История театра - History of theatre

История театра диаграмм развития театра в течение последних 2500 лет. Хотя перформативные элементы присутствуют в каждом обществе, принято признавать различие между театром как формой искусства и развлечением и театральными или перформативными элементами в других видах деятельности. История театра в первую очередь связана с возникновением и последующим развитием театра как самостоятельной деятельности. Начиная с классических Афин в VI веке до нашей эры, яркие театральные традиции процветали в культурах по всему миру.

Происхождение

Несмотря на сходство театра с исполнением ритуальных действий и важную связь, которую театр разделяет с ритуалом, нет убедительных доказательств того, что театр возник из ритуала. Это сходство раннего театра с ритуалом отрицательно засвидетельствовано Аристотелем , который в своей « Поэтике» определил театр в отличие от представлений священных мистерий : театр не требовал от зрителя поститься, выпить кикеон или маршировать в процессии; однако театр действительно напоминал священные мистерии в том смысле, что приносил зрителю очищение и исцеление посредством видения, теамы . Соответственно, физическое место проведения таких представлений было названо театром .

По словам историков Оскара Брокетта и Франклина Хилди, ритуалы обычно включают элементы, которые развлекают или доставляют удовольствие, такие как костюмы и маски, а также опытные исполнители. По мере того, как общества становились все более сложными, эти зрелищные элементы начали разыгрываться в неритуальных условиях. По мере того, как это происходило, делались первые шаги к театру как к самостоятельной деятельности.

Европейский театр

Греческий театр

Греческий театр, наиболее развитый в Афинах , является корнем западной традиции; Театр - слово греческого происхождения. Это было частью более широкой культуры театральности и представлений в классической Греции, которая включала фестивали , религиозные ритуалы , политику , право , легкую атлетику и гимнастику, музыку , поэзию , свадьбы, похороны и симпозиумы . Участие во многих фестивалях города-государства - и посещение City Dionysia в качестве зрителя (или даже в качестве участника театральных постановок) - было важной частью гражданственности . Участие Civic также включали оценку риторики о ораторах засвидетельствованных в спектаклях в законотворческой суде или политическом собрании , оба из которых были поняты по аналогии с театром и более пришло , чтобы поглотить его драматический словарный запас. Театр Древней Греции состоял из трех видов драмы : трагедия , комедия , и сатира пьесы .

Афинская трагедия - самая древняя из сохранившихся форм трагедии - представляет собой разновидность танцевальной драмы, которая составляет важную часть театральной культуры города-государства. Возникнув где-то в 6 веке до нашей эры, он расцвел в 5 веке до нашей эры (с конца которого он начал распространяться по всему греческому миру) и продолжал оставаться популярным до начала эллинистического периода . Не сохранилось ни одной трагедии VI века, и только 32 из более тысячи разыгранных в V веке не сохранились. У нас есть полные тексты из дошедших до нас от Эсхила , Софокла и Еврипида . Истоки трагедии остаются неясными, хотя в 5 - м века он был институционализации в соревнованиях ( агон ) проводится в рамках праздничных мероприятий празднования Диониса (в бог из вина и плодородия ). В качестве участников конкурса Городской Дионисии (самый престижный из фестивалей театральной постановки) драматурги должны были представить тетралогию пьес (хотя отдельные произведения не обязательно были связаны сюжетом или темой), которая обычно состояла из трех трагедий и одна игра сатиров. Действие трагедий в Городе Дионисии могло начаться еще в 534 г. до н.э .; официальные записи ( дидаскалий ) начинаются с 501 г. до н.э., когда была введена игра сатиров. Большинство афинских трагедий представляют собой драматические события из греческой мифологии , хотя персы, которые представляют собой реакцию персов на известие об их военном поражении в битве при Саламине в 480 г. до н.э., являются заметным исключением из сохранившейся драмы. Когда Эсхил получил за нее первую премию в Городе Дионисии в 472 г. до н.э., он писал трагедии более 25 лет, но его трагическая трактовка недавней истории является самым ранним сохранившимся примером драмы. Более 130 лет спустя философ Аристотель проанализировал афинскую трагедию V века в старейшем из сохранившихся произведений драматической теории - « Поэтике» (ок. 335 г. до н. Э.). Афинскую комедию условно делят на три периода: «Старая комедия», «Средняя комедия» и «Новая комедия». Старая комедия сохранилась сегодня в основном в виде одиннадцати сохранившихся пьес Аристофана , тогда как средняя комедия в значительной степени утрачена (сохранилась только в относительно коротких фрагментах у таких авторов, как Афиней из Навкратиса ). Новая комедия известна прежде всего по содержательным папирусным фрагментам пьес Менандра . Аристотель определил комедию как изображение смешных людей, в котором присутствует какая-то ошибка или уродство, не причиняющее боли или разрушения.

Римский театр

Западный театр значительно развился и расширился при римлянах . Римский историк Ливий писал, что римляне впервые познакомились с театром в 4 веке до нашей эры, где выступали этрусские актеры. Бичем утверждает, что римляне были знакомы с «до-театральной практикой» в течение некоторого времени до того зарегистрированного контакта. Театр древнего Рима был процветающим и разнообразной форма искусства, начиная от фестивальных спектаклей уличных театров , ню танцев и акробатики, к постановке Плавта «ы широко привлекательной ситуации комедии , в изысканном стиль , устно сложные трагедии из Сенеки . Хотя Рим был родную традиция исполнения, Эллинизация из римской культуры в 3 веке до н.э. была глубоким и тонизирующее влияние на римском театре и поощряла развитие латинской литературы самого высокого качества для сцены.

После расширения Римской республики (509–27 до н. Э.) На несколько греческих территорий между 270–240 до н. Э. Рим столкнулся с греческой драмой . С более поздних лет республики и с помощью Римской империи (27 г. до н.э. - 476 г. н.э.) театр распространился на запад по Европе, вокруг Средиземного моря и достиг Англии; Римский театр был более разнообразным, обширным и сложным, чем театр любой другой культуры до него. В то время как греческая драма продолжала разыгрываться на протяжении всего римского периода, 240 г. до н.э. знаменует начало регулярной римской драмы. Однако с самого начала империи интерес к полнометражной драме снизился в пользу более широкого разнообразия театральных развлечений.

Первыми важными произведениями римской литературы были трагедии и комедии , написанные Ливием Андроником с 240 г. до н. Э. Пять лет спустя Гней Невий также начал писать драму. Пьес ни одного из писателей не сохранилось. В то время как оба драматурга писали в обоих жанрах , Андроника больше всего ценили за его трагедии, а Невия за его комедии; их преемники, как правило, специализировались на том или другом, что привело к разделению последующего развития каждого типа драмы. К началу II в. До н.э. драма прочно утвердилась в Риме и образовалась гильдия писателей ( collegium поэтарум ).

Сохранившиеся римские комедии - это fabula palliata (комедии, основанные на греческих сюжетах), написанные двумя драматургами: Тит Макций Плавт (Плавт) и Публий Теренций Афер (Теренс). При переработке греческих оригиналов римские драматурги-комики упразднили роль хора в разделении драмы на эпизоды и добавили музыкальное сопровождение к ее диалогам (между одной третью диалога в комедиях Плавта и двумя третями в комедиях Плавта). Теренция). Действие всех сцен происходит на внешней стороне улицы, и ее осложнения часто возникают из-за подслушивания . Плавт, наиболее популярный из них, написал между 205 и 184 годами до нашей эры, и сохранились двадцать его комедий, из которых наиболее известны его фарсы ; он восхищался остроумием его диалогов и использованием разнообразных поэтических приемов . Сохранились все шесть комедий, написанных Теренсом между 166 и 160 годами до нашей эры; Сложность его сюжетов, в которых он часто сочетал несколько греческих оригиналов, иногда осуждалась, но его двойные сюжеты позволили изощренно представить контрастирующее человеческое поведение.

Не сохранилось ни одной раннеримской трагедии, хотя в свое время она была высоко оценена; историкам известны три ранних трагика - Квинт Энний , Марк Пакувий и Луций Акций . Со времен империи сохранились произведения двух трагиков: один - неизвестный автор, а другой - философ-стоик Сенека . Девять трагедий Сенеки сохранились до наших дней , и все они - fabula crepidata (трагедии, адаптированные с греческих оригиналов); его Федра , например, был основан на Еврипида " Ипполит . Историки не знают, кто написал единственный сохранившийся пример fabula praetexta (трагедии, основанные на римских сюжетах), Октавия , но в прежние времена ее ошибочно приписывали Сенеке из-за его появления в качестве персонажа трагедии.

В отличие от древнегреческого театра, театр в Древнем Риме допускал женщин-исполнителей. В то время как большинство было занято для танцев и пения, меньшинство актрис , как известно, выполнили говоря роли, и были актрисами , которые достигли богатства, славы и признания их искусства, такие как Eucharis , Дионисии , Галерия Копайола и Fabia Арета : они также сформировали свою собственную актерскую гильдию Sociae Mimae , которая, очевидно, была довольно богатой.

Переходный и раннесредневековый театр, 500–1050 гг.

Когда Западная Римская империя пришла в упадок в IV и V веках, центр римской власти переместился в Константинополь и Восточную Римскую империю , которую сегодня называют Византийской империей . Хотя сохранившиеся свидетельства византийского театра немногочисленны, существующие записи показывают, что пантомима , пантомима , сцены или декламации из трагедий и комедий , танцев и других развлечений были очень популярны. В Константинополе было два театра, которые использовались еще в V веке. Однако истинное значение византийцев в истории театра состоит в том, что они сохранили многие классические греческие тексты и составили огромную энциклопедию под названием Суда , из которой получено большое количество современной информации о греческом театре.

С V века Западная Европа погрузилась в период всеобщего беспорядка, который длился (с коротким периодом стабильности при Каролингской империи в 9 веке) до 10 века. Таким образом, большинство организованных театральных мероприятий исчезли в Западной Европе . Хотя кажется, что небольшие кочевые группы путешествовали по Европе на протяжении всего периода, выступая там, где могли найти публику, нет никаких доказательств того, что они создавали что-либо, кроме грубых сцен. Эти исполнители были осуждены церковью в Средние века, поскольку считались опасными и языческими.

К раннему средневековью церкви в Европе начали ставить театрализованные версии определенных библейских событий в определенные дни года. Эти инсценировки были включены, чтобы оживить ежегодные праздники. Символические предметы и действия - облачения , жертвенники , кадильницы и пантомима в исполнении священников - напоминали о событиях, отмечаемых христианским ритуалом. Это были обширные наборы визуальных знаков, которые можно было использовать для общения с в основном неграмотной аудиторией. Эти представления превратились в литургические драмы , самая ранняя из которых - пасхальный троп « Кого ты ищешь» (Quem-Quaeritis) , датируемый ок. 925. Литургическая драма исполнялась ответственно двумя группами, и в ней не участвовали актеры, изображавшие персонажей. Однако где-то между 965 и 975 годами Этельволд из Винчестера составил Regularis Concordia (Монашеский договор), который содержит пьесу с инструкциями по исполнению.

Хросвита (ок. 935 - 973), канонисса из северной Германии , написала шесть пьес по образцу комедий Теренция , но с использованием религиозных сюжетов. Эти шесть пьес - Авраам, Каллимах, Дулциций, Галликан, Пафнутий и Сапиентия - являются первыми известными пьесами, написанными драматургом, и первыми узнаваемыми западными драматическими произведениями постклассической эпохи. Впервые они были опубликованы в 1501 году и оказали значительное влияние на религиозные и дидактические пьесы шестнадцатого века. За Хросвитой последовала Хильдегард Бингенская (ум. 1179), бенедиктинская аббатиса, написавшая в 1155 году латинскую музыкальную драму под названием Ordo Virtutum .

Театр высокого и позднего средневековья, 1050–1500 гг.

Когда в середине XI века вторжения викингов прекратились, литургическая драма распространилась от России до Скандинавии и Италии . Только на оккупированном мусульманами Пиренейском полуострове литургические драмы вообще не представлялись. Несмотря на большое количество литургических драм, которые сохранились с того периода, во многих церквях устраивались только один или два спектакля в год, а в большем количестве их вообще не было.

Праздник Дураков был особенно важен в развитии комедии. Фестиваль перевернул статус низшего духовенства и позволил им высмеивать свое начальство и распорядок церковной жизни. Иногда в рамках этого праздника ставились пьесы, и в эти представления проникало некоторое количество бурлеска и комедии . Хотя комические эпизоды действительно должны были дождаться отделения драмы от литургии, Праздник дураков, несомненно, оказал глубокое влияние на развитие комедии как в религиозных, так и в светских пьесах.

Представление религиозных пьес за пределами церкви началось где-то в XII веке в результате традиционно принятого процесса объединения коротких литургических драм в более длинные пьесы, которые затем переводились на народный язык и исполнялись мирянами. «Тайна Адама» (1150 г.) подтверждает эту теорию, поскольку ее подробное описание постановки предполагает, что она была поставлена ​​на открытом воздухе. Сохранился ряд других пьес того периода, в том числе «Воскрешение сены» ( Норман ), «Игра королей-волхвов» ( испанский ) и « Спонсус» ( французский ).

Важность Средневековья в развитии театра заключалась в экономических и политических изменениях, которые привели к образованию гильдий и росту городов. Это привело бы к значительным изменениям в позднем средневековье . На Британских островах в средние века пьесы ставились в 127 разных городах. Эти народные мистерии были написаны циклами из большого количества пьес: Йорк (48 пьес), Честер (24), Уэйкфилд (32) и Неизвестный (42). В этот период сохранилось большее количество пьес из Франции и Германии, а некоторые религиозные драмы ставились почти во всех европейских странах в позднем средневековье . Многие из этих пьес содержали комедии , черти , злодеи и клоуны .

Большинство актеров в этих пьесах были привлечены из местного населения. Например, в Валансьене в 1547 году 72 актерам было отведено более 100 ролей. Пьесы ставились на театральных подиумах , которые представляли собой платформы, установленные на колесах, которые использовались для перемещения декораций. Часто самодеятельные исполнители в Англии предоставляли свои костюмы, но в других странах были исполнители-женщины. Этап платформы, представлявший собой неопознанное пространство, а не конкретную местность, допускал резкие изменения местоположения.

Моральные пьесы возникли как отдельная драматическая форма около 1400 года и процветали до 1550 года. Самая интересная моральная пьеса - «Замок стойкости», которая изображает прогресс человечества от рождения до смерти. Однако самая известная пьеса о морали и, возможно, самая известная средневековая драма - « Обыватель» . Каждый получает призыв Смерти , изо всех сил пытается убежать и, наконец, смиряется с необходимостью. По пути его покидают Сородичи , Товары и Содружество - только Добрые дела идут с ним в могилу.

Был также ряд светских представлений, поставленных в средние века, самое раннее из которых - «Игра Зеленого леса » Адама де ла Галле в 1276 году. Оно содержит сатирические сцены и народный материал, такой как феи и другие сверхъестественные явления. Популярность фарсов также резко возросла после 13 века. Большинство этих пьес родом из Франции и Германии, они похожи по тону и форме, подчеркивая секс и телесные выделения. Самый известный драматург фарсов - Ганс Сакс (1494–1576), написавший 198 драматических произведений. В Англии играть вторые пастухи из Wakefield цикла является наиболее известным в начале фарса. Однако фарс не появлялся в Англии независимо до 16-го века с работами Джона Хейвуда (1497–1580).

Значительным предвестником развития елизаветинской драмы были Палаты риторики в Нидерландах . Эти общества интересовались поэзией , музыкой и драматургией и проводили конкурсы, чтобы увидеть, какое общество могло бы сочинить лучшую драму по поставленному вопросу.

В конце позднего средневековья профессиональные актеры стали появляться в Англии и Европе . Ричард III и Генрих VII содержали небольшие труппы профессиональных актеров. Их пьесы исполнялись в Большом зале дворянской резиденции, часто с приподнятой платформой на одном конце для зрителей и «экраном» на другом для актеров. Также важны были пьесы ряженых , поставленные во время рождественского сезона, и придворные маски . Эти маски были особенно популярны во время правления Генриха VIII, который построил Дом Ревелей и Управление Ревелей в 1545 году.

Конец средневековой драмы наступил из-за ряда факторов, в том числе ослабления власти католической церкви , протестантской Реформации и запрета религиозных пьес во многих странах. Елизавета I запретила все религиозные пьесы в 1558 году, а к 1580-м годам великие пьесы из цикла замолчали. Точно так же религиозные пьесы были запрещены в Нидерландах в 1539 году, в Папской области в 1547 году и в Париже в 1548 году. Отказ от этих пьес разрушил существовавший международный театр и вынудил каждую страну развивать свою собственную форму драмы. Это также позволило драматургам обратиться к светским предметам, а возрождение интереса к греческому и римскому театру предоставило им прекрасную возможность.

Комедия дель арте и Возрождение

Труппы Commedia dell'arte веками исполняли живые импровизационные пьесы по всей Европе. Он возник в Италии в 1560-х годах. Комедия - это актерский театр, требующий небольшого количества декораций и очень небольшого количества реквизита. Пьесы возникли не из письменной драмы, а из лацци , свободных рамок, которые определяют ситуации, сложности и исход действия, вокруг которого импровизируют актеры. В пьесах используются стандартные персонажи , которых можно разделить на три группы: любовники, хозяева и слуги. В большинстве пьес влюбленные имели разные имена и характеристики и часто были детьми мастера. Роль мастера основана на одном из трех стереотипов: Панталоне , пожилой венецианский купец; Доттор , друг или соперник Панталоне, педантичный врач или юрист; и Капитано , который когда-то был персонажем-любовником, но превратился в хвастуна, который хвастается своими подвигами в любви и войне, но при этом ужасно неопытен в обоих. У персонажа-слуги (называемого дзанни ) есть только одна повторяющаяся роль: Арлекино (также называемый Арлекино ). Он и хитрый, и невежественный, но опытный танцор и акробат. Обычно он носит деревянную палку с разрезом посередине, которая издает громкий звук при ударе по чему-либо. Это «оружие» дало нам термин « фарс ».

Труппа обычно состояла из 13-14 человек. Большинству актеров платили, получая долю прибыли от пьесы, примерно равную размеру их роли. Стиль театра был на пике с 1575 по 1650 год, но даже после этого времени были написаны и исполнены новые сценарии. Венецианский драматург Карло Гольдони написал несколько сценариев, начиная с 1734 года, но, поскольку он считал жанр вульгарным, он уточнил темы, сделав их более сложными. Он также написал несколько пьес, основанных на реальных событиях, в которые включил персонажей комедии .

Комедия арта позволила профессиональным женщинам выполнять на ранних стадиях: Лукреция Di Siena , чье имя по договору актеров из 1564, было передано в качестве первой итальянской актрисы , известной по имени, с Винчензе Армани и Барбара Flaminia как первые примадонна и известные европейские актрисы.

Английский елизаветинский театр

Театр эпохи Возрождения произошел от нескольких средневековых театральных традиций, таких как мистические пьесы, которые были частью религиозных фестивалей в Англии и других частях Европы в средние века. Другие источники включают « пьесы о морали » и «университетскую драму», в которых пытались воссоздать афинскую трагедию. Итальянская традиция комедии дель арте , а также сложные маски, часто представляемые при дворе, также внесли свой вклад в формирование общественного театра.

Еще до правления Елизаветы I компании игроков были прикреплены к домам ведущих аристократов и сезонно выступали в различных местах. Они стали основой для профессиональных игроков, выступавших на елизаветинской сцене. Гастроли этих игроков постепенно вытеснили выступления местных игроков в мистических и моральных пьесах, а закон 1572 года устранил оставшиеся компании, не имевшие формального патронажа, назвав их бродягами .

Власти лондонского Сити в целом враждебно относились к публичным выступлениям, но их враждебность перекрывалась пристрастием королевы к пьесам и поддержкой Тайного совета. Театры возникли в пригородах, особенно в районе Саутварк, доступном через Темзу для городских жителей, но неподконтрольному властям. Компании утверждали, что их публичные выступления были всего лишь репетициями частых выступлений перед королевой, но, хотя последнее и создавало престиж, первые были реальным источником дохода для профессиональных игроков.

Наряду с экономикой профессии к концу периода изменился характер драмы. При Елизавете драма представляла собой единое выражение с точки зрения социального класса: Суд смотрел те же пьесы, что и простые люди в общественных театрах. С развитием частных театров драма стала больше ориентироваться на вкусы и ценности публики из высших слоев общества. К концу правления Карла I для публичных театров было написано несколько новых пьес, которые опирались на произведения, накопленные за предыдущие десятилетия.

Пуританская оппозиция сцене (основанная на аргументах ранних отцов церкви, которые писали статьи против упаднических и жестоких развлечений римлян) утверждала не только, что сцена в целом была языческой , но и что любая пьеса, представляющая религиозного деятеля, была по своей сути идолопоклонство . В 1642 году, когда началась Гражданская война в Англии , пуританские власти запретили показ всех пьес в пределах Лондона. Широкая атака на якобы безнравственность театра сокрушила все, что осталось в Англии от драматической традиции.

Испанский театр Золотого века

Во время своего Золотого века , примерно с 1590 по 1681 год, Испания пережила колоссальный рост производства живых театральных постановок, а также важность театра в испанском обществе. Это была доступная форма искусства для всех участников эпохи Возрождения в Испании, которая одновременно сильно спонсировалась аристократическим классом и широко посещалась низшими классами. Объем и разнообразие испанских пьес Золотого века было беспрецедентным в истории мирового театра, превосходя, например, драматическую постановку английского Возрождения как минимум в четыре раза. Хотя этот том был как источником критики, так и похвалы испанскому театру Золотого века за то, что он подчеркивал количество, а не качество, большое количество из 10 000–30 000 пьес этого периода по-прежнему считаются шедеврами.

Среди крупных художников того времени были Лопе де Вега , современник Шекспира, который часто и одновременно видел его параллели для испанской сцены, и Кальдерон де ла Барка , изобретатель сарсуэлы и преемник Лопе как выдающийся испанский драматург. Хиль Висенте , Лопе де Руэда и Хуан дель Энсина помогли заложить основы испанского театра в середине шестнадцатого века, в то время как Франсиско де Рохас Соррилья и Тирсо де Молина внесли значительный вклад во вторую половину Золотого века. Среди важных исполнителей были Лопе де Руэда (ранее упоминавшийся среди драматургов), а затем Хуан Рана .

Источники влияния на зарождающийся национальный театр Испании были столь же разнообразны, как и театр, созданный этой страной. Традиции рассказывания историй, берущие начало в итальянской комедии дель арте, и уникальное испанское выражение развлечений западноевропейских странствующих менестрелей внесли популистское влияние на повествования и музыку, соответственно, раннего испанского театра. С другой стороны, неоаристотелевская критика и литургические драмы внесли свой вклад в литературные и моралистические перспективы. В свою очередь, испанский театр Золотого века оказал огромное влияние на театр более поздних поколений в Европе и во всем мире. Испанская драма оказала немедленное и значительное влияние на современное развитие английского театра эпохи Возрождения . Он также оказал сильное влияние на театр во всем испаноязычном мире. Кроме того, все большее количество произведений переводится, что расширяет охват испанского театра Золотого века и укрепляет его репутацию среди критиков и меценатов.

Французский классический театр

Известные драматурги:

• Пьер Корнель (1606–84)
• Мольер (1622–1673 гг.)
• Жан Расин (1639–1699)

Комедия-реставрация

После того, как пуританский режим запретил публичные выступления на 18 лет, повторное открытие театров в 1660 году ознаменовало возрождение английской драмы. После реставрации монарха в 1660 году театр был восстановлен и вновь открыт. Английские комедии, написанные и исполненные в период Реставрации с 1660 по 1710 год, собирательно называются «Комедией Реставрации». Комедия-реставрация известна своей сексуальной откровенностью, качеством, поощряемым лично Карлом II (1660–1685) и распутным аристократическим духом его двора . Впервые женщинам было разрешено действовать, что положило конец практике, когда мальчик-игрок брал на себя роли женщин. Социально разнородная аудитория включала как аристократов, их слуг и прихлебателей, так и значительную часть среднего класса. Зрители реставрации любили видеть добрую победу в своих трагедиях и восстановление законного правительства. В комедии им нравилось видеть любовную жизнь молодых и модных, когда центральная пара успешно завершала ухаживания (часто преодолевая сопротивление старших). Героини должны были быть целомудренными, но независимыми и откровенными; теперь, когда в них играли женщины, драматург получил больше возможностей замаскировать их в мужскую одежду или избавить их от изнасилования. Этих любителей пьес привлекали комедии с учетом актуальных сюжетов , многолюдных и оживленных сюжетов , появления первых профессиональных актрис и появления первых звездных актеров. Не любителям театра эти комедии казались распущенными и подозрительными с моральной точки зрения, вызывая восхищение выходками небольшого привилегированного и декадентского класса. Этот же класс доминировал в аудитории Реставрационного театра. В этот период появилась первая профессиональная женщина-драматург Афра Бен .

Как реакция на упадок постановок эпохи Карла II, популярность сентиментальной комедии возросла. Этот жанр ориентирован на поощрение добродетельного поведения путем показа персонажей среднего класса, преодолевших серию моральных испытаний. Драматурги, такие как Колли Сиббер и Ричард Стил, считали, что люди по своей природе хороши, но способны сбиться с пути. В таких пьесах, как «Сознательные любовники» и «Последний сдвиг» любви, они стремились апеллировать к благородным чувствам публики, чтобы зрители могли измениться.

Реставрация эффектная

Восстановление эффектное , или искусно поставил «машину играть», попали в Лондоне общественной сцену в конце 17-го век реставрационного периода, увлекательные аудитории с действиями, музыкой, танцами, перемещаемой декорацией , барокко illusionistic живописи , великолепными костюмами и спецэффектами , такими как секретные трюки, «летающие» актеры и фейерверки . У этих шоу всегда была плохая репутация вульгарной и коммерческой угрозы остроумной, «законной» драме Реставрации ; однако они привлекли лондонцев в беспрецедентном количестве и оставили их в восторге и восторге.

В основном доморощенные и уходящие корнями в придворные маски начала 17 века , хотя никогда не стеснялись заимствовать идеи и сценические технологии из французской оперы , зрелища иногда называют «английской оперой». Однако их разнообразие настолько неопрятно, что большинство историков театра вообще отчаялись определить их как жанр . Лишь немногие произведения этого периода обычно употребляются под термином «опера», поскольку музыкальное измерение большинства из них подчинено визуальному. Это были зрелище и декорации, которые привлекали толпы, о чем свидетельствуют многочисленные комментарии в дневнике любителя театра Сэмюэля Пеписа . Расходы на постановку все более сложных сценических постановок вогнали две конкурирующие театральные труппы в опасную спираль огромных расходов и, соответственно, огромных убытков или прибылей. Такое фиаско, как « Альбион» Джона Драйдена и «Альбаниус», привело бы к серьезным долгам компании, в то время как в таких блокбастерах, как « Психея» Томаса Шедвелла или « Король Артур» Драйдена, компания надолго оставила бы ее в тени .

Неоклассический театр

Неоклассицизм был доминирующей формой театра в 18 веке. Это требовало приличия и строгого следования классическим единствам . Неоклассический театр, как и период времени, отличается своей грандиозностью. Костюмы и декорации были замысловатыми и продуманными. Для актерской игры характерны крупные жесты и мелодрама. Неоклассический театр охватывает эпохи Реставрации, Августа и Иоанна. В каком-то смысле неоклассическая эпоха напрямую следует за эпохой Возрождения.

Театры начала 18 века - сексуальные фарсы Реставрации были вытеснены политически сатирическими комедиями. 1737 г. Парламент принял Закон о лицензировании сцены, который ввел государственную цензуру публичных представлений и ограничил количество театров в Лондоне двумя.

Театр девятнадцатого века

Театр 19 века делится на две части: раннюю и позднюю. В ранний период преобладали мелодрама и романтизм .

Начиная с Франции , мелодрама стала самой популярной театральной формой. « Мизантропия и раскаяние» Августа фон Коцебу (1789) часто считается первой мелодраматической пьесой. В пьесах Коцебу и Рене Шарля Гильбера де Пиксерекура мелодрама стала доминирующей драматической формой начала XIX века.

В Германии наблюдалась тенденция к исторической точности костюмов и декораций , революция в театральной архитектуре и введение театральной формы немецкого романтизма . Под влиянием тенденций в философии и изобразительном искусстве XIX века немецкие писатели все больше увлекались своим тевтонским прошлым и испытывали растущее чувство национализма . Пьесы Готтхольда Эфраима Лессинга , Иоганна Вольфганга фон Гете , Фридриха Шиллера и других драматургов « Штурм и натиск» внушали растущую веру в чувства и инстинкты как руководство к нравственному поведению.

В Великобритании , Перси Биши Шелли и Лорд Байрон были самыми важными драматургов своего времени , хотя пьесы Шелли не были выполнены , пока в конце века. В малых театрах наибольшей популярностью пользовались бурлетта и мелодрама . Пьесы Коцеба были переведены на английский язык и Томас Холкрофт «s Повесть о Тайне была первым из многих английских мелодрам. Пирс Иган , Дуглас Уильям Джерролд , Эдвард Фицболл и Джон Болдуин Бакстон положили начало тенденции к более современным и деревенским историям, а не к обычным историческим или фантастическим мелодрамам. Джеймс Шеридан Ноулз и Эдвард Булвер-Литтон создали «джентльменскую» драму, которая начала восстанавливать былый престиж театра среди аристократии .

В более поздний период XIX века возникли два конфликтующих типа драмы: реализм и нереализм, такие как символизм и предшественники экспрессионизма .

Реализм зародился в России раньше, чем где-либо в Европе, в XIX веке и принял более бескомпромиссную форму. Начиная с пьес Ивана Тургенева (который использовал «домашние детали для раскрытия внутреннего смятения»), Александра Островского (который был первым профессиональным драматургом в России), Алексея Писемского (чья «Горькая судьба» (1859) предвосхитил натурализм ) и Льва Толстого (которого Сила Тьмы (1886) является «одним из наиболее эффективных натуралистических спектаклей»), традиция психологического реализма в России завершилась созданием МХТ по Станиславский и Владимир Немирович-Данченко .

Самой важной театральной силой в Германии конца XIX века был Георг II, герцог Саксен-Майнингенский, и его ансамбль Майнинген под руководством Людвига Кронегка . Спектакли ансамбля часто считаются наиболее исторически достоверными за период XIX века, хотя его основной целью было служить интересам драматурга. Ансамбль Майнинген стоит у истоков нового движения к объединенному производству (или тому, что Рихард Вагнер назвал бы Gesamtkunstwerk ) и возвышению режиссера (за счет актера ) как доминирующего художника в театральном творчестве .

Натурализм , театральное движение, порожденное « Происхождением видов» Чарльза Дарвина (1859) и современными политическими и экономическими условиями, нашло своего главного сторонника в лице Эмиля Золя . Реализации идей Золя препятствовало отсутствие способных драматургов, пишущих драму-натуралист. Андре Антуан появился в 1880-х годах со своим Театром Libre, который был открыт только для членов и поэтому не подвергался цензуре. Он быстро завоевал одобрение Золя и начал ставить натуралистические произведения и другие зарубежные реалистические произведения.

В Великобритании продолжали оставаться популярными мелодрамы, легкие комедии, оперы, Шекспир и классическая английская драма, викторианский бурлеск , пантомимы , переводы французских фарсов, а с 1860-х годов - французские оперетты. Столь успешный были комические оперы из Гилберта и Салливана , такие как HMS Пинафор (1878 г.) и Микадо (1885), что они значительно расширили аудиторию для музыкального театра. Это, вместе со значительно улучшенным уличным освещением и транспортом в Лондоне и Нью-Йорке, привело к позднему викторианскому и эдвардианскому буму театрального строительства в Вест-Энде и на Бродвее. Позже творчество Генри Артура Джонса и Артура Винга Пинеро положило начало новому направлению на английской сцене.

Хотя их работа проложила путь, развитие более значительной драмы больше всего обязано драматургу Хенрику Ибсену . Ибсен родился в Норвегии в 1828 году. Он написал двадцать пять пьес, самые известные из которых - «Кукольный домик» (1879), « Призраки» (1881), «Дикая утка» (1884) и « Гедда Габлер» (1890). Кроме того, его работы « Росмерсхольм» (1886) и « Когда мы мертвые» пробуждаемся (1899) пробуждают ощущение таинственных сил, действующих в человеческой судьбе, что должно было стать главной темой символизма и так называемого « Театра абсурда ».

После Ибсена британский театр возродился благодаря работам Джорджа Бернарда Шоу , Оскара Уайльда , Джона Голсуорси , Уильяма Батлера Йейтса и Харли Грэнвилла Баркера . В отличие от большинства мрачных и чрезвычайно серьезных работ своих современников, Шоу и Уайльд писали преимущественно в комической форме . Эдвардианские музыкальные комедии были чрезвычайно популярны, они отвечали вкусам среднего класса в гей-девяностые и удовлетворяли предпочтение публики эскапистских развлечений во время Первой мировой войны.

Театр ХХ века

В то время как большая часть театра 20-го века продолжала и расширяла проекты реализма и натурализма , было также много экспериментальных театров, которые отвергли эти условности. Эти эксперименты являются частью модернистских и постмодернистских движений и включают формы политического театра, а также более эстетически ориентированные работы. Примеры включают: Эпический театр , Театр жестокости и так называемый « Театр абсурда ».

Термин « театральный деятель» стал использоваться для описания человека, который одновременно создает театральные представления и создает теоретический дискурс, который используется в их практической работе. Театр может быть режиссером , драматургом , актером или, что характерно, часто является комбинацией этих традиционно отдельных ролей. «Театральная практика» описывает коллективную работу, которую выполняют различные театральные деятели. Он используется для описания театра праксис от Станиславский «развития с его» системы «через Всеволод Мейерхольд » s биомеханики , Бертольт Брехт «s эпическое и Ежи Гротовского » s бедный театр , вплоть до сегодняшнего дня, с современным практиков театра , включая Augusto Boal с его театром Угнетенных , Дарио Фо «s народного театра , Эудженио Барба » s театральной антропологии и Энн Богарт «s точек зрения .

Другие ключевые фигуры театра 20-го века: Антонин Арто , Август Стриндберг , Антон Чехов , Франк Ведекинд , Морис Метерлинк , Федерико Гарсиа Лорка , Юджин О'Нил , Луиджи Пиранделло , Джордж Бернард Шоу , Гертруда Стайн , Эрнст Толлер , Владимир Маяковский , Артур Миллер , Теннесси Уильямс , Жан Жене , Эжен Ионеско , Сэмюэл Беккет , Гарольд Пинтер , Фридрих Дюрренматт , Хайнер Мюллер и Кэрил Черчилль .

Ряд эстетических движений продолжились или возникли в 20 веке, в том числе:

• Натурализм
• Реализм
• Дадаизм
• Экспрессионизм
• Сюрреализм и театр жестокости
• Театр абсурда
• Постмодернизм
• Агитпроп

После большой популярности британских эдвардианских музыкальных комедий , американский музыкальный театр стал доминировать на музыкальной сцене, начиная с мюзиклов Princess Theater , за которыми следовали работы братьев Гершвин, Коула Портера , Джерома Керна , Роджерса и Харта , а затем Роджерс и Хаммерштейн .

Американский театр

1752-1895 гг.Романтизм

На протяжении большей части истории английская художественная литература и театр были разделены, но эти два вида искусства взаимосвязаны. Однако, если они не научатся работать рука об руку, это может нанести ущерб этому виду искусства. Проза английской литературы и рассказываемые в ней истории должны быть исполнены, и театр обладает такой способностью. С самого начала американский театр был уникальным и разнообразным, отражая общество, в котором Америка гналась за своей национальной идентичностью. Самой первой пьесой, поставленной в 1752 году в Вильямсбурге, штат Вирджиния, была шекспировская «Венецианская купец». Из-за сильного христианского общества театр был запрещен с 1774 по 1789 год. Этот общественный стандарт был обусловлен тем, что Библия была священной, а любые другие развлечения (развлечения) рассматривались как неуместные, легкомысленные (без цели) и чувственные (доставляющие удовольствие). Во время запрета театр часто скрывался, называя себя моральными лекциями. Театр взял короткую паузу из-за революционной войны , но быстро возобновился после окончания войны в 1781 году. Театр начал распространяться на запад , и часто в городах были театры до того, как появились тротуары или канализация. Вначале существовало несколько ведущих профессиональных театральных трупп, но одна из самых влиятельных была в Филадельфии (1794–1815); однако у труппы были шаткие корни из-за запрета на театр.

По мере того как страна расширялась, рос и театр; после войны 1812 г. театр направился на запад. Многие из новых театров принадлежали сообществу , но в Новом Орлеане в 1791 году французы основали профессиональный театр. Несколько трупп отделились и основали театр в Цинциннати, штат Огайо . Первый официальный западный театр появился в 1815 году, когда Сэмюэл Дрейк (1769–1854) взял свою профессиональную театральную труппу из Олбани в Питтсбург, на реку Огайо и в Кентукки . Вместе с этим кругом он иногда возил труппу в Лексингтон , Луисвилл и Франкфорт . Иногда он водил труппу в Огайо , Индиану , Теннесси и Миссури . В то время как были труппы кольцевых верховых, более постоянные театральные сообщества на западе часто располагались на реках, чтобы было легко добраться на лодке. В этом период времени очень немногие театры были выше рек Огайо, и в самом деле Чикаго не имела постоянный театр до 1833 Из времен бурных в Америке и экономического кризис происходит из - за войны, театр во время его обширнейшего времени, опытных банкротство и смена руководства. Кроме того, самый ранний американский театр имел большое влияние в Европе, потому что многие актеры были англичанами по происхождению и обучению . Между 1800 и 1850 годами неоклассическая философия почти полностью ушла из жизни под влиянием романтизма, на который сильно повлиял американский театр 19 века , боготворивший « благородных дикарей ». Благодаря новым психологическим открытиям и приемам актерского мастерства романтизм в конце концов породил реализм . Эта тенденция к реализму возникла между 1870 и 1895 годами.

1895-1945 Реализм

В эту эпоху театра нравственный герой превращается в современного человека, который является продуктом своего окружения. Этот важный сдвиг отчасти связан с гражданской войной, потому что Америка теперь была залита собственной кровью, потеряв свою невиновность .

1945 по 1990

В этот период театра появился Голливуд , который угрожал американскому театру. Однако театр за это время не пришел в упадок, а был известен и заметен во всем мире. Теннесси Уильямс и Артур Миллер в этот период снискали мировую известность.

Африканский театр

Североафриканский театр

Древнеегипетские квазитеатральные события

Самое раннее записанное квазитеатральное событие датируется 2000 годом до нашей эры и представляет собой « пьесы о страсти » Древнего Египта . История бога Осириса ежегодно исполнялась на фестивалях по всей цивилизации.

Западноафриканский театр

Ганский театр

Современный театр в Гане возник в начале 20 века. Сначала он появился как литературный комментарий о колонизации Африки Европой. Среди самых ранних работ, в которых это можно увидеть, это «Мигалки», написанные Кобиной Секи в 1915 году. «Мигалки» - это откровенная сатира на африканцев, принявших принесенную им европейскую культуру. В нем Секи унижает три группы людей: всех европейцев, всех, кто подражает европейцам, и богатых африканских фермеров, выращивающих какао. Однако это внезапное восстание было лишь первой искрой литературного театра Ганы.

Пьеса, имеющая сходство сатирической точки зрения, - « Анова» . Написанный ганским писателем Амой Ата Айдоо , он начинается с того, что одноименная героиня Анова отвергает предложения руки и сердца своих многочисленных женихов. Она настаивает на том, чтобы самостоятельно решать, за кого она выходит замуж. В пьесе подчеркивается необходимость гендерного равенства и уважения к женщинам. Этот идеал независимости, а также равенства ведет Anowa по извилистому пути счастья и несчастья. Анова выбирает себе мужчину, чтобы выйти замуж. Анова поддерживает своего мужа Кофи как физически, так и эмоционально. Благодаря ее поддержке Кофи преуспевает в богатстве, но становится бедным как духовное существо. Накопив богатство, Кофи теряет в нем себя. Его когда-то счастливый брак с Ановой меняется, когда он начинает нанимать рабов, а не выполнять какую-либо работу сам. Для Ановы это не имеет смысла, потому что это делает Кофи не лучше европейских колонистов, которых она ненавидит за то, как, по ее мнению, они использовали людей Африки. Их брак бездетный, что, как предполагается, было вызвано ритуалом, который Кофи совершил, променяв свое мужское достоинство на богатство. Наблюдение Ановой за заработанное рабом богатство и неспособность Кофи иметь ребенка приводит к ее самоубийству. Имя Anowa означает «Высшая моральная сила», в то время как имя Kofi означает только «Рожденный в пятницу». Это различие даже в основе их имен, кажется, подразумевает моральное превосходство женщин в обществе, управляемом мужчинами.

Еще одна значимая пьеса - «Женитьба Анансевы» , написанная в 1975 году Эфуа Сазерлендом . Вся пьеса основана на устной традиции акан, называемой анансем (народные сказки). Главный герой спектакля - Ананс (паук). Качества Анансе - одна из самых распространенных частей пьесы. Анансе хитер, эгоистичен, прекрасно разбирается в природе человека и животных, честолюбив, красноречив и изобретателен. Вкладывая слишком много себя во все, что он делает, Ананс разрушает все свои планы и становится бедным. Анансе используется в пьесе как некий обыватель. Он написан в преувеличенном смысле, чтобы форсировать процесс самоанализа. Анансе используется как способ зажечь разговор о переменах в обществе любого читающего. Пьеса повествует о том, как Ананс пытается выдать свою дочь Анансеву замуж за любого из избранных богатых вождей или другого богатого жениха одновременно, чтобы собрать деньги. В конце концов все женихи приходят к нему в дом сразу, и ему приходится использовать всю свою хитрость, чтобы разрядить обстановку. Рассказчик не только рассказывает, но и разыгрывает, реагирует и комментирует действие сказки. Наряду с этим используется Mbuguous, Mbuguous - это название очень специализированной секты ганской театральной техники, которая допускает участие публики. Самыми интересными в этой сказке являются песни, которые приукрашивают рассказ или комментируют его. Спонтанность в этой технике, а также импровизация используются достаточно, чтобы соответствовать любым стандартам современного театра.

Театр йоруба

В своем пионерском изучении йоруба театра, Joel Adedeji возводили происхождение от маскарада в Egungun ( «культ предка»). Традиционная церемония завершается самой сутью маскарада, когда считается, что предки возвращаются в мир живых, чтобы навестить своих потомков. Помимо своего ритуального происхождения, театр йоруба может быть «прослежен до« театрогенной »природы ряда божеств в пантеоне йоруба , таких как Обатала, арха божество, Огун, божество творчества, а также Железо и технологии. и Санго, божественность бури », чье почитание пронизано« драматизмом и театром, а также общей символической значимостью с точки зрения его относительной интерпретации ».

Aláàrìnjó театральная традиция возникла из Egungun маскарад в 16 - м веке. Aláàrìnjó был труппой путешествующих исполнителей, чьи замаскированные формы создавали атмосферу таинственности. Они создавали короткие сатирические сцены, в которых использовался ряд устоявшихся стереотипных персонажей. В их выступлениях использовались пантомима , музыка и акробатика . Традиция Аларинджо повлияла на популярный передвижной театр, который был наиболее распространенной и высокоразвитой формой театра в Нигерии с 1950-х по 1980-е годы. В 1990-х годах популярный передвижной театр перешел на телевидение и кино и теперь редко дает живые выступления.

«Тотальный театр» также развивался в Нигерии в 1950-х годах. В нем использовались ненатуралистические техники, сюрреалистические физические образы и гибкое использование языка. Драматурги середины 1970-х годов использовали некоторые из этих приемов, но сформулировали их с «радикальным пониманием проблем общества».

Традиционные представления сильно повлияли на главных фигур современного нигерийского театра. Творчество Хуберта Огунде (которого иногда называют «отцом современного йорубанского театра») основано на традиции Аларинджо и маскарадах Эгунгун. Воле Сойинка , который «общепризнан как величайший из ныне живущих драматургов Африки», придает божеству Огун сложное метафизическое значение в своем творчестве. В своем эссе «Четвертая стадия» (1973) Сойинка противопоставляет драму йоруба классической афинской драме , относясь к анализу последней немецким философом 19 века Фридрихом Ницше в «Рождении трагедии» (1872). Он утверждает, что Огун - это «совокупность дионисийских, аполлонических и прометеевских добродетелей».

Сторонниками передвижного театра в Нигерии являются Дуро Ладипо и Моисей Олайя (популярный комический акт). Эти практикующие внесли большой вклад в развитие африканского театра в период смешения и экспериментирования местного и западного театра.

Театр африканской диаспоры

Афро-американский театр

История афроамериканского театра имеет двоякое происхождение. Первый основан на местном театре, где афроамериканцы выступали в хижинах и парках. Их выступления (народные сказки, песни, музыка и танцы) уходят корнями в африканскую культуру, прежде чем на них повлияла американская среда. African Grove Theater был первым афроамериканским театром, основанным в 1821 году Уильямом Генри Брауном ISBN  0521465850

Азиатский театр

Индийский театр

Обзор индийского театра

Самой ранней формой индийского театра был санскритский театр . Он возник где-то между 15-м веком до нашей эры и 1-м веком и процветал между 1-м и 10-м веками, что было периодом относительного спокойствия в истории Индии, в течение которого были написаны сотни пьес. Ведические тексты, такие как Ригведа, содержат свидетельства того, что драматические пьесы разыгрываются во время церемоний Яджны . Диалоги, упомянутые в текстах, варьируются от монолога одного человека до диалога трех лиц, например, диалог между Индрой, Индрани и Вришакапи. Диалоги являются не только религиозными по своему контексту, но также и светскими, например, один ригведический монолог об игроке, чья жизнь разрушена из-за этого и который разлучил свою жену, и его родители также ненавидят его. Панини в V веке до нашей эры упоминает драматический текст Натасутра, написанный двумя индийскими драматургами Шилалиным и Кришашвой. Патанджали также упоминает названия утраченных пьес, таких как кемсавадха и Балибандха. Пещеры Ситабенга, датируемые III веком до нашей эры, и пещеры Кхандагири, датируемые II веком до нашей эры, являются самыми ранними образцами театральной архитектуры в Индии. С исламскими завоеваниями , начавшимися в 10-11 веках, театр не поощрялся или полностью запрещался. Позже, в попытке заново отстаивать ценности и идеи коренных народов, на всем субконтиненте поощрялся деревенский театр, развивающийся на большом количестве региональных языков с 15 по 19 века. Современный индийский театр развивался в течение периода колониального правления под Британской империи , с середины 19-го века до середины 20 - го.

Санскритский театр

Самые ранние из сохранившихся фрагментов санскритской драмы относятся к I веку. Обилие археологических свидетельств более ранних периодов не указывает на существование театральной традиции. Веды (самая ранняя индийская литература, от от 1500 до 600 г. до н.э.) не содержат ни намека на него; хотя небольшое количество гимнов составлены в форме диалога ), то ритуалы этих ведического периода , похоже , не превратились в театр. Mahābhāṣya по Патанджали содержит самые ранние ссылки на то , что , возможно, были семена санскритской драмы. Этот трактат по грамматике 140 г. до н.э. дает возможную дату возникновения театра в Индии .

Однако, хотя до этой даты не сохранились фрагменты какой-либо драмы, возможно, что ранняя буддийская литература является самым ранним свидетельством существования индийского театра. На Пали сутрах ( в пределах даты от 5 до 3 века до н.э.) относятся к существованию трупп актеров ( во главе с главным актером), проводивших драмы на сцене. Указывается, что эти драмы включали танец, но были указаны как отдельная форма представления, наряду с танцами, пением и декламацией рассказов. (Согласно более поздним буддийским текстам, король Бимбисара , современник Гаутамы Будды , поставил драму для другого короля. Это было бы еще в V веке до н. Э., Но это событие описано только в гораздо более поздних текстах, начиная с III по 4 век н.э.)

Основным источником свидетельств санскритского театра является «Трактат о театре» ( Nātyaśāstra ), сборник, дата составления которого неизвестна (оценки колеблются от 200 г. до н.э. до 200 г. н.э.) и авторство которого приписывается Бхарате Муни . Трактат самая полная работа драматургии в древнем мире. Он обращается к актерскому мастерству , танцам , музыке , драматическому строительству , архитектуре , костюму , макияжу , реквизиту , организации трупп, публике, конкурсам и предлагает мифологическое описание происхождения театра. Тем самым он дает представление о природе реальных театральных практик. Санскритский театр был показан на священной земле священниками, которые были обучены необходимым навыкам (танец, музыка и декламация) в [наследственном процессе]. Его цель заключалась в том, чтобы обучать и развлекать.

Под покровительством королевских дворов исполнители принадлежали к профессиональным труппам , которыми руководил постановщик сцены ( сутрадхара ), который, возможно, также выступал. Эта задача считалась аналогичной задаче кукловода - буквальное значение « сутрадхара » - «держатель ниток или нитей». Исполнители прошли строгую подготовку вокальной и физической техники. Не было никаких запретов на женщин-исполнителей; компании были мужскими, женскими и смешанными. Однако определенные чувства считались неприемлемыми для мужчин, и считались более подходящими для женщин. Некоторые исполнители играли персонажей своего возраста, в то время как другие играли персонажей, отличных от своего возраста (моложе или старше). Из всех элементов театра в « Трактате» наибольшее внимание уделяется актерскому мастерству ( абхиная ), который состоит из двух стилей: реалистического ( локадхарми ) и условного ( натйадхарми ), хотя основное внимание уделяется последнему.

Его драматизм считается высшим достижением санскритской литературы . В нем использовались стандартные персонажи , такие как герой ( найака ), героиня ( найика ) или клоун ( видусака ). Актеры могли специализироваться на определенном типе. Калидаса в I веке до нашей эры, возможно, считается величайшим санскритским драматургом древней Индии . Три известные романтические пьесы, написанные Калидасой, - это « Малавикагнимитрам» (« Малавика» и «Агнимитра» ), « Викрамуурвашиа» (« Относящийся к Викраме и Урваши» ) и « Абхиджнянашакунтала» ( «Признание Шакунталы» ). Последний был вдохновлен историей из Махабхараты и является самым известным. Это был первый перевод на английский и немецкий языки . Шакунтала (в английском переводе) оказал влияние на Фауста Гете (1808–1832).

Следующим великим индийским драматургом был Бхавабхути (ок. 7 в.). Говорят, что он написал следующие три пьесы: Малати-Мадхава , Махавирачарита и Уттар Рамачарита . Среди этих троих последние два охватывают весь эпос Рамаяны . Считается, что могущественный индийский император Харша (606–648) написал три пьесы: комедию « Ратнавали» , « Приядаршика» и буддийскую драму « Нагананда» .

Традиционный индийский театр

Катхакали

Катхакали - это сильно стилизованный классический индийский танец - драма, известная привлекательным макияжем персонажей, тщательно продуманными костюмами, детализированными жестами и четко определенными движениями тела, представленных в гармонии с якорной музыкой и дополнительной перкуссией. Он возник в нынешнем штате Керала в 17 веке и с годами развивался с улучшенным внешним видом, утонченными жестами и добавленными темами, помимо более изысканного пения и точной игры на барабанах.

Современный индийский театр

Рабиндранат Тагор был новаторским современным драматургом, написавшим пьесы, известные своим исследованием и оспариванием национализма, идентичности, спиритизма и материальной жадности. Его пьесы написаны на бенгали и включают Читра ( Читрангада , 1892), Король Темной палаты ( Раджа , 1910), Почтовое отделение ( Дакгар , 1913) и Красный Олеандр ( Рактакараби , 1924).

Китайский театр

Театр Шан

Есть упоминания о театральных развлечениях в Китае еще в 1500 году до нашей эры во времена династии Шан ; они часто включали музыку, клоунаду и акробатические представления.

Театр Хань и Тан

Во времена династии Хань театр теней впервые стал признанной формой театра в Китае. Существовали две различные формы теневого кукольного театра: южный кантонский и северный пекинесский. Эти два стиля различались способом изготовления кукол и расположением стержней на куклах, в отличие от типа игры, выполняемой куклами. Оба стиля обычно ставили пьесы, изображающие великие приключения и фэнтези, редко этот очень стилизованный театр использовался для политической пропаганды. Кантонские теневые марионетки были более крупными из двух. Они были сделаны из толстой кожи, которая создавала более сильные тени. Символический цвет также был очень распространен; Черное лицо олицетворяло честность, красное - храбрость. Стержни, используемые для управления кантонскими марионетками, прикреплялись перпендикулярно головам марионеток. Таким образом, при создании тени зрители не видели их. Марионетки-пекинесы были более нежными и меньшими по размеру. Они были созданы из тонкой полупрозрачной кожи, которую обычно снимают с живота осла. Они были написаны яркими красками, поэтому отбрасывали очень красочную тень. Тонкие стержни, которые контролировали их движения, были прикреплены к кожаному ошейнику на шее марионетки. Стержни проходили параллельно телам марионетки, а затем поворачивались под углом в девяносто градусов, чтобы соединиться с шеей. Хотя эти стержни были видны при отбрасывании тени, они лежали вне тени марионетки; таким образом, они не мешали внешнему виду фигуры. Стержни прикреплены к шее, чтобы облегчить использование нескольких головок на одном корпусе. Когда головы не использовались, их хранили в муслиновой книжке или ящике с тканевой подкладкой. Головы всегда снимали на ночь. Это соответствовало старому суеверию, согласно которому марионетки, если их не трогать, оживали ночью. Некоторые кукловоды зашли так далеко, что поместили головы в одну книгу, а тела в другую, чтобы еще больше уменьшить возможность реанимации кукол. Говорят, что теневое кукольное искусство достигло высшей точки художественного развития в 11 веке, прежде чем стало инструментом правительства.

Династию Тан иногда называют «веком развлечений». В это время император Сюаньцзун основал актерскую школу, известную как «Дети грушевого сада», чтобы создать форму драмы, которая была в первую очередь музыкальной.

Театр песни и юань

В династии Сун было много популярных пьес с участием акробатики и музыки . В династии Юань они развились в более сложную форму с четырех- или пятиактной структурой.

Юаньская драма распространилась по Китаю и приняла множество региональных форм, самая известная из которых - Пекинская опера, популярная до сих пор.

Индонезийский театр

Индонезийский театр стал важной частью местной культуры, театральные постановки в Индонезии развивались на протяжении сотен лет. Большинство старых театральных форм Индонезии напрямую связаны с местными литературными традициями (устными и письменными). Известные кукольные театры - ваянг-голек ( пьеса с деревянным стержнем и марионеткой) сунданцев и ваянг-кулит (кукольная игра с тенью) яванцев и балийцев - большую часть своего репертуара черпают из местных версий Рамаяны и Махабхараты . Эти сказки также являются исходным материалом для ваянг-вонга (человеческого театра) на Яве и Бали , в котором используются актеры. Ваянг вонг - это разновидность классического яванского танцевального театрального представления с темами, взятыми из эпизодов Рамаяны или Махабхараты . Барельефные панели храма Прамбанан IX века показывают эпизоды эпоса Рамаяна. Адаптация эпизодов Махабхараты была интегрирована в традицию яванской литературы с эпохи Кахурипана и Кедири, с известными примерами, такими как Арджунавиваха , составленная Мпу Канва в 11 веке. Храм Пенатаран на Восточной Яве изображает на своих барельефах темы из Рамаяны и Махабхараты. Ваянг вонг представлял собой спектакль в стиле ваянг кулит (театр теней Центральной Явы), в котором актеры и актрисы играли роли марионеток. Первое письменное упоминание об этой форме находится на каменной надписи Вималарама с Восточной Явы, датированной 930 годом нашей эры. В настоящее время жанр исполняется в маскированных и немаскированных вариациях на Центральной Яве , Бали и Чиребоне , а также на Суданском языке ( Западная Ява ).

Кхмерский театр

В Камбодже , в древней столице Ангкор-Ват , на стенах храмов и дворцов высечены истории из индийских эпосов Рамаяна и Махабхарата .

Тайский театр

В Таиланде со времен средневековья было традицией ставить пьесы по сюжетам из индийских эпосов. В частности, театральная версия национального эпоса Таиланда « Рамакиен» , версия индийской « Рамаяны» , остается популярной в Таиланде и сегодня.

Филиппинский театр

В течение 333-летнего правления испанского правительства они ввели на острова католическую религию и испанский образ жизни, которые постепенно слились с местной культурой, образуя «низменную народную культуру», которую теперь разделяют основные этнолингвистические группы. Сегодня драматические формы, представленные Испанией или под ее влиянием, продолжают жить в сельских районах по всему архипелагу. Эти формы включают комедью, пьесы, синакуло, сарсвела и драму. В последние годы некоторые из этих форм были обновлены, чтобы сделать их более приспособленными к условиям и потребностям развивающейся страны.

Японский театр

Но

В XIV веке в Японии существовали небольшие труппы актеров, которые исполняли короткие, иногда вульгарные комедии. У директора одной из этих компаний, Канами (1333–1384), был сын Дзэами Мотокиё (1363–1443), который считался одним из лучших детей-актеров в Японии. Когда труппа Канами выступала для Асикага Ёсимицу (1358–1408), японского сёгуна , он умолял Дзэами получить придворное образование для его искусства. После того, как Дзэами сменил своего отца, он продолжил выступать и адаптировать свой стиль к тому, что сегодня является Но . Смесь пантомимы и вокальной акробатики, этот стиль очаровывал японцев на протяжении сотен лет.

Бунраку

Япония после длительного периода гражданских войн и политических беспорядков была объединена и пребывала в мире, в первую очередь благодаря сёгуну Токугаве Иэясу (1543–1616). Однако, встревоженный возрастающим ростом христианства, он прекратил контакты Японии с Европой и Китаем и объявил христианство вне закона. Когда наступил мир, расцвет культурного влияния и рост торгового сословия потребовали собственных развлечений. Первой формой театра, которая процветала, была Нингё дзёрури (обычно называемая Бунраку ). Чикамацу Монзаэмон (1653–1725), основатель и главный участник Нингё дзёрури, превратил свой театр в настоящее искусство. Нингё дзёрури - это сильно стилизованная форма театра с куклами, которые сегодня составляют около 1/3 размера человека. Мужчины, которые управляют марионетками, тренируются всю свою жизнь, чтобы стать мастерами-кукловодами, когда они затем могут управлять головой и правой рукой марионетки и показывать свои лица во время представления. Другие кукловоды, управляющие менее важными конечностями марионетки, закрывают себя и свои лица черным костюмом, чтобы показать свою невидимость. Диалог ведется одним человеком, который использует разные тона голоса и манеры речи для имитации разных персонажей. За свою карьеру Чикамацу написал тысячи пьес, большинство из которых используются до сих пор. Вместо замысловатого макияжа они носили маски. Маски определяют пол, личность и настроение актера.

Кабуки

Кабуки возник вскоре после Бунраку, по легенде, актрисой по имени Окуни, которая жила примерно в конце 16 века. Большая часть материала Кабуки пришла от Но и Бунраку, и его беспорядочные танцевальные движения также являются следствием Бунраку. Однако Кабуки менее формален и более отдален, чем Но, но все же очень популярен среди японской публики. Актеров обучают разным вещам, включая танцы, пение, пантомиму и даже акробатику. Кабуки сначала исполняли молодые девушки, затем - мальчики, а к концу 16 века труппы Кабуки состояли только из мужчин. Мужчины, изображавшие женщин на сцене, были специально обучены раскрывать сущность женщины в своих тонких движениях и жестах.

Буто

Буто - собирательное название разнообразных видов деятельности, техник и мотивов для танца , выступления или движения, вдохновленных движением Анкоку-Буто (暗 黒舞 踏, ankoku butō ) . Обычно он включает в себя игривые и гротескные образы, табуированные темы, экстремальную или абсурдную среду и традиционно выполняется в макияже белого тела с медленными гипер-контролируемыми движениями, с аудиторией или без нее. Нет определенного стиля, и он может быть чисто концептуальным, без движения вообще. Его происхождение приписывают легендам японского танца Тацуми Хидзиката и Кадзуо Оно . Буто впервые появился в Японии после Второй мировой войны и особенно после студенческих беспорядков . Роли власти теперь подвергались сомнению и ниспровержению. Это также появилось как реакция на современную танцевальную сцену в Японии, которая, по мнению Хидзиката, была основана, с одной стороны, на подражании Западу, а с другой - на подражании Но . Он критиковал нынешнее состояние танца как чрезмерно поверхностное.

Турецкий театр

Первое упоминание о театральных постановках Османской империи связано с появлением там испанских евреев в конце пятнадцатого - шестнадцатого веков. Позже к этой сфере подключились и другие меньшинства, такие как рома, греки и армяне. Впоследствии турецкий аналог комедии дель арте - Орта оюну стал очень популярен во всей Империи.

Персидский театр

Средневековый исламский театр

Самыми популярными формами театра в средневековом исламском мире были кукольный театр (который включал кукольные куклы , пьесы теней и постановки марионеток ) и пьесы с живой страстью, известные как тазия , в которых актеры воспроизводят эпизоды из мусульманской истории . В частности, шиитское исламское играет вращалась вокруг шахидов (мученичество) от Али «s сыновья Хасан ибн Али и Хусайна ибн Али . Светские пьесы, известные как ахраджа, были записаны в средневековой адабской литературе, хотя они были менее распространены, чем кукольный театр и театр тазия .

Смотрите также

• Антитеатричность
• Кембриджская история британского театра
• История искусства
• История литературы
• Играть (театр)

Примечания

использованная литература

Источники

внешние ссылки

• Театральные коллекции музея Виктории и Альберта , с информационными и архивными материалами
• Бристольский университет театра Коллекция , Бристольский Университет
• Мюзик-холл и история театра - архив исторической информации и материалов о зданиях Британского театра и мюзик-холла.
• Многолетние спектакли (более 400 спектаклей) на Бродвее, Бродвее, Лондоне, Торонто, Мельбурне, Париже, Вене и Берлине.
• База данных APGRD (Архив представлений греческой и римской драмы) , Оксфордский университет, изд. Аманда Ригли
• История женского театра: онлайн-библиография и база данных с возможностью поиска в колледже Лангара