела высокоцентрализованную структуру власти и иерархию, большое количество произведений искусства было создано в честь фараона , включая великие памятники. Египетское искусство и культура подчеркивали религиозную концепцию бессмертия. Позднее египетское искусство включает коптское и византийское искусство.

Для архитектуры характерны монументальные сооружения, построенные из крупных каменных блоков, перемычек и массивных колонн . Среди погребальных памятников - мастабы , гробницы прямоугольной формы; пирамиды , которые включали ступенчатые пирамиды ( Саккара ) или гладкие пирамиды ( Гиза ); и гипогей , подземные гробницы ( Долина царей ). Другими великими постройками были храмы , которые, как правило, представляли собой монументальные комплексы, которым предшествовала аллея сфинксов и обелисков . В храмах использовались пилоны и трапециевидные стены с гипаэтросом и гипостильными залами и святынями . Храмы Карнака , Луксора , Филе и Эдфу являются хорошими примерами. Другой тип храма - это скальный храм в форме гипогея , найденный в Абу-Симбеле и Дейр-эль-Бахари .

В живописи египетской эпохи использовалось сопоставление перекрывающихся плоскостей. Изображения были представлены иерархически, т. Е. Фараон крупнее обычных предметов или врагов, изображенных рядом с ним. Египтяне рисовали контур головы и конечностей в профиль, а туловище, руки и глаза рисовали спереди. В Египте были развиты прикладные искусства , в частности изделия из дерева и металла . Есть великолепные примеры , такие как кедровая мебель инкрустация с черным деревом и слоновой костью , которую можно увидеть в гробницах на египетском музее . Другие примеры включают предметы, найденные в гробнице Тутанхамона , которые имеют большую художественную ценность.

Цивилизация долины Инда

Обнаруженная в 1922 году, намного позже современных культур Месопотамии и Египта, цивилизация долины Инда, также известная как цивилизация Хараппа ( около 2400-1900 гг . До н.э.), теперь признана чрезвычайно развитой, в некотором смысле сопоставимой с этими культурами. Его объекты охватывают территорию, простирающуюся от современного северо-восточного Афганистана через большую часть Пакистана до западной и северо-западной Индии . Крупные города культуры включают Хараппу и Мохенджо-Даро , расположенные соответственно в Пенджабе и в провинции Синд на севере Пакистана, и портовый город Лотал в штате Гуджарат ( Индия ). Самыми многочисленными артефактами являются квадратные и прямоугольные печати и оттиски печати с изображениями животных, обычно быков, очень короткие харапские тексты . Многие стилизованные терракотовые статуэтки также были найдены на стоянках Хараппана, а также несколько каменных и бронзовых скульптур, более натуралистичных, чем керамические.

Китай

Во время китайского бронзового века (династии Шан и Чжоу ) придворные ходатайства и общение с духовным миром проводились шаманом (возможно, самим королем). В династии Шан (ок. 1600–1050 до н. Э.) Верховным божеством был Шангди , но аристократические семьи предпочитали контактировать с духами своих предков. Они готовили для них изысканные трапезы с едой и напитками, подогревали и подавали в бронзовых ритуальных сосудах . Бронзовые сосуды использовались в религиозных ритуалах, чтобы укрепить авторитет Дханга, и когда столица Шан пала, примерно в 1050 г. до н.э., его завоеватели, Чжоу (ок. 1050–156 до н. Э.), Продолжали использовать эти сосуды в религиозных ритуалах, но в основном для еды. а не пить. Суд Шан был обвинен в чрезмерном пьянстве, а Чжоу, продвигая имперский Тянь («Небеса») как главную духовную силу, а не предков, ограничивали вино в религиозных обрядах в пользу еды. Использование ритуальной бронзы продолжалось и в раннюю династию Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.).

Одним из наиболее часто используемых мотивов был таоти , стилизованное лицо, разделенное по центру на две почти зеркальные половины, с ноздрями, глазами, бровями, челюстями, щеками и рогами, окруженными резными узорами. Невозможно определить, представляли ли даоты реальных, мифологических или полностью вымышленных существ.

Загадочные изделия из бронзы в Саньсиндуи , недалеко от Гуанханапровинции Сычуань ), являются свидетельством таинственной религиозной системы жертвоприношений, не похожей ни на что другое в древнем Китае и сильно отличающейся от искусства современного Шан в Аньяне . При раскопках в Саньсиндуи с 1986 года было обнаружено 4 ямы с артефактами из бронзы , нефрита и золота . Была найдена большая бронзовая статуя человеческой фигуры, стоящая на постаменте, украшенном абстрактными головами слона. Помимо стоящей фигуры, в первых двух ямах находилось более 50 бронзовых голов, на некоторых были головные уборы, а на 3 - лобовое покрытие из сусального золота .

Греческий

В отличие от того, как большинство из нас видит их сегодня, все египетские , греческие и римские скульптуры и храмы изначально были окрашены в яркие цвета. Они стали белыми из-за сотен лет пренебрежения и вандализма, спровоцированных христианами в раннем средневековье , которые считали их «язычниками» и считали, что они пропагандируют идолопоклонство. Нам они кажутся странными, хотя все они были очень красочными еще в древности.

Несмотря на гармоничные пропорции и упор на эстетику, древнегреческое и римское искусство стало основой и источником вдохновения для всего западного искусства. Даже в древности искусство Греции признавалось другими культурами как выдающееся. Латинский поэт Гораций , писавший в эпоху римского императора Августа (1 век до н.э. - 1 век нашей эры), как известно, заметил, что, хотя и была побеждена на поле битвы, «плененная Греция победила своего дикого завоевателя и принесла искусство в деревенский Рим». Сила греческого искусства заключается в том, что оно изображает человеческую фигуру и сосредотачивается на людях и антропоморфных богах как главных предметах.

Хотя не было окончательной трансформации, искусство обычно стилистически делится на четыре периода: геометрический, архаический, классический и эллинистический. В классический период (V-IV вв. До н.э.) реализм и идеализм тонко уравновешивались. Для сравнения, работы более ранних геометрических (9-8 вв. До н.э.) и архаических (7-6 вв. До н.э.) эпох иногда кажутся примитивными, но у этих художников были разные цели: натуралистическое изображение не обязательно было их целью. Греки и художники опирались на художественные основы Египта, развивая искусство скульптуры, живописи, архитектуры и керамики. Среди отработанных ими техник - резьба и отливка скульптур, фресковая роспись и строительство величественных зданий.

Любители римского искусства собирали древнегреческие оригиналы, римские реплики греческого искусства или недавно созданные картины и скульптуры, выполненные в различных греческих стилях, таким образом сохраняя для потомков произведения искусства, которые иначе были бы утеряны. Настенные и панно, скульптуры и мозаики украшали общественные места и зажиточные частные дома. Греческие изображения также появлялись на римских украшениях, сосудах из золота, серебра, бронзы и терракоты и даже на оружии и торговых грузах. С эпохи Возрождения искусство Древней Греции, переданное через Римскую империю , служило основой западного искусства.

С наступлением античной эпохи в Афинах , в V веке до нашей эры, классический способ строительства глубоко вплетен в западное понимание архитектуры и, по сути, самой цивилизации. Примерно с 850 г. до н.э. до примерно 300 г. н.э. древнегреческая культура процветала на материковой части Греции , на Пелопоннесе и на островах Эгейского моря. Пять чудес света были греческими: храм Артемиды в Эфесе , статуя Зевса в Олимпии , мавзолей в Галикарнасе , Колосс Родосский и Александрийский маяк . Однако древнегреческая архитектура наиболее известна своими храмами , многие из которых находятся по всему региону, и Парфенон является ярким примером этого. Позже они послужат источником вдохновения для неоклассических архитекторов конца 18 и 19 веков. Самые известные храмы - Парфенон и Эрехтейон , оба находятся на Афинском Акрополе . Еще одним типом важных древнегреческих построек были театры. И храмы, и театры использовали сложное сочетание оптических иллюзий и сбалансированных соотношений.

Глядя на археологические остатки древних построек, легко увидеть в них известняк и бетон серо-коричневого тона и сделать предположение, что древние постройки были монохромными. Однако в большей части Древнего мира архитектура была полихромной . Одно из самых знаковых древних зданий, Парфенон ( около 447–432 гг . До н.э.) в Афинах , украшено деталями, окрашенными в яркие красные, синие и зеленые цвета. Помимо древних храмов, средневековые соборы никогда не были полностью белыми. У большинства из них были цветные блики на капителях и колоннах . Эта практика окраски зданий и произведений искусства была оставлена ​​в эпоху раннего Возрождения. Это связано с тем, что Леонардо да Винчи и другие художники эпохи Возрождения, в том числе Микеланджело , продвигали цветовую палитру, вдохновленную древними греко-римскими руинами, которые из-за пренебрежения и постоянного разрушения в средние века стали белыми, несмотря на то, что изначально были красочными. Пигменты, используемые в древнем мире, были нежными и особенно подверженными выветриванию. Без необходимого ухода цвета, подверженные воздействию дождя, снега, грязи и других факторов, со временем исчезли, и таким образом древние здания и произведения искусства стали белыми, такими, какими они являются сегодня и были во времена Возрождения.

Рим

Ни одна цивилизация не оказала столь стойкого и мощного влияния на западное искусство, как Римская империя. Римское искусство иногда считается производным от греческих прецедентов, но также имеет свои отличительные особенности. Римская скульптура часто менее идеализирована, чем греческие прецеденты, будучи очень реалистичной. В римской архитектуре часто использовался бетон , и были изобретены такие элементы, как круглая арка и купол . Роскошные предметы из металла , гравировки драгоценных камней , резьбы по слоновой кости и стекла иногда рассматриваются в современных терминах как второстепенные формы римского искусства, хотя это не обязательно было так для современников. Римляне, как и древние греки, раскрасили в яркие цвета все свои статуи и здания.

После средневековья , с началом эпохи Возрождения во Флоренции в Италии , произошло возрождение Древнего Рима. На этом пути римское искусство играло и играет ведущую роль в определении эстетики западного мира.

Ближневосточный

Доисламская аравия

Доисламское арабское искусство в Британском музее (Лондон)

Искусство доисламской Аравии связано с искусством соседних культур. Доисламский Йемен производил стилизованные алебастровые головы большого эстетического и исторического очарования. Большинство доисламских скульптур выполнено из алебастра .

Археология выявила некоторые ранние оседлые цивилизации в Саудовской Аравии : цивилизация Дилмун на востоке Аравийского полуострова, Тамуд к северу от Хиджаза , а также королевство Кинда и цивилизация Аль-Магар в центре Аравийского полуострова. Самые ранние известные события в арабской истории - это миграции с полуострова в соседние районы. В древности роль южноаравийских обществ, таких как Саба ( Шеба ), в производстве и торговле ароматическими веществами не только принесла богатство этим королевствам, но и связала Аравийский полуостров в торговые сети, что привело к широкому художественному влиянию.

Кажется вероятным, что примерно до 4000 г. до н.э. аравийский климат был несколько более влажным, чем сегодня, благодаря системе муссонов, которая с тех пор сместилась на юг. В конце четвертого тысячелетия до нашей эры начали появляться постоянные поселения, и жители приспосабливались к возникающим засушливым условиям. На юго-западе Аравии (современный Йемен ) более влажный климат поддерживал несколько королевств во втором и первом тысячелетиях до нашей эры. Наиболее Famos из них Sheba , царство библейской царицы Савской . Эти общества использовали сочетание торговли специями и природными ресурсами региона, включая ароматические вещества, такие как ладан и мирра, для построения богатых королевств. Марибский , то звездопоклонник капитал, были хорошо расположен к крану в Средиземноморье, а также Ближний Восток торговлю, и в царствах на восток, в том , что сегодня в Омане , торговые связи с Месопотамией , Персией и даже Индией были возможны. Этот регион никогда не был частью Ассирийской или Персидской империй , и даже вавилонский контроль над северо-западной Аравией, кажется, был относительно недолгим. Позже попытки Романа контролировать прибыльную торговлю в регионе провалились. Эта непроницаемость для иностранных армий, несомненно, увеличивала переговорную силу древних правителей в торговле пряностями и благовониями.

Несмотря на внешние влияния, Южная Аравия сохранила свои особенности. Человеческая фигура обычно основана на сильных квадратных формах, тонкое моделирование деталей контрастирует со стилизованной простотой формы.

Исламский

Исламское искусство хорошо известно со времен средневековья благодаря использованию сложных геометрических узоров , красочной плитки, стилизованных природных мотивов и подробной каллиграфии. Редко ли надписи оказывали такое глубокое влияние на прикладное искусство и архитектуру. Ислам появился в Западной Аравии в 7 веке нашей эры через откровения, переданные пророку Мухаммеду в Мекке . В течение столетия после смерти Мухаммеда исламские империи контролировали Ближний Восток , Испанию и некоторые части Азии и Африки. Из-за этого, как и в случае с римским искусством , исламское искусство и архитектура имели региональные версии. По мере того как исламский мир расширялся до центров поздней античной культуры, он обогащался философскими и интеллектуальными движениями. Ранние халифаты поощряли перевод греческих сочинений на арабский язык и достижения в области математики и естественных наук. Это контрастирует с современным представлением о том, что исламское искусство догматично и неизменно. Представления людей и животных не были редкостью. Только определенные периоды ограничивали его (аналогично византийскому иконоборчеству ).

Америка

Ацтеков

Происходя из самых простых кочевников как группа «нецивилизованных» странников, ацтеки создали крупнейшую империю в истории Мезоамерики, просуществовавшую с 1427/1428 по 1521 год. Дань завоеванных государств предоставила экономические и художественные ресурсы для преобразования их столицы Теночтитлан (древний Мехико ) в одно из чудес света. Художники со всей Мезоамерики создавали потрясающие произведения искусства для своих новых мастеров, создавая изящные золотые предметы личного убранства и грозные скульптуры свирепых богов.

Ацтеки вошли в долину Мексики (область современного Мехико ) в 1325 году и в течение столетия взяли под свой контроль этот пышный регион, наполненный могущественными городами-государствами. Их сила была основана на непоколебимой вере в видение своего божества-покровителя Уицилопочтли , бога войны, и на их несравненной военной доблести.

Грандиозность ацтекского государства отражалась в поведении знати и воинов, отличившихся в битвах. Их тонко сотканная и богато украшенная одежда подчеркивалась переливающимися перьями тропических птиц и богато украшенными украшениями из золота, серебра, полудрагоценных камней и редких ракушек.

Искусство ацтеков может быть прямым и драматичным или тонким и деликатным, в зависимости от функции произведения. Лучшие изделия, от монументальных скульптур до масок и золотых украшений, демонстрируют выдающееся мастерство и эстетическую изысканность. Эта же изысканность характеризует поэзию ацтеков, которая славилась своей лирической красотой и духовной глубиной. Пиршества ацтеков не обходились без соревновательного обмена словесным артистизмом между хорошо одетыми знатными гостями.

майя

Древнее искусство майя относится к материальным искусствам цивилизации майя , восточной и юго-восточной мезоамериканской культуры, которая сформировалась в течение более позднего доклассического периода (500 г. до н.э. - 200 г. н.э.). Его величайший художественный расцвет пришелся на семь веков классического периода (ок. 200–900 гг. Н. Э.). Затем искусство древних майя пережило длительную постклассическую фазу, прежде чем потрясения XVI века разрушили придворную культуру и положили конец художественной традиции майя. Существовало множество региональных стилей, которые не всегда совпадали с изменяющимися границами политий майя. Ольмеки , Теотиуакан и тольтеки оказали влияние на искусство майя. Традиционные формы искусства сохранились в основном в ткачестве и дизайне крестьянских домов.

Произведения искусства из нефрита считаются одними из самых замечательных произведений искусства, которые оставили нам майя. Большинство найденных предметов относятся к классическому периоду , но обнаруживается все больше и больше артефактов, относящихся к доклассическому периоду . К самым ранним из них относятся простые бусы без украшений, найденные в захоронениях в Куэлло ( Белиз ) между 1200 и 900 годами до нашей эры. В то время огранка камня была уже высоко развита у ольмеков , которые работали с нефритом еще до майя. В Мезоамерике нефрит встречается исключительно как жадеит ; нефрит , другая разновидность, известная как нефрит, там не существует. Однако в этой области Мезоамерики «нефрит» - собирательный термин для ряда других зеленых или синих камней. Нефритовые предметы помещали в погребения, использовали в ритуалах и, конечно же, в качестве украшений. Помимо того, что они использовались для изготовления бус, которые часто нанизывали вместе, чтобы сделать богато украшенные подвески и ожерелья, они также использовались для изготовления ушных катушек, браслетов для рук, голеней и ступней, ремней, грудных мышц (нагрудные украшения), а также для украшения одежды и головных уборов. .

Искусство древних майя славится своей эстетической красотой и повествовательным содержанием. Из всех средств массовой информации, в которых работали художники майя, их картины на керамике являются одними из самых впечатляющих благодаря своей технической и эстетической изысканности. Эти сложные живописные сцены, сопровождаемые иероглифическими текстами, рассказывают об исторических событиях классического периода и раскрывают религиозную идеологию, на которой майя построили великую цивилизацию.

Колумбия

Золото - неизменно блестящий металл статуса, богатства и власти - вдохновляло испанцев на исследование земного шара и было важным атрибутом престижа, авторитета и религиозной идеологии среди народов Центральной Америки и Колумбии.

В Колумбии золото было важно из-за его связи с божественной силой солнца. Это было частью сложной идеологии универсальных бинарных противоположностей: мужской и женский, светлый и темный, земной и духовный миры. Золотые украшения для тела были отлиты в сложных формах, их иконография передавала социальную, политическую и духовную мощь через изображения могущественных шаманов-правителей, тотемов родословной и сверхъестественных духов-защитников.

Андские регионы

Древние цивилизации Перу и Боливии питали уникальные художественные традиции, в том числе одну из самых эстетически впечатляющих традиций волоконного искусства в мире, которую можно увидеть на артефактах, от одежды до погребальных саван и архитектурных украшений. Истоки андской цивилизации восходят к 3000 году до нашей эры. Обуздывая сложные природные условия, включая самую засушливую прибрежную пустыню в мире, пустынные, продуваемые ветрами высокогорья и грозные горы, жители доколумбовых Анд преуспели в сельском хозяйстве, морской рыбной ловле и животноводстве. К 1800 г. до н.э. ритуальные и общественные здания, возведенные на массивных глинобитных платформах, преобладали в крупных поселениях, особенно в прибрежных долинах рек. Две из первых важных культур этой земли - культура Чавин и Паракас .

Моча контролировала речные долины на северном побережье, в то время как Наска в южной части Перу властвовала вдоль прибрежных пустних и прилегающих гор, наследуя технологические достижения - в области сельского хозяйства и архитектурах - а также художественные традиции предыдущего Паракаса людей . Обе культуры процветали примерно в 100–800 годах нашей эры. Керамика моче - одна из самых разнообразных в мире. Использование пресс-форм очевидно. Это позволило бы массовое производство определенных форм. После упадка Моче в регионе Анд возникли две большие сосуществующие империи. На севере Империя Вари (или Хуари). Вари известны своей каменной архитектурой и скульптурными достижениями, но их наибольшее мастерство было в керамике. Вари производили великолепные большие керамические изделия, на многих из которых были изображения Бога-посоха .

Чиму предшествовал простой керамический стиль, известный как Сикан (700–900 гг. Н.э.), который становился все более декоративным, пока не стал узнаваемым как Чиму в начале второго тысячелетия. Чиму создавали прекрасные портретные и декоративные работы из металла, особенно из золота, но особенно из серебра. Чиму также известны своей работой с перьями, изготовив множество эталонов и головных уборов из различных тропических перьев, которые были сделаны в виде запеканок и рыб, оба из которых были в почете у чиму.

Азиатский

Восточная цивилизация широко включает Азию, а также сложную традицию создания искусства. Один из подходов к истории восточного искусства разделяет сферу по нациям с акцентом на индийское искусство , китайское искусство и японское искусство . Из-за размеров континента отчетливо видна разница между Восточной Азией и Южной Азией в контексте искусства. В большей части Азии керамика была преобладающим видом искусства. Керамика часто украшается геометрическими узорами или абстрактными изображениями животных, людей или растений. Другими очень распространенными видами искусства были скульптура и живопись.

Индийский

Ранние буддисты в Индии разработали символы, связанные с Буддой . Основные остатки буддийского искусства начинают в период после Маурьева , в Северной Индии Кушанского искусства , то греко-буддийское искусство из Гандхара и , наконец, «классический» период Гупта искусства . Кроме того, была школа Андхра, которая появилась раньше школы Гандхара и располагалась в Южной Индии. Большое количество скульптур сохранилось с некоторых ключевых мест, таких как Санчи , Бхархут и Амаравати , некоторые из которых остаются на месте , а другие - в музеях Индии или по всему миру. Ступы были окружены церемониальными оградами с четырьмя обильно вырезанными торанами или орнаментальными воротами, обращенными по сторонам света. Они выполнены из камня, но явно принимают формы, созданные из дерева. Они и стены самой ступы могут быть сильно украшены рельефами, в основном иллюстрирующими жизнь Будды. Постепенно вылепились фигуры в натуральную величину, сначала с глубоким рельефом, но затем отдельно стоящие. Искусство Матхуры было наиболее важным центром в этом развитии, которое относилось как к индуистскому, так и к джайнскому искусству, а также к буддийскому. Фасады и интерьеры высеченных в скале молитвенных залов чаитя и монастырских вихар сохранились лучше, чем аналогичные отдельно стоящие конструкции в других местах, которые долгое время были в основном деревянными. Пещеры в Аджанте , Карле , Бхадже и других местах содержат ранние скульптуры, которых часто меньше, чем более поздние работы, такие как культовые фигуры Будды и бодхисаттв , которые не встречаются, по крайней мере, до 100 года нашей эры.

китайский язык

В Восточной Азии живопись возникла из практики каллиграфии, а портреты и пейзажи писались на шелковой ткани. Большинство картин представляют собой пейзажи или портреты. Самыми впечатляющими скульптурами являются ритуальные бронзовые скульптуры и бронзовые скульптуры из Саньсиндуй . Очень известный пример китайского искусства - Терракотовая армия , изображающая армии Цинь Шихуанди , первого императора Китая. Это форма погребального искусства, похороненного вместе с императором в 210–209 годах до н.э., целью которой была защита императора в его загробной жизни.

Китайское искусство является одним из старейших непрерывных традиционных искусств в мире и отличается необычайной степенью преемственности и осознания этой традиции, не имеющей эквивалента западному коллапсу и постепенному восстановлению классических стилей. Средства массовой информации, которые обычно классифицируются на Западе с эпохи Возрождения как декоративное искусство , чрезвычайно важны в китайском искусстве, и большая часть лучших работ была произведена в больших мастерских или фабриках практически неизвестными художниками, особенно в китайской керамике . Ассортимент и качество товаров, которыми украшали китайские дворцы и дома, а также их жителей, поражают воображение. Материалы поступали со всего Китая и далеко за его пределами: золото и серебро, перламутр , слоновая кость и рог носорога, дерево и лак , нефрит и мыльный камень , шелк и бумага.

Японский

Цветущая вишня и осенние клены с отрывками из стихотворений; по Тоса Митсуоки ; 1654–1681; пара шестипанельных экранов: тушь, цвет, золото и серебро на шелке; высота: 144 см, ширина: 286 см; Чикагский институт искусств ( Чикаго , США)

Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств массовой информации, включая древнюю керамику , скульптуру , живопись тушью и каллиграфию на шелке и бумаге, картины укиё-э и гравюры на дереве , керамику, оригами и, в последнее время, мангу - современные японские карикатуры и комиксы - наряду с множеством других типов.

Первые поселенцы Японии, Дзёмон люди (с. 11,000-300 до н.э.). Они создавали богато украшенные сосуды для хранения керамики , глиняные фигурки, называемые догу . Япония стала объектом внезапных нашествий новых идей, за которыми последовали длительные периоды минимального контакта с внешним миром. Со временем японцы развили способность впитывать, подражать и, наконец, ассимилировать те элементы иностранной культуры, которые дополняли их эстетические предпочтения. Самое раннее сложное искусство в Японии было создано в 7-8 веках в связи с буддизмом . В IX веке, когда японцы начали отворачиваться от Китая и развивать местные формы самовыражения, светское искусство становилось все более важным; до конца 15 века процветали как религиозное, так и светское искусство. После Онинской войны (1467–1477) Япония вступила в период политических, социальных и экономических потрясений, которые длились более века. В государстве, которое возникло под руководством сёгуната Токугава , организованная религия играла гораздо менее важную роль в жизни людей, а сохранившиеся искусства были в основном светскими.

Юговосточная Азия

Панель Прамбанан ; начало 9 века; вулканический камень; высота: c. 23 см. Эта панель украшает Candi Loro Jonggrang, или Храм стройной девушки, главный памятник храмового комплекса Прамбанан в Центральной Яве ( Индонезия ). В нем находится статуя Дурги , супруги Шивы в ее жестоком облике.

Искусство Юго-Восточной Азии, региона, простирающегося от Бирмы (также известной как Мьянма) и индонезийского острова Суматра на западе до Папуа-Новой Гвинеи и Филиппин на востоке, необычайно богато и разнообразно, во многом благодаря культурному влиянию Индия, которая пришла с появлением индуизма и буддизма в первых веках нашей эры. Здесь живут популяции самого разного этнического происхождения, говорящие на сотнях разных языков и существующие на разных этапах культурной эволюции. За некоторыми исключениями, эти народы в течение своей долгой истории подвергались внешнему культурному влиянию различной интенсивности со стороны исламского мира , Китая и Запада, а также Индии. Большая часть искусства Юго-Восточной Азии носит религиозный характер. Проникновение индуистских и буддийских влияний из Индии было особенно сильным в материковых странах Бирме , Таиланде , Камбодже и Лаосе . Христианские влияния преобладают на Филиппинах и в Восточном Тиморе . Китайское влияние было более ограниченным, за исключением Вьетнама , который находился под китайской гегемонией со 2-го века до нашей эры до 10-го века нашей эры.

Ранние правители Юго-Восточной Азии строили государственные храмы, чтобы утвердить свою легитимность и материально выразить свою мощь и авторитет. Их часто украшали рельефные скульптуры большой живости и оригинальности, которые, тем не менее, всегда соответствовали установленным иконографическим традициям изображения индуистских и буддийских тем.

Художники Юго-Восточной Азии издавна преуспели в фресковой живописи и росписи по лаку, особенно в буддийских странах материка и на индуистском Бали . Фрески и вообще расписаны на внутренних стенах галерей, окружающих ограды храма, в то время как крашеный лак в основном наносится на деревянные предметы: панели, шкафы, сундуки, двери и ставни. Сюжет обеих форм живописи обычно ограничивается изображениями индуистских божеств; рассказы из индуистских эпосов, Рамаяны и Махабхараты ; эпизоды из жизни исторического Будды и рассказы из его прошлых жизней ( джатаки ); и другие индуистские и буддийские темы.

Африке

Африканские произведения искусства выставлены в музее Ритберга из Цюриха ( Швейцария ) в августе 2011 года.

Африканское искусство включает в себя как скульптуру , олицетворяемую латунным литьем народа Бенина и Королевства Ифо , так и терракоты Дженне-Йено , Ифе и культуры Нок , а также народное искусство . Одновременно с европейским средневековьем в XI веке нашей эры в Великом Зимбабве была основана нация, которая создавала величественную архитектуру, золотые скульптуры и замысловатые украшения . Впечатляющая скульптура была одновременно отлита из латуни народом йоруба, живущим на территории современной Нигерии. Такая культура росла и в конечном итоге преобразовалась в королевство Бенин , где были созданы элегантные алтарные бивни, латунные головы, медные таблички и дворцовая архитектура. Королевство Бенин было распущено британцами в 1897 году, и в Нигерии осталось мало культурного искусства. Сегодня самым значительным местом проведения искусства в Африке является Йоханнесбургская биеннале .

Африка к югу от Сахары отличается высокой плотностью культур. Известны догоны из Мали ; Люди эдо , йоруба , игбо и цивилизация нок из Нигерии ; Народы куба и люба из Центральной Африки ; Люди ашанти из Ганы ; Зулусы из южной части Африки ; и клыки из Экваториальной Гвинеи (85%), Камеруна и Габона; в Сан - цивилизационные люди из Чада; Квеле люди из восточного Габона, Республики Конго и Камеруна.

Множество форм африканского искусства являются компонентами некоторых из самых ярких и отзывчивых художественных традиций в мире и являются неотъемлемой частью жизни африканцев. Произведения искусства, созданные для определенных целей, могут раскрыть свою непреходящую важность посредством физических преобразований, которые улучшают их внешний вид и силу. Многие традиционные африканские формы искусства созданы как проводники в духовный мир и меняют внешний вид по мере добавления материалов, которые усиливают их красоту и силу. Чем больше используется и благословляется произведение, тем более абстрактным оно становится с увеличением жертвенного материала и стиранием оригинальных деталей.

Океания

Искусство Океании включает географические области Микронезии , Полинезии , Австралии, Новой Зеландии и Меланезии . Один подход рассматривает область тематически, с акцентом на происхождение , войну, тело, пол, торговлю, религию и туризм . К сожалению, от Океании сохранилось немного древнего искусства. Ученые полагают, что это вероятно потому, что художники использовали скоропортящиеся материалы, такие как дерево и перья, которые не выжили в тропическом климате, и нет никаких исторических записей, относящихся к большей части этого материала. Таким образом, понимание художественной культуры Океании начинается с ее документирования западными людьми, такими как капитан Джеймс Кук , в 18 веке. На рубеже 20-го века французский художник Поль Гоген провел значительное количество времени на Таити, живя с местными жителями и создавая современное искусство - факт, который до сих пор неразрывно связан с таитянской визуальной культурой. Искусство коренных народов Австралии часто выглядит как абстрактное современное искусство, но оно имеет глубокие корни в местной культуре.

Искусство Океании - последняя великая традиция искусства, которую оценил весь мир. Несмотря на то, что это одна из самых продолжительных традиций искусства в мире, насчитывающая не менее пятидесяти тысячелетий, она оставалась относительно неизвестной до второй половины 20 века.

Часто эфемерные материалы искусства аборигенов Австралии затрудняют определение древности большинства форм искусства, практикуемых сегодня. Самые прочные формы - это множество наскальных рисунков и наскальных рисунков, которые можно найти по всему континенту. Свидетельства указывают на то, что в откосе Арнемленда картины были созданы пятьдесят тысяч лет назад, до палеолитических наскальных рисунков Альтамиры и Ласко в Европе.

Европейский

Средневековый

С упадком Римской империи началась эпоха средневековья , продолжавшаяся тысячелетие. Раннехристианское искусство начинается с этого периода, за ним следуют византийское искусство , англосаксонское искусство , искусство викингов , оттоновское искусство , романское искусство и готическое искусство , а исламское искусство доминирует в восточном Средиземноморье.

В византийском и готическом искусстве средневековья доминирование церкви привело к появлению большого количества религиозного искусства. В картинах широко использовалось золото, на котором фигуры изображались в упрощенной форме.


Германский язык: искусство периода миграции

Искусство периода переселения обозначает произведения искусства германских народов в период переселения (ок. 300 - 900). Она включает в себя искусство германских племен на континенте, а также начала островного искусства искусства англосаксонских (и других форм под влиянием кельтского искусства на Британских островах). Он произошел от более ранних искусств древнегерманских культур (примером которых является искусство скандинавского бронзового века ), которые также породили искусство викингов в Скандинавии примерно в тот же период.

Викинг

Англосаксонский

Англосаксонское искусство охватывает искусство, созданное в течение англосаксонского периода английской истории, начиная со стиля периода миграции, который англосаксы принесли с собой с континента в V веке. Период англосаксонского искусства закончился в 1066 году нормандским завоеванием большого англосаксонского национального государства, чье изощренное искусство оказало влияние на большую часть северной Европы. Двумя периодами выдающихся достижений были VII и VIII века, связанные с изделиями из металла и ювелирными изделиями из Саттон-Ху и серией великолепных иллюминированных манускриптов, и заключительный период после 950 года, когда произошло возрождение английской культуры после конца XIX века. Вторжения викингов . Ко времени завоевания почти завершился переход к романскому стилю. Важные художественные центры, насколько это возможно, были сосредоточены на окраинах Англии, в Нортумбрии , особенно в ранний период, а также в Уэссексе и Кенте у южного побережья.

византийский

Две страницы Евангелия с комментариями: Портрет Марка; 1000–1100; тушь, темпера , золото, пергамент и кожаный переплет; лист: 28 × 23 см; Кливлендский художественный музей ( Кливленд , Огайо , США)
Византийский угольщик; конец VI – VII вв .; золото, изумруд , сапфир , аметисты и жемчуг ; диаметр: 23 см; из константинопольской мастерской; Antikensammlung Berlin ( Берлин , Германия)

Византийское искусство относится к совокупности христианских греческих художественных произведений Восточной Римской (Византийской) империи, а также народов и государств, унаследованных от империи в культурном плане. Хотя сама империя возникла из упадка Рима и просуществовала до падения Константинополя в 1453 году, дата начала византийского периода в истории искусства более ясна, чем в политической истории, хотя и неточна. Многие восточно-православные государства в Восточной Европе, а также в некоторой степени мусульманские государства восточного Средиземноморья сохранили многие аспекты культуры и искусства империи на протяжении столетий после этого.

Иконы (от греческого εἰκών eikōn «образ», «сходство») - важнейшие визуальные элементы византийской религиозной практики, занимающие центральное место в православном богослужении с конца иконоборчества в девятом веке. Согласованные в своем формате, чтобы сохранить ощущение портретной живописи и близость любимых изображений, они, тем не менее, со временем трансформировались. Необычной чертой византийского искусства являются золотые задники. Прозрачное стекло часто покрывали золотыми листами, чтобы создать богатый мерцающий эффект.

Священные книги, которые несли патриархи в восточных процессиях, читали монахи в уединенных пещерах и держали императоры на важных церемониях, часто красиво иллюстрировали, занимали центральное место в византийской вере и ритуалах. Кажется, что в ранневизантийский период между шестым и восьмым веками нашей эры было создано немного рукописей, но после окончания иконоборчества в девятом веке был расцвет расписных книг.

Ювелирные изделия, которые носили мужчины, женщины и дети, были явным показателем положения и богатства в византийском обществе. Стили варьировались от смелой, тяжелой работы из золота с яркими крупными камнями кабошон до необычайно тонкой золотой филиграни и зернистости. Орнамент варьировался от декоративных узоров до цветочных и животных мотивов и сложной христианской иконографии. Часто к парадному платью прикрепляли украшения, которые нечасто требовали чистки. Популярной техникой с 3-го по 7-й век был opus interrasile или diatrita , в котором тонкие тонкие листы золота прокалывались, создавая эффект кружева, который одновременно красив и экономичен, поскольку снижает вес используемого золота. К 5-му веку, стимулированные торговлей с Востоком, были включены цветные драгоценные и полудрагоценные камни, полированные, а не ограненные. Декоративные узоры были выбраны из произведений с ценой на золото, выделенных темной чернью (сульфид серебра, контрастирующий с золотом и серебром) или из IX века, изображенных эмалью .

Романский

Весь гобелен Байе
Весь гобелен Байе. Индивидуальные изображения каждой сцены находятся в Bayeux Tapestry tituli . (Проведите пальцем влево или вправо.)

Романской был первый общеевропейский стиль появляться после Римской империи , охватывающий середины десятого века до тринадцатого. В этот период возродились монументальные каменные сооружения со сложными структурными программами.

Романские церкви отличаются жесткой артикуляцией и геометрической четкостью, объединенными в единое объемное целое. Архитектура строгая, но оживленная декоративной скульптурой капителей и порталов, а также интерьерами, расписанными фресками. Геометрические и лиственные узоры уступают место все более и более трехмерной фигуративной скульптуре.

С середины одиннадцатого до начала тринадцатого веков романская живопись была двумерной, определяемой смелыми, линейными очертаниями и геометрией, особенно в обращении с драпировкой; подчеркнута симметрия и фронтальность. Практически все западные церкви были расписаны, но, вероятно, только несколько мастеров стен были монахами; вместо этого большую часть этой работы выполняли странствующие художники. Основное перекрытие выполнено на влажной штукатурке земляных тонов. Ограниченная палитра, в которой преобладают белые, красные, желтые охры и лазурь, была использована для максимального визуального эффекта с плотной окраской, образующей фон из полос, практика, которая возникла в позднем классическом искусстве как попытка различить землю и небо.

В конце одиннадцатого и двенадцатого веков, в эпоху великого западного монашества, Европа пережила беспрецедентные экономические, социальные и политические изменения, приведшие к растущему богатству землевладельцев, включая монастыри. Спрос на книги рос, а экономическое богатство позволило богато иллюстрировать многие рукописи .

Одним из выдающихся артефактов того времени является гобелен из Байе длиной 70 метров . На нем изображены события, приведшие к нормандскому завоеванию Англии с главными героями Уильямом, герцогом Нормандским , и Гарольдом, графом Уэссексом, впоследствии королем Англии , и завершившиеся битвой при Гастингсе . Считается, что он датируется 11 веком. Он рассказывает историю с точки зрения норманнов-завоевателей, но теперь считается, что он был сделан в Англии, скорее всего, женщинами, хотя дизайнер неизвестен. Он находится во Франции .

Готика

Уилтон Диптих ; 1395–1459; темпера, золото на панели; 53 × 37 см; Национальная галерея (Лондон)

Готическое искусство развилось в Северной Франции из романского в 12 веке нашей эры и во главе с одновременным развитием готической архитектуры . Он распространился по всей Западной Европе и большей части Южной и Центральной Европы , никогда не стирая более классических стилей в Италии. В конце 14 века развился утонченный придворный стиль международной готики , который продолжал развиваться до конца 15 века.

Впечатляющие готические соборы с их скульптурными программами и витражами олицетворяют готический стиль. Он отличается от романского своими ребристыми сводами и использованием огивов . Вместо толстых романских стен готические здания тонкие и высокие. Винтовые лестницы в башнях характерны для готической архитектуры.

Готическая живопись, большая часть которой выполнена темперой, а затем маслом на панелях, а также фреска и со все более широкой палитрой вторичных цветов, обычно рассматривается как более «натуралистическая», чем романская. Подчеркнута человечность религиозного повествования и индивидуализировано эмоциональное состояние персонажей. Возросшая урбанистика средневековой экономики и рост клерикалов и мирян привели к изменению характера рынка произведений искусства, что можно увидеть в разработках в области освещения готических рукописей . В мастерских работали специалисты по разным элементам страницы, например, по фигурам или краям виноградных лоз.

Ренессанс

Рождение Венеры ; от Сандро Боттичелли ; 1484–1485; темпера на панно; высота: 172,5 см, длина: 278,5 см; Галерея Уффици ( Флоренция , Италия)

Начиная с 13 века, Италия переживает период великого художественного расцвета. Трудно, если не бесполезно, определить единственный стимул для произошедших изменений, но этому способствовал ряд факторов: новое осознание древности и ее самобытности, экономическое процветание и совпадающее чувство конкуренции между меценатами и художниками, а также новое осознание естественного и светского мира.

Средневековые европейцы не заметили принципиальной разницы между своим временем и древностью. Люди были в основном безразличны к разбросанным остаткам прошлого вокруг них, поскольку древние памятники были знакомы до такой степени, что их невозможно было увидеть. Некоторые из них считались «чудесами» из-за их размера или прекрасной резьбы, но это только заставляло их подозревать. Пантеон в Риме, например, было сказано, были построены демонами, и она выжила только потому , что он был превращен в церковь.

Возобновившееся внимание к прошлому в отличие от настоящего и, что более важно, желание возродить его, происходило серией волн. В 13 веке император Священной Римской империи Фридрих II (годы правления 1220–1250), правивший южной Италией, стремился возродить славу имперского Рима, в том числе его искусства. Скульптор Никола Пизано изучил свое ремесло в этой среде, прежде чем переехать на север в Тоскану и вдохновить местных скульпторов. В XIV веке итальянский поэт Петрарка (1304–1374) постулировал окончательный разрыв между золотым веком античности и временем его культурного упадка. В 15 веке Леон Баттиста Альберти (1404–1472) в своем трактате « О живописи» писал о талантливых художниках античности, по сравнению с которыми живые художники и скульпторы «ничем не уступали». Это чувство дистанции вдохновило итальянцев взглянуть на римское прошлое свежим взглядом и поучиться на достижениях древних. Конкуренция также была решающим фактором мотивации, поскольку города, правители и частные лица стремились превзойти друг друга в покровительстве государственным и частным произведениям искусства.

Барокко

"Изнасилование сабинянок" ; от Пуссена ; 1634–1635; масло на холсте; 154,6 × 209,9 см; Метрополитен-музей (Нью-Йорк)

Барокко возникло в конце Возрождения (XVI век) как реакция на классические каноны следующих двух веков - XVII и XVIII. XVII век был периодом нестабильных перемен. Астрономические открытия и научные изобретения, такие как телескоп и микроскоп, сопровождались развитием географии, исследований, естествознания и философии. Религиозные потрясения добавили к смеси, поскольку католическая контрреформация оспорила растущую популярность протестантской веры. В эпоху Возрождения и барокко высшая цель живописи заключалась в том, чтобы служить образцом морали, изображая поучительные события из литературы, истории и мифологии. Эти работы известны как исторические картины. Художники-историки 17-го века были озабочены передачей эмоций в самый важный момент истории. В этом процессе использовались жесты и мимика, чтобы передать «страсть души». Это часто сочеталось с заботой о ясности повествования и драматической концентрации, особенно в случае с Николя Пуссеном . Таким образом художники усилили драматическое воздействие повествовательных сцен, как в « Похищении сабинянок» Пуссена , в котором ужас и страх, показанные женщинами, контрастируют с агрессией и решимостью мужчин, в результате чего возникают образы силы и ужасной красоты. .

В декоративно- прикладном искусстве барокко впервые появилось на территории современной Италии и распространилось по всей Европе. Это был очень богато украшенный и часто экстравагантный стиль архитектуры, музыки, танца, живописи, скульптуры и других искусств. Основные декоративные мотивы включают в себя: рога изобилия , фестоны , маленьких ангелов , львиные головы с металлическим кольцом во рту, женские лица, окруженные гирляндами, картуши , листья аканта , классические колонны, фронтоны и другие элементы классической архитектуры, скульптурные на некоторых частях здания. элементы мебели.

Рококо

Брак А-ля-Режим ; от Уильяма Хогарта ; c. 1743; масло на холсте; Национальная галерея (Лондон)
Le Salon Oval de la Princesse; Габриэль-Жермен Боффран, Шарль-Жозеф Натори и Жан-Батист Лемуан; 1737-1729; c. 9,4 × 7 м; Hôtel de Soubise (Париж)

Утонченность, веселье, молодость и чувственность - идеалы французской живописи рококо . Легкомыслие было добродетелью, и портретная живопись становилась все более востребованной в обществе, в котором очаровательное сходство было неотъемлемой частью соблазнения. Рококо, прежде всего стиль поверхностного орнамента, отводил скульптуру и живопись второстепенным ролям и использовал позолоту для разделения стен, зеркал и декоративных панелей. Этот стиль быстро распространился по Европе и до Османской Турции и Китая, благодаря книгам с орнаментом с картушами (криволинейными, часто асимметричными, панелями), арабесками (извилистые, переплетающиеся формы растений) и ракушками, а также рисунками для стен. панно и камины. Французское рококо развивалось в период Реганса (1715-1723), когда Людовик XV (правил с 1715 по 1774 год) был ребенком, а страной правил Филипп Орлеанский . Он вырос из более тяжелого барочного стиля двора Людовика XIV , включающего более легкие элементы, более изящные формы, асимметрию и игривость. В декоративно-прикладном искусстве и архитектуре его можно узнать по огромному количеству изгибов и С- образных волют , легкости цвета и веса или по низкому рельефу из лент, завитков, ракушек, цветочных венков, птиц и животных. Во Франции он проникает через стиль, известный как Луи Квинз , здесь также известный как Помпадур. В отличие от барокко, рококо отказалось от симметрии. Этот стиль сначала замечен в декоративном искусстве и дизайне, но его высотой около 1730 года он распространился на живопись и скульптуру. Пан и Венера заменили Аполлона и Геракла в возрождении богов, богинь и героев, и в отличие от порой задумчивой тьмы, связанной со стилем барокко, использовалась светлая палитра. Три французских художника, с которыми чаще всего ассоциируется термин рококо, - это Франсуа Буше , Жан-Антуан Ватто и Жан-Оноре Фрагонар .

Термин «рококо» происходит от французского rocaille , что означает «галька», имея в виду органические изображения, украшающие стены и панели, некоторые интерьеры имеют вид пещеры, например, овальный салон в Hôtel de Soubise из Парижа.

Интерьер Hôtel de Soubise в Париже является одним из наиболее характерных элегантных и изысканных образцов декоративного стиля рококо. Это один из самых красивых городских особняков 18 века в Париже. Он был построен для принца и принцессы Субиза в 1375 году и реконструирован в 1704 году по указанию Франсуа де Рохана , принца де Субиза. В здании, которое разделено на две квартиры - принца на первом этаже и принцессы на верхнем этаже, или фортепиано nobile - на обоих этажах есть овальные салоны с видом на сад. салоны были созданы между 1735 и 1739 годами Жерменом Боффраном , учеником французского архитектора Франсуа Мансара . Боффран смягчил линии Salon Oval de la Princesse извилистыми изгибами, умножив зеркальное отражение. Стены плавно переходят в своды, а скульптурные ниши неправильной формы разделяются раковинами рокайли . Архитектура, скульптура и живопись объединяются, чтобы создать богатую и гармоничную атмосферу. Восемь потолочных полотен, написанных Шарлем-Жозефом Натуаром между 1737 и 1739 годами, иллюстрируют историю Амура и Психеи . До своего возвращения из Италии в 1730 году Натуар провел несколько лет в Риме в Академии Франции, где изучал работы Паоло Веронезе , Антонио да Корреджо и, особенно, Пьетро да Кортона , живописца декоративных фресок 17 века. . Их влияние проявляется в гибких и элегантных композициях, световых эффектах и ​​способах адаптации фигур к ограничениям декора. Палитра розового, синего и зеленого цветов создает очаровательный аркадный эффект, воплощая в себе зрелый рококо.

Португальцы были первыми европейцами, которые торговали напрямую со странами Восточной Азии , вскоре после того, как в 1498 году нашли прямой маршрут вокруг Африки. Великобритания и Голландия последовали их примеру чуть более века спустя, основав свои Ост-Индские компании. Протестантские вызовы Португалии. Электроэнергетика и китайский фарфор, индийский текстиль и японские лаки наводнили рынки Амстердама и Лондона. Эти предметы были популярны как предметы престижа, символизирующие не только личное богатство, но и влияние стран, способных их импортировать. Европейское воображение подпитывалось восприятием Азии как места богатства и роскоши, и, следовательно, покровители от императоров до купцов соперничали друг с другом в украшении своих жилых помещений азиатскими товарами и украшении их в азиатских стилях. Там, где азиатские предметы было трудно достать, европейские мастера и художники вмешались, чтобы заполнить брешь, создав смесь форм рококо и аутентичных азиатских фигур, мотивов и техник. Мода на шинуазри была повсеместной: интерьеры в азиатском стиле охватили Европу от Швеции до Сицилии и процветали в Северной и Южной Америке от Новой Англии до Новой Испании ( Мексика ), от Бразилии до Аргентины .

Неоклассицизм

Отель де Coislin из Парижа, построенный в 1770 году

Возрождение классических стилей во второй половине 18 века было в некотором смысле реакцией на кажущееся легкомыслие и упадок рококо. Это было стимулировано повторным открытием древних мест Помпеи и Геркуланума , которые вдохновили увлечение греческой и римской древностью и повлияли на все виды искусства, от живописи и скульптуры до архитектуры, моды, литературы и музыки.

Самая оригинальная фаза неоклассицизма может быть связана с Французской революцией 1789–1799 годов, когда художники и архитекторы проводили открытые сравнения между своим стремлением к свободе, Egalité и Fratenité и тем, что они считали политическими принципами классического Рима и Греции. Стиль ампир является представителем нового французского общества, возникшего в результате революции, задавшей тон во всех сферах жизни, включая искусство. Этот стиль ввел понятие промышленного производства в декоративном искусстве. К другим неоклассическим стилям относятся: Адам (английский) и федеральный (американский). Мотивы, широко используемые в неоклассическом прикладном искусстве : фронтоны , листья аканта , пальметты , фестоны , картуши , старинные трофеи и музыкальные инструменты, грифоны , химеры , сфинксы , рога изобилия, головы львов с металлическим кольцом во рту, а иногда и крылатые женщины. Большинство из них заимствованы из греческих , этрусских или римских предметов, интерьеров и архитектуры; но некоторые из них, например картуш, относятся к эпохе Возрождения .

Западное искусство после 1770 года

Призрак блохи ; от Уильяма Блейка ; 1819; темпера, золото на панели (21,4 × 16,2 см); Галерея Тейт Британия, Лондон

Многие искусствоведы относят истоки современного искусства к концу 18 века, другие - к середине 19 века. Историк искусства Х. Гарвард Арнасон заявил, что «в течение ста лет произошла постепенная метаморфоза». Такие события, как эпоха просвещения , революций и демократий в Америке и Франции , а также промышленная революция оказали далеко идущее влияние на западную культуру. Люди, товары, идеи и информация могли путешествовать между странами и континентами с беспрецедентной скоростью, и эти изменения нашли отражение в искусстве. Изобретение фотографии в 1830-х годах еще больше изменило некоторые аспекты искусства, особенно живопись. К началу XIX века был завершен долгий и постепенный сдвиг парадигмы: от готики, когда художники рассматривались как мастера, служащие церкви и монархиям, к идее искусства ради искусства, где идеи и видения отдельные художники пользовались большим уважением и покровительством все более грамотного, богатого и городского населения среднего и высшего класса, которое появлялось в течение 200 лет (особенно в Париже и Лондоне). В конце 18 века начинается дихотомия между неоклассицизмом и романтизмом, которая подразделяет и продолжает проникать практически в каждое новое движение в современном искусстве: «Распространяясь, как волны, эти« измы »бросают вызов национальным, этническим и хронологическим границам; никогда нигде не доминируют надолго. , они конкурируют или сливаются друг с другом в бесконечно изменяющихся моделях ".

Современное искусство постоянно движется в сторону международных влияний и обменов, от экзотического любопытства ориентализма , более глубокого влияния японизма до искусства Океании, Африки и Америки. И наоборот, современное искусство все больше распространяется за пределы Западной Европы. В России и США к концу XIX века искусство развивалось настолько, что соперничало с ведущими европейскими странами. Многие из основных движений появились в Латинской Америке, Австралии и Азии, а география и национальность с каждым десятилетием становились все менее значимыми. К 20 веку важные и влиятельные художники появлялись во всем мире: например, Фуджита (Япония), Аршил Горки (Армения), Диего Ривера и Фрида Кало (Мексика), Вифредо Лам (Куба), Эдвард Мунк (норвежский язык), Роберто Матта ( Чилиец), Марк Ротко (американец литовского происхождения), Фернандо Ботеро Ангуло (Колумбия), Константин Бранкузи и Виктор Браунер (Румыния).

19 век

Романтизм (ок. 1770–1860)

Английский ландшафтный сад в Стоурхеде, Англия (спроектирован ок. 1744-1765 гг. / Сфотографирован в 1993 г.) Генри Флиткрофт (дизайнер), Генри Хоар (владелец, проектировщик)

Романтизм возник в конце 18 века и процветал в первой половине 19 века со значительными международными проявлениями в музыке, литературе, поэзии и архитектуре, а также в изобразительном искусстве. Одним из первых проявлений романтизма был английский ландшафтный сад , тщательно спроектированный, чтобы казаться естественным и резко контрастирующий с формальными садами того времени. В последующие десятилетия концепция «естественного» английского сада была принята во всей Европе и Америке. В архитектуре романтики часто обращались к альтернативным источникам, отличным от греческих и римских примеров, которыми восхищались неоклассицисты. Романтическая архитектура часто возрождает готические формы и другие стили, такие как экзотические восточные модели. Вестминстерский дворец (здание парламента), Лондон является примером романтической архитектуры , которая также упоминается как неоготики . Примером романтизма в живописи являются картины Франсиско Гойи в Испании, Эжена Делакруа и Теодора Жерико во Франции, Уильяма Блейка , Генри Фюзели , Сэмюэля Палмера и Уильяма Тернера в Англии, Каспара Давида Фридриха и Филиппа Отто Рунге в Германии, Франческо Хайеса в Германии. Италия, Йохан Кристиан Клауссен Даль в Норвегии и Томас Коул в Америке. Примеры скульпторов романтического периода: Антуан-Луи Бари , Жан-Батист Карпо , Огюст Прео и Франсуа Руд . По мере того, как романтизм развивался, некоторые аспекты движения превратились в символизм.

«Неоклассицизм - это новое возрождение классической античности ... в то время как романтизм относится не к определенному стилю, а к мировоззрению, которое может проявляться любым количеством способов». Романтизм часто пытается обратиться к зрителю через сердце и душу, пробуждая страсти и эмоции, часто размышляя об отношениях и месте человечества в природе в промышленной революции; в отличие от симметрии, рациональности, «культа разума» неоклассицизма.

Реализм (ок. 1840–1880)

Bonjour Monsieur Courbet (1854), холст, масло, 132 x 150,5 см., Musée Fabre

Реализм возник в середине девятнадцатого века, c. 1840 г. и имел аналоги в скульптуре, литературе и драматургии, часто называемой натурализмом в литературе. В живописи девятнадцатого века термин реализм больше относится к изображаемому предмету, чем к стилю или технике. Реалистические картины обычно представляют собой обычные места и людей, занятых повседневной деятельностью, в отличие от великих идеализированных пейзажей, мифологических богов, библейских сюжетов, а также исторических персонажей и событий, которые часто доминировали в живописи в западной культуре. Курбе сказал: «Я не могу нарисовать ангела, потому что никогда его не видел».

Реализм также был отчасти реакцией на часто драматические, экзотические и эмоционально заряженные произведения романтизма. Термин «реализм» применяется по отношению к идеализированным образам неоклассицизма и романтизированным образам романтизма. Такие художники, как Жан-Батист-Камиль Коро и Оноре Домье, имели слабые ассоциации с реализмом, как и члены барбизонской школы , особенно Жан-Франсуа Милле , но, возможно, именно Гюстав Курбе был центральной фигурой в движении, идентифицируя себя как реалист, пропагандирующий реализм и оказавший влияние на молодых художников, таких как Эдуард Мане . Одним из важных аспектов реализма была практика рисования пейзажей на пленэре и ее последующее влияние на импрессионизм .

За пределами Франции примером реализма являются такие художники, как Вильгельм Лейбл в Германии, Форд Мэдокс Браун в Англии и Уинслоу Гомер в США. Историк искусства Х. Х. Арнасон писал: «Хронологическая последовательность неоклассицизма, романтизма и реализма - это, конечно, всего лишь удобное расслоение движений или тенденций, так неразрывно связанных друг с другом и с предшествующими движениями, что невозможно сказать. где одно заканчивалось, а другое начиналось ", и это становится еще более актуальным и сложным, если проследить за всеми движениями и" измами "конца 19-го и начала 20-го веков.

Импрессионизм (ок. 1860–1890)

Импрессионизм возник во Франции под влиянием реализма , барбизонской школы и художников- пленэров, таких как Эжен Буден , Камиль Коро , Шарль-Франсуа Добиньи и Йохан Бартольд Йонгкинд . Начиная с конца 1850-х годов, несколько импрессионистов завели знакомства и подружились, будучи студентами в Париже, особенно в бесплатной студии Académie Suisse и Charles Gleyre . Их прогрессивные работы часто отвергались консервативным жюри престижных салонов Académie des Beaux Arts , форума, куда многие художники обращались, чтобы установить свою репутацию, и многие из молодых художников были включены в широко разрекламированный, но очень высмеиваемый Salon des Refusés in 1863. В 1874 году они сформировали Общество анонимных кооперативов художников, скульпторов, граверов, независимое от академии, и организовали первую из нескольких выставок импрессионистов в Париже, вплоть до 1886 года, когда состоялась их восьмая и последняя выставка. Важными фигурами в движении были Фредерик Базиль , Гюстав Кайботт , Мэри Кассат , Поль Сезанн , Эдгар Дега , Арман Гиллоймин , Эдуард Мане , Клод Моне , Берта Моризо , Камиль Писсарро , Пьер-Огюст Ренуар и Альфред Сислей . Хотя импрессионизм был прежде всего движением художников, Дега и Ренуар также создавали скульптуры, а другие, такие как Огюст Роден и Медардо Россо , иногда связаны с импрессионизмом. К 1885 году импрессионизм приобрел известность, но молодое поколение уже выходило за рамки импрессионизма. Художники из России , Австралии , Америки и Латинской Америки вскоре переняли стиль импрессионизма. Некоторые из первых импрессионистов продолжали создавать значительные работы в 1910-х и 1920-х годах.

Хотя это и не было беспрецедентным, многие из используемых методов отличались от традиционных. Картины часто завершались за часы или дни, когда влажная краска наносилась на влажную краску (в отличие от мокрой краски на сухой, которая завершалась за недели и месяцы). Вместо того , чтобы применять глазури и смешанные цвета, чистые цвета, часто применяется бок о бок, в толстых, непрозрачных, импасто штрихов; смешивание в глазах зрителя при наблюдении на расстоянии. Черный использовался очень экономно или совсем не использовался, а определяющие линии заменялись тонкими штрихами цвета, формирующими предметы, контуры и формы. Историк искусства HW Janson сказал, что «вместо того, чтобы добавлять иллюзию реального пространства, он усиливает единство фактической окрашенной поверхности». Картины импрессионистов обычно изображают пейзажи, портреты, натюрморты, домашние сцены, повседневный досуг и ночную жизнь, все обработанные в реалистической манере. Композиции часто основывались на необычных перспективах, казались спонтанными и откровенными. Картины обычно лишены дидактического, символического или метафорического смысла и редко затрагивают библейские, мифологические и исторические темы, которые так высоко ценились академиями, или более темные и психологические интересы, исследуемые символистами. Были исследованы нюансы света, тени, атмосферы и отражения цветов от поверхностей, иногда подчеркивая изменения этих элементов во времени. Сама картина была предметом картины. Это было искусство ради искусства, идея, которая витала в воздухе несколько десятилетий, но, возможно, достигла нового пика и последовательности в импрессионизме.

Символизм (ок. 1860–1915)

Фракийская девушка с головой Орфея на лире ; от Гюстава Моро ; 1865; масло; 154 × 99,5 см; Музей Орсе (Париж)

Символизм возник во Франции и Бельгии в третьей четверти девятнадцатого века и распространился по Европе в 1870-х годах, а затем в меньшей степени в Америке. Он развился из романтизма без четкой или определяющей точки разграничения, хотя поэзия, литература и, в частности, публикация « Les Fleurs du mal» ( «Цветы зла» ) Шарля Бодлера в 1857 году сыграли важную роль в развитии символизма. Он получил международное выражение в поэзии, литературе, драме и музыке. В архитектуре, прикладном искусстве и символике декоративного искусства произошли параллели и пересеклись с модерном . Символизм часто неразрывно связан с другими движениями современного искусства, проявляясь и находя выражение в других стилях, таких как постимпрессионизм , Les Nabis , декадентское движение , Fin-de Siecle , модерн , Мюнхенский сецессион , Венский сецессион , экспрессионизм и даже прерафаэлиты , которые сформировались раньше и также повлияли на символизм. Такие разные художники, как Джеймс Макнил Уистлер , Эжен Каррьер , Фердинанд Ходлер , Фернан Кнопфф , Джованни Сегантини , Люсьен Леви-Дурмер , Жан Делвиль и Джеймс Энсор, в разной степени ассоциировались с символизмом. Историк искусства Роберт Л. Делевой писал: «Символизм был не столько школой, сколько атмосферой того времени». Он быстро начал исчезать с появлением фовизма , кубизма , футуризма и в значительной степени рассеялся с началом Первой мировой войны, однако он нашел некоторое устойчивое развитие и актуальность в метафизической школе , которая, в свою очередь, оказала глубокое влияние на сюрреализм. .

Сюжеты, темы и значения символического искусства часто завуалированы и неясны, но в лучшем случае им все же удается глубоко резонировать на психологическом или эмоциональном уровне. Сюжеты часто представлены в виде метафор или аллегорий с целью вызвать у зрителя очень субъективные, личные, интроспективные эмоции и идеи без четкого определения или прямого обращения к предмету. Поэт Стефан Малларме писал: «Изобразите не вещь, а эффект, который она производит» и «Назвать объект - значит подавить три четверти удовольствия от стихотворения, которое нужно понимать понемногу». Английский художник Джордж Фредерик Уоттс заявил: «Я рисую идеи, а не вещи».

Движение искусств и ремесел (ок. 1860–1915)

Образец обоев; от William Morris ; 1915–1917; печатная бумага; 54,6 × 36,8 см; Бруклинский музей (Нью-Йорк)

Движение искусств и ремесел в основном работало в архитектуре и декоративном искусстве, где способствовало традиционному мастерству, использованию местных материалов и целостности в способах изготовления вещей. Это началось в Британии конца XIX века , когда такие писатели, как Джон Раскин и Уильям Моррис, отвергли массовое производство и зачастую низкокачественные изделия машинного производства, которые можно было найти во многих домах и магазинах. Моррис , в частности, верил в важность отдельного мастера и выступал за возвращение к ручным мастерам, которые, как он утверждал, не только будут производить лучшую мебель, керамику, текстиль и другие предметы, но также помогут людям лучше руководить собой. , более полноценная жизнь. Он утверждал, что массовое производство несет ответственность за снижение стоимости. Многие дизайнеры декоративно-прикладного искусства опирались на влияние средневекового мастерства, а их предметы и интерьеры использовали отличительные качества природных материалов, от красиво обработанного дуба до гобеленов ручной работы. Другие, однако, искали вдохновения дальше, используя в своих работах яркие цвета, вдохновленные исламским искусством или древнеегипетскими мотивами. Узлы, завитки, кельтские кресты и антрелаки ( пересекающиеся узоры), вдохновленные древним кельтским искусством, использовались в работах многих дизайнеров искусств и ремесел, особенно Арчибальда Нокса , особенно в изделиях из металла.

Широко экспонируемый в Европе, простота стиля Arts and Crafts вдохновляла таких художников, как Карл Ларссон и его жена Карин Бергё Ларссон , дизайнеров, таких как Генри ван де Вельде, и таких стилей, как модерн , голландская группа De Stijl , Венский сецессион и, наконец, Баухаус. стиль. Николаус Певзнер рассматривал стиль как прелюдию к модерну , в котором использовались простые формы без орнамента. Венский Сецессион отчасти поощрял художников и писателей Центральной Европы под властью Габсбургов вернуться к своим национальным и народным корням. В Польше это привело к расцвету «Młoda Polska» ( Young Польша ), которого отметил показатели включен Яцек Мальчевский , Ян Станиславский , Мехоффер , Юзеф Панкевич , Леон Ян Вычулковский , Бознанский , Выспяньский , Войцех Герсон и Войцех Kossak .

Постимпрессионизм (ок. 1885–1905)

В Мулен Руж ; по Анри де Тулуз-Лотрека ; 1892; холст, масло, 123 × 140,5 см .; Институт искусств Чикаго (США)

Постимпрессионизм - довольно неточный термин, применяемый к разным поколениям художников. В самом строгом смысле он принадлежит четырем очень влиятельным художникам: Полю Сезанну , Полю Гогену , Жоржу Сёра и Винсенту Ван Гогу . Каждый из них прошел через фазу импрессионизма, но в конечном итоге появился в четырех очень оригинальных, но разных стилях. В совокупности их работы предвосхитили и часто напрямую повлияли на большую часть авангардного искусства, появившегося до Первой мировой войны, включая фовизм, кубизм, экспрессионизм и раннюю абстракцию. Сезанн (особенно повлиявший на кубизм) и Ван Гог работали в относительной изоляции, вдали от Парижа, в критические моменты своей карьеры, в то время как Сёра и Гоген работали в группах, более сообща, в ключевых точках своего развития. Другой важный художник того времени - Тулуз-Лотрек , влиятельный живописец, а также график. В более широком смысле постимпрессионизм включает в себя поколение преимущественно французских и бельгийских художников, которые работали в различных стилях и группах. Большинство из них в какой-то момент попали под влияние импрессионизма, но уже в середине 1880-х годов продвинули свои работы по ряду фракций, иногда как логическое развитие импрессионизма, иногда как реакцию против него. Постимпрессионисты обычно изображали импрессионистов, но работа, особенно синтетизм, часто содержала символизм, спиритизм и угрюмую атмосферу, которая редко появлялась в импрессионизме. Неестественные цвета, узоры, плоские равнины, странные перспективы и доведенные до крайности точки обзора - все это продвинуло центр модернизма на шаг ближе к абстракции со стандартом для экспериментов.

Неоимпрессионизм ( дивизионизм или пуантилизм , c. 1884–1894) исследовал свет и цвет на основе научных теорий цвета, создавая мозаику мазков кисти в чистых цветах, иногда размещенных в ритмических узорах с линиями под влиянием модерна . Ведущими художниками были Жорж Сёра и Поль Синьяк , другие - Анри-Эдмон Кросс , Максимилиан Люс , Альбер Дюбуа-Пилле , а также некоторое время Писсарро и Ван Гог . Он оказал влияние на фовизм, и элементы стиля проявились в экспрессионизме, кубизме и ранней абстракции. Синтетизм ( Cloisonnism c. 1888–1903) Cloisonnism был задуман Эмилем Бернаром и сразу же подхвачен и развит Полем Гогеном и другими в колонии художников в Пон-Авен (Бретань, Франция). Стиль напоминал перегородчатую эмаль или витражи с плоскими смелыми цветами, выделенными черным или темным цветом. Синтетизм, проиллюстрированный работами Гогена и Поля Серюзье , - это немного более широкий термин с меньшим акцентом на темные очертания и качества перегородки. Среди других художников - Куно Амье , Луи Анкетен , Шарль Филигер , Якоб Мейер де Хаан , Шарль Лаваль и Арман Сегин . Их работы сильно повлияли на фовизм и экспрессионизм. Les Nabis (ок. 1890–1905: иврит для пророков или иллюминатов) было более крупным движением во Франции и Бельгии, которое эклектично опиралось на прогрессивные элементы синтетизма, неоимпрессионизма, символизма и ар-нуво. Возможно, большее влияние, чем искусство, имели многочисленные теории, манифесты и заразительный энтузиазм по поводу авангарда, задавшего тон для распространения движений и «измов» в первой четверти 20 века. La Revue Blanche часто публиковала Les Nabis и символический контент. Работы Эдуара Вюйара и Пьера Боннара , ок. 1890–1910 является образцом для Les Nabis, хотя оба стиля изменились в своем стиле и в 1940-х годах создали значительные произведения. Среди других художников - Морис Дени , Максим Детомас , Мейер де Хаан , Анри-Габриэль Ибельс , Жорж Лакомб , Аристид Майоль , Поль Рансон , Кер-Ксавье Руссель , Арман Сеген , Поль Серюзье , Феликс Валлотон , Ян Веркад и другие.

Начало 20 века

История искусства 20-го века - это повествование о безграничных возможностях и поиске новых стандартов, каждый из которых один за другим разрушает. Художественные движения фовизма , экспрессионизма , кубизма , абстрактного искусства , дадаизма и сюрреализма привели к дальнейшим исследованиям новых творческих стилей и способов выражения. Увеличение глобального взаимодействия в это время привело к эквивалентному влиянию других культур на западное искусство, например, на Пабло Пикассо, на который оказали влияние иберийская скульптура , африканская скульптура и примитивизм . Японизм и японские гравюры на дереве (которые сами находились под влиянием рисования западного Возрождения) оказали огромное влияние на импрессионизм и последующее художественное развитие. Влиятельный пример, поданный интересом Поля Гогена к океанскому искусству и внезапной популярностью среди знатоков в Париже начала 20-го века недавно обнаруженных африканских фетиш-скульптур и других произведений из неевропейских культур, был подхвачен Пикассо, Анри Матиссом и многими другими. своих коллег. Позже, в 20-м веке, популярность приобрели поп-арт и абстрактный экспрессионизм .

Модерн (ок. 1890–1915)

Сравнение японской вазы середины XIX века из Музея искусств округа Лос-Анджелес (США) и французской вазы в стиле модерн из ок. 1885 г., в Метрополитен-музее (Нью-Йорк).
Сравнение цветочных кластеров Wisteria frutescens и настольной лампы Tiffany в стиле модерн из стекла ок. 1902 г., в Музее изящных искусств Вирджинии ( Ричмонд , США).

Ар-нуво - это международный стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства , особенно декоративного искусства , для которого характерны два основных источника вдохновения: использование орнаментов в виде растений (извилистые кривые); и исторические стили искусства (такие как готика , кельтский , византийский , рококо и барокко ), особенно японское искусство .

Культ природы с ее извилистыми изгибами и завитками плюща, которые, кажется, укореняются в предметах мебели или декоративных искусствах, был популярной темой для стиля модерн. Именно через эту среду женщины чаще всего изображались как стилизованные объекты, а не как люди. Используя природу как идиому, дизайнеры надеялись объединить все аспекты жизни в одном объекте или интерьере: внешнее было перенесено внутрь и исследованы отношения человека с окружающей средой.

В Испании, Италии, России и США художники и дизайнеры добавили к роману и увлекательной интерпретации стиля модерн. Каждая культура черпала вдохновение из разных источников, включая готику , кельтское , византийское , рококо и барокко . Хотя исторические влияния присутствовали, их нельзя было оправдать, если к ним не подходили новаторски, а не традиции. Изображение женщин в искусстве на рубеже веков подчеркивает еще одну важную проблему для современного общества. Во многих случаях женщины изображались фантастическими фигурами, играющими с природой, соединенными с ней. Напротив, суровый реализм картин Анри де Тулуз-Лотрека продемонстрировал, что женщин можно изображать как настоящих людей, вовлеченных в мирские аспекты своей повседневной жизни.

Самые ранние влияния модерна начали проявляться в Англии среди таких деятелей, как Джон Раскин , Братство прерафаэлитов , Эдвард Бёрн-Джонс , Уильям Моррис и Движение искусств и ремесел , которое соответствовало некоторым аспектам символизма во Франции и Бельгии. то время. Модерн тесно связан с символизмом и переплетается с ним. Термин модерн чаще всего применяется к архитектуре, ремеслам и декоративному искусству, тогда как символизм чаще используется для изобразительного искусства, такого как живопись и скульптура, а также поэзии и литературы, однако между ними нет четких определяющих границ. Ар-нуво было международным движением, которое распространилось по Европе и Северной Америке, достигнув своего пика примерно в 1890–1905 годах. Возможно, это нашло свое величайшее выражение в архитектуре под влиянием теоретика и историка Эжена Виолле-ле-Дюк и замечено в работах Виктора Орты , Гектора Гимара , Луи Салливана и Антони Гауди . Однако необычные образцы этого стиля появились в дизайне интерьера, мебели, обоях, текстиле, мозаике, керамике, металлообработке, ювелирных изделиях, художественном стекле, витражах и других декоративно-прикладных искусствах Чарльза Ренни Макинтоша , Питера Карла Фаберже , Эмиля Галле. , Рене Лалик , Луи Комфорт Тиффани и многие другие. Японское искусство, особенно гравюры на дереве , с концепциями дизайна, которые были новы для европейцев, начали появляться и находить там восприимчивую аудиторию, где такие художники-графики, как Обри Бердсли , Жюль Шере , Уолтер Крейн , Эжен Грассе , Альфонс Муха и Анри де Тулуза- Лотрек разработал новаторские плакаты, рекламу, одежду, переплет, фронтисписы и иллюстрации.

В стиле модерн часто отказывались от геометрических форм и углов в пользу причудливых линий, напоминающих о растительности, вьющихся виноградных лозах и других элементах природы. Многие ремесленники стремились разрушить разрыв между изобразительным искусством, прикладным искусством и декоративным искусством и объединить их все во всех аспектах повседневной жизни. Отдельный художник часто переходил от одного направления к другому и работал в нескольких медиа. Для архитекторов было обычным делом производить мебель и другие предметы интерьера для домов и зданий, которые они спроектировали, для художников - для разработки рекламных плакатов и книжных иллюстраций, для ювелиров - для производства художественного стекла и витражей.

Фовизм (ок. 1898–1908)

Life Class в Школе изящных искусств ; от Альберта Marquet ; 1898; холст, масло, 73 × 50 см; Музей изящных искусств Бордо, Франция

Фовизм возник из постимпрессионизма, постепенно превратившись в первое крупное движение 20-го века. Она зародилась в 1895 году, когда Анри Матисс , старейшая и центральная фигура, вошел в студию Гюстава Моро в Ecole des Beaux-Arts . Там он познакомился с Жоржем Руо , Шарлем Камуаном , Анри Мангеном и Альбертом Марке . Марке сказал: «Еще в 1898 году мы с Матиссом работали в манере, которая позже была названа фовской. Первые выставки в Indepéndants, на которых мы, как я полагаю, были единственными, кто рисовал чистыми тонами, относятся к 1901 году. . " К 1902–03 годам в круг художников-единомышленников вошли Жорж Брак , Андре Дерен , Рауль Дюфи , Отон Фриез , Жан Метцингер , Жан Пюи , Луи Валтат , Кес ван Донген и Морис де Вламинк . В этот период в Париже был проведен ряд влиятельных ретроспективных выставок: Сера (1900, 1905), Ван Гога (1901, 1905), Тулуз-Лотрека (1902), Гогена (1906), Сезанна (1907), которые были относительно неизвестны. публика в то время. Матисс и Дерен коллекционировали африканские резные фигурки, что было новым, но растущим интересом того времени. Матисс провел лето 1904 года в живописи Сен-Тропе с неоимпрессионистами Полем Синьяком и Анри-Эдмоном Кроссом , а в 1905 году - Камуаном, Мангеном и Марке. Художник регулярно выставлялся в Салоне независимых и Осеннем салоне 1903–1908, а в 1905 году его работы вызвали сенсацию и скандал. Матисс заявил: «Мы выставлялись в Осеннем салоне, Дерен, Манген, Марке, Пюи и некоторые другие были повешены вместе в одной из больших галерей. В центре этой комнаты скульптор Марк выставил бюст ребенка. очень в итальянском стиле. Воксель [искусствовед Жиля Бласа ] вошел в комнату и сказал: «Ну! Хорошо! Донателло в тумане диких зверей! [Donatello chez les fauves]». Общество не воспринимало движение как единое целое, но после того, как оно было опубликовано, название прижилось. В отличие от импрессионистов и их долгой борьбы за признание, к 1906–1907 у авангарда была жадная аудитория, и фовист привлекал коллекционеров из Америки в Россию. Однако фовизм в значительной степени растворился в 1908 году, когда появился кубизм, большая часть художника начала исследовать другие стили и двигаться в разных направлениях. Только Матисс и Дюфи продолжали исследовать фовизм до 1950-х годов.

Фовист писал пейзажи на пленэре , интерьеры, фигуры, натюрморты, следуя образцам реализма, импрессионизма и постимпрессионизма. Они наносили краску рыхлыми мазками густыми, неестественными, часто контрастными, яркими цветами, иногда прямо из тюбика. Влияние Гогена с его исследованием выразительных ценностей и пространственных аспектов узоров с плоскими чистыми цветами, а также его интерес к примитивизму были значительными, как и неоимпрессионизм. Матисс объяснил - в течение долгого времени цвет служил дополнением дизайна, художники эпохи Возрождения строили картину по линиям, добавляя впоследствии местный колорит - написав: «От Делакруа до Ван Гога и главным образом до Гогена через импрессионистов, который расчистил землю, и Сезанн, который дал последний импульс и представил цветные объемы, мы можем проследить эту реабилитацию функции цвета, это восстановление его эмоциональной силы »Фовизм стал кульминацией перехода от рисунка и линии как фундаментальных основ дизайна в живописи к цвету, и они изображали свои предметы на грани абстракции.

Экспрессионизм (ок. 1905–1933)

Девушка под японским зонтом ; от Ernst Ludwig Kirchner ; 1906; холст, масло 36,5 × 31,5; Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Дюссельдорф, Германия

Экспрессионизм был международным движением в живописи, скульптуре, графике, поэзии, литературе, театре, кино и архитектуре. Некоторые связывают с этим движением Вторую венскую школу и другую музыку того времени. Большинство историков относят начало экспрессионизма к 1905 году с основанием Die Brücke . Однако несколько художников создавали влиятельные работы в духе экспрессионизма c. 1885-1905 включая Коринт , Энсор , Кете Кольвиц , Модерзон-Беккер , Эдварда Мунка , Эмиль Нольде и Рольфс среди других. Многие из этих художников позже выставлялись и ассоциировались с различными группами экспрессионистов. Для экспрессионистской живописи характерна рыхлая, спонтанная, часто толстая, резкая манера письма. Он часто передавал, как художник относился к своему предмету, в отличие от того, как он выглядел, ставя интуицию и интуицию над реалистичными представлениями или теориями искусства. Экспрессионизм часто был наполнен тревогой или радостью и общим интересом к современной жизни и социальным вопросам, который часто отсутствовал в фокусе фовизма на дизайне и цвете, применяемом к нейтральным предметам. В экспрессионизме особенно примечательны гравюры на дереве . Экспрессионизм иногда может пересекаться и интегрироваться с другими стилями и движениями, такими как символизм , фовизм , кубизм , футуризм , абстракция и дадаизм . Несколько групп и фракций экспрессионистов появлялись в разное время и в разных местах.

Die Brücke («Мост: 1905-1913») стремился соединить «все революционные и стремительные элементы». Он был основан четырьмя студентами-архитекторами Эрнстом Людвигом Кирхнером , Эрихом Хекелем , Карлом Шмидт-Ротлуффом и Фрицем Блейлом . В одной студии в Дрездене они создавали картины, резьбу, гравюры и организовывали выставки, а летом отделялись друг от друга, чтобы работать самостоятельно. Их первая выставка была в 1905 году, позже к ним присоединились Эмиль Нольде и Макс Пехштейн в 1906 году, а также Отто Мюллер в 1910 году и другие. Влияния включали готическое искусство , примитивизм , модерн и события в Париже, особенно Ван Гога и фовизм . Группа переехала в Берлин в 1911 году, а затем распалась в 1913 году. Der Blaue Reiter (Синий всадник: 1911–1914) , основанная Василием Кандинским и Францем Марком , была относительно неформальной группой, которая организовывала выставки искусства из Парижа и Европы, а также ну свое собственное. Это была одна из ряда прогрессивных групп, отделяющихся от Академии художеств в Мюнхене, включая Мюнхенский сецессион в 1892 году (реалист и импрессионист), Phalanx в 1901 году (постимпрессионист), Neue Kunstler Vereiningung в 1909 году и The Blue Rider в 1911 году. с двумя последними группами были братья Бурлюк , Генрих Кампендонк , Алексей фон Явленский , Пауль Клее , Август Макке , Габриэле Мюнтер и Марианна фон Верефкин . Благозвучный альманах Der Blaue Reiter , собрание влиятельных эссе, и книга Кандинского « О духовном в искусстве» с его идеями о беспредметном искусстве были опубликованы в 1912 году. «Синий всадник» закончился началом Первой мировой войны, в которой Макке и Марк оба умерли.

Другие художники, такие как Оскар Кокошка , Эгон Шиле и Рихард Герстль, появились в Австрии. Французский художник Жорж Руо и Шаим Сутин были близки к этому движению. Скульпторы включают Эрнста Барлаха , Вильгельма Лембрука , Герхарда Маркса и Уильяма Вауэра . Среди архитекторов, связанных с экспрессионизмом, - Макс Берг , Герман Финстерлин , Иоганн Фридрих Хёгер , Мишель де Клерк , Эрих Мендельсон , Ганс Пельциг , Ганс Шарун , Рудольф Штайнер и Бруно Таут . Der Sturm («Буря 1910–1932») был журналом с большим количеством экспрессионистов, основанным Хервартом Вальденом , с ассоциированной галереей в Берлине, открытой в 1912 году, и театральной труппой и школой, открывшимися в 1918 году. Фильмы считались экспрессионистскими, некоторые - классическими, включают Кабинет доктора Калигари ( Роберт Виене , 1920), Носферату ( Ф. В. Мурнау , 1922) и Метрополис ( Фриц Ланг , 1927).

После Первой мировой войны у многих художников возникла тенденция уйти от авангарда, что проявляется в работах оригинальных фовистов в течение 1920-х годов, в неоклассические периоды Пикассо и Стравинского и в поздних работах Де Кирико . Эта тенденция получила название « Новая объективность» (ок. 1919–1933) в Германии и, в отличие от ностальгического характера этой работы в других странах, характеризовалась разочарованием и безжалостной социальной критикой. Новые художники объективность в основном вышли из экспрессиониста и дада кругах , включая Отто Дикса , Кристиан Шад , Рудольф Шлихтер , Georg Scholz и Маммен . Макс Бекманн и Джордж Гросс тоже какое-то время ассоциировались с новой объективностью. Хотя Staatliches Bauhaus (Строительная школа: 1919–1933) по своей сути не является экспрессионистским, это была влиятельная немецкая школа, объединяющая ремесла, декоративные и изящные искусства. Переезжая из Веймара в Дессау и в Берлин, он со временем изменился и развивался. Среди директоров были архитекторы Вальтер Гропиус (1919–1928), Ханнес Мейер (1928–1930) и Людвиг Мис ван дер Роэ (1930–1933). В разное время в состав факультета входили Йозеф Альберс , Тео ван Дусбург , Лионель Фейнингер , Йоханнес Иттен , Пауль Клее , Василий Кандинский , Эль Лисицкий , Герхард Маркс , Ласло Мохоли-Надь , Оскар Шлеммер . Архитекторы Баухауза оказали большое влияние на международный стиль , который характеризовался упрощенными формами, отсутствием орнамента, союзом дизайна и функции, а также идеей о том, что массовое производство может быть совместимо с личным художественным видением. Когда нацистская партия пришла к власти, современное искусство было названо « искусством вырождения », а Баухаус был закрыт в 1933 году, подавив модернизм в Германии на несколько лет.

Кубизм

Кубизм заключался в отказе от перспективы, что ведет к новой организации пространства, где точки зрения множатся, производя фрагментацию объекта, которая делает очевидной склонность к форме над содержанием представления. Пабло Пикассо , Жорж Брак и другие художники-кубисты были вдохновлены скульптурами Иберии , Африки и Океании, выставленными в Лувре и этнографическом музее в Трокадеро , которые предлагались на блошином рынке и в торговых залах.

«Пикассо изучает объект так же, как хирург препарирует труп», - писал критик и поэт Гийом Аполлинер в 1913 году. Пятью годами ранее Пабло Пикассо и Жорж Брак - друзья, коллеги и соперники - начали отказываться от перспективного реализма как формы. художественного вскрытия: совершенно революционный стиль живописи, который рассматривает объекты внутри и вокруг, представляя их аналитически, объективно и полностью безлично.

Сюрреализм (ок. 1924–1950)

Слон-знаменитость ; от Макса Эрнста ; 1921; масло на холсте; 125,4 × 107,9 см; Галерея Тейт Модерн (Лондон)

Сюрреализм возник как фракция дадаизма , официально объявившая о своем зарождении в 1924 году с « Манифестом сюрреализма» Андре Бретона . Первоначально литературная группа поэтов и писателей в Париже, вскоре превратилась в международное движение, в которое вошли художники, скульпторы, фотографы и кинематографисты. Второй Манифест дю сюрреализм был опубликован в 1929 году сюрреализм не имеют существенного выражения в прикладной или декоративно - прикладного искусства, архитектуры и музыки, хотя некоторые отдельные примеры могут быть идентифицированы (например , шахматные наборы, мебель и Las Pozas ). Маленькая и недолговечная метафизическая школа (ок. 1910–1921) с Джорджо де Кирико в качестве главной фигуры оказала большое влияние на сюрреализм. Сюрреалист исследовал множество инновационных техник, некоторые из которых были недавно разработаны в кубизме и дада, другие были новыми, в том числе коллаж , найденные объекты, сборка, случайный случай, рентгенограммы (фотограммы), рисование на песке, капание и разбрызгивание краски, декалькомания и т. Д. поглаживание , фьюмаж и raclage. В сюрреалистическом искусстве преобладают два фундаментальных подхода. В ранние годы доминировал автоматизм, что можно увидеть в творчестве таких художников, как Андре Массон и Жоан Миро . Другой художник, вдохновленный работами Джорджо де Кирико, использовал более традиционные методы и средства, чтобы проиллюстрировать нефильтрованные мысли и несочетаемые сопоставления, в том числе Сальвадор Дали и Рене Магритт . Среди известных художников - Жан Арп , Ханс Беллмер , Виктор Браунер , Луис Бунюэль , Джозеф Корнелл , Оскар Домингес , Макс Эрнст , Вифредо Лам , Ив Танги , Ман Рэй , Альберто Джакометти , Мерет Оппенгейм и Роберто Матта . К другим важным художникам, неофициально обращенным к сюрреализму, относятся Марсель Дюшан , Пабло Пикассо и Фрида Кало . Идеи и теории сюрреализма обсуждались в серии журналов La Révolution Surréaliste (1924–1929), Le Surrealisme au service de la Revolution (1930–1933), Minotaure (1933–1939), VVV (1942–1944). Автоматические картины, созданные Андре Массоном и Жоаном Миро, а также опоздавшими в сюрреализм, такими как Роберто Матта и Аршил Горки, оказали значительное влияние на абстрактного экспрессиониста в конце 1940-х годов.

С некоторой долей непочтительности и презрения Дада к традиционным политическим, религиозным и буржуазным ценностям западной культуры, которые, по их мнению, привели мир к Первой мировой войне (Бретон и другие члены-основатели были ветеранами); сюрреалист исследовал возможности, которые были открыты Зигмундом Фрейдом в отношении подсознательного разума: «Чистый психический автоматизм, с помощью которого человек намеревается выразить словесно, письменно или любым другим способом реальное функционирование разума. в отсутствие какого-либо контроля со стороны разума и вне всяких эстетических или моральных соображений ". Сюрреализм стремился выразить чистую мысль, не отфильтрованную и не подвергшуюся цензуре политическими, религиозными, моральными или рациональными принципами.

Середина 20 века

Поп-арт

Термин «поп» впервые появился в печати в статье английского критика Лоуренса Аллоуэя в 1958 году, но новый интерес к популярной культуре и попытка превратить ее в искусство были характерны для Независимой группы в Лондоне с самого начала. 1950-е годы. Ричард Гамильтон , Эдуардо Паолоцци и другие обсуждали растущую массовую культуру фильмов, рекламы , научной фантастики , консьюмеризма , средств массовой информации и коммуникаций, дизайна продуктов и новых технологий, зародившихся в Америке, но теперь распространяющихся на Запад. Они были особенно увлечены рекламой, графикой и дизайном продукции и хотели создать искусство и архитектуру, которые имели бы столь же соблазнительную привлекательность. Коллаж Гамильтона Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956), созданная на основе рекламных объявлений американских журналов, была первой работой, получившей статус культовой. Следующее поколение лондонских студентов, в том числе Патрик Колфилд и Дэвид Хокни , также включили поп-культуру в свои коллажи и собрания, и в период между 1959 и 1962 годами добились общественной известности.

В начале 1960 - х годов, в Соединенных Штатах сами, общественном пилой впервые произведения , которые с тех пор стали известны: Энди Уорхола «s Мэрилин Монро , Рой Лихтенштейн » s комикса масла, Клаас Oldenberg «s gigantiv виниловые гамбургеры и рожки для мороженого и обнаженные тела Тома Вессельмана в домашней обстановке, включающие настоящие занавески для душа, телефоны и шкафы для ванных комнат. Кульминацией общественного внимания стала большая международная выставка в галерее Сиднея Яниса в Нью-Йорке в 1962 году. Работы британских, французских, итальянских, шведских и американских художников были сгруппированы по темам «повседневный объект», «средства массовой информации» и «повторение» или «накопление» объектов массового производства. Это был решающий момент. Сидней Янис был ведущим торговцем первоклассными европейскими модернистами и абстрактными экспрессионистами , и его выставка освятила эту работу как следующее направление истории искусства, которое будет обсуждаться и собираться.

Конец 20-го и начало 21-го веков

Книги об искусстве, проданные в Cărturești Carusel ( Бухарест , Румыния ), в апреле 2019 г.

Быстрое развитие науки и технологий привело к эпохе позднего модерна и постмодерна . В эти периоды искусство и культуры мира претерпели множество изменений, и между культурами было много смешения, поскольку новые коммуникационные технологии способствовали национальному и даже глобальному распространению музыки, искусства и стиля. Разделение региональных культур, отмеченное в XIX веке, сменилось глобальной культурой. Постмодернизм описывает широкое движение, развившееся в середине-конце 20-го века в философии, искусстве, архитектуре и критике, которое ознаменовало отход от модернизма. Один современный взгляд на постмодернистское искусство показывает, что его можно понимать как расширение технологических медиа, позволяющих одновременно создавать несколько новых форм искусства. Переход от линейных художественных движений эпохи модерна начала 20-го века к множественным одновременным движениям постмодерна прошлого 20-го века показан на временной шкале искусства и новых медиа 20-го века . Художественные направления, характерные для конца 20-го и начала 21-го веков, включают ленд-арт , видеоарт , фотореализм , гиперреализм и цифровое искусство .

Параллельно с этим развитием, интерфейс между средствами массовой информации, которые в то время были в значительной степени разделены, в узком понимании концепции искусства, между живописью и фотографией, стало исторически актуальным в искусстве благодаря работам фотохудожника Пьера Кордье ( Chimigramm ). в начале семидесятых - Паоло Монти ( хемиграмма ) и Йозеф Х. Нойман ( хемограмма ) в новом Visuel Arts. В 1974 году хемограмма Йозефа Х. Неймана завершила разделение живописного грунта и фотографического слоя в том смысле, что в беспрецедентном до того времени симбиозе они были безошибочно уникальны в одновременной живописной и реальной фотографической перспективе в пределах одного фотографический слой в объединении цветов и форм.

Смотрите также

Примечания

использованная литература

дальнейшее чтение

  • 30 000 лет искусства: история человеческого творчества во времени и пространстве (2-е изд.). Лондон: Phaidon Press . 2015 г.
  • Адамс, Лори (2007). Искусство сквозь время (3-е изд.). Бостон: Макгроу-Хилл.
  • Белл, Джулиан (2010). Зеркало мира: новая история искусства (2-е изд.). Лондон: Темза и Гудзон. ISBN 978-0-500-28754-5.
  • Гомбрич, EH (1990). История искусства (15-е изд.). Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис-Холл.
  • Янсон, HW; Дэвис, Пенелопа JE (2007). История искусства Янсона: западная традиция (7-е изд.). Река Аппер Сэдл, штат Нью-Джерси: Pearson Prentice Hall.
  • Грау, Оливер , изд. (2007). MediaArtHistories . Кембридж, Массачусетс: MIT-Press.
  • Ла Планте, Джон Д. (1992). Азиатское искусство (3-е изд.). Дубюк, ИА: Wm. К. Браун.
  • Миллер, Мэри Эллен (2006). Искусство Мезоамерики: от ольмеков до ацтеков . Мир искусства (4-е изд.). Лондон: Темза и Гудзон.
  • Пирс, Джеймс Смит; Янсон, HW (2004). От Abacus до Зевса: Справочник по истории искусств (7-е изд.). Река Аппер Сэдл, штат Нью-Джерси: Pearson Prentice Hall.
  • Поль, Фрэнсис К. (2002). Обрамление Америки: социальная история американского искусства . Нью-Йорк: Темза и Гудзон.
  • Стокстад, Мэрилин (2008). История искусств (3-е изд.). Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Education.
  • Томас, Николас (1995). Океаническое искусство . Мир искусства. Нью-Йорк: Темза и Гудзон.
  • Тюилье, Жак (2002). Histoire de l'art . Париж: Фламмарион. ISBN 2-08-012535-4.
  • Уилкинс, Дэвид Дж .; Шульц, Бернард; Линдуфф, Кэтрин М. (2008). Прошлое искусства, настоящее искусство (6-е изд.). Река Аппер Сэдл, Нью-Джерси: Pearson Education.

внешние ссылки

Сроки