Музыка - Music

Из Википедии, бесплатной энциклопедии

Музыка
Франсуа Буше, Аллегория музыки, 1764, NGA 32680.jpg
Аллегория музыки , Франсуа Буше , 1764 г.
Середина звук , тишина, время
Типы жанры
Исходная культура разные
Начавшаяся эпоха Эпоха палеолита

Музыка - это искусство своевременной аранжировки звуков для создания композиции с использованием элементов мелодии, гармонии, ритма и тембра. Это один из универсальных культурных аспектов всех человеческих обществ. Общие определения музыки включают общие элементы, такие как высота звука (который управляет мелодией и гармонией ), ритм (и связанные с ним понятия темпа , метра и артикуляции ), динамику (громкость и мягкость), а также звуковые качества тембра и текстуры (которые являются иногда его называют «цветом» музыкального звука). Различные стили или типы музыки могут подчеркивать, преуменьшать или опускать некоторые из этих элементов. Музыка исполняется с использованием самых разных инструментов и вокальных техник, от пения до рэпа ; есть исключительно инструментальные пьесы , исключительно вокальные пьесы (например, песни без инструментального сопровождения ) и пьесы, сочетающие пение и инструменты. Слово происходит от греческого μουσική ( mousike ; «(искусство) муз »); см. § Этимология и глоссарий музыкальной терминологии .

В самом общем виде деятельность, описывающая музыку как вид искусства или культурную деятельность, включает создание музыкальных произведений ( песен , мелодий, симфоний и т. Д.), Критику музыки , изучение истории музыки и эстетическое исследование музыки . Древнегреческие и индийские философы определяли музыку в двух частях: мелодии, как тона, упорядоченные по горизонтали, и гармонии, как тоны, упорядоченные по вертикали. Распространенные высказывания, такие как « гармония сфер » и «это музыка для моих ушей», указывают на то, что музыку часто заказывают и ее приятно слушать. Однако композитор 20-го века Джон Кейдж считал, что любой звук может быть музыкой, говоря, например, «Нет шума , есть только звук».

Создание, исполнение, значение и даже определение музыки варьируются в зависимости от культуры и социального контекста. Действительно, на протяжении всей истории, некоторые новые формы и стили музыки подвергались критике как «не является музыка», в том числе Бетховена «s Grosse Fuge струнного квартета в 1825 году, в начале джаза в начале 1900 - х годов и хардкор - панка в 1980 - х годах. Есть много типов музыки, включая популярную музыку , традиционную музыку , музыку искусства , музыку, написанную для религиозных церемоний , и рабочие песни, такие как chanteys . Музыка варьируется от строго организованных композиций, такие как классическая музыка симфоний с 1700 - х годов и 1800 - х годов, через спонтанно играл импровизационной музыки , такие как джаз , и авангардные стили случайности на основе современной музыки с 20 - го и 21 - го веков.

Музыка может быть разделена на жанры (например, кантри ), а жанры могут быть дополнительно разделены на поджанры (например, альтернативная кантри и кантри-поп - два из множества поджанров кантри), хотя разделительные линии и отношения между музыкальными жанрами часто тонкие, иногда открыты для личной интерпретации, а иногда - спорны. Например, бывает трудно провести грань между хард-роком начала 80-х и хэви-металом . В рамках искусства музыку можно классифицировать как исполнительское искусство , изобразительное искусство или слуховое искусство. Музыку можно играть или петь и слышать вживую на рок-концерте или выступлении оркестра, слушать вживую как часть драматического произведения ( спектакль в музыкальном театре или опера), или ее можно записывать и слушать по радио, MP3-плееру, компакт-диску. плеер , смартфон или в качестве партитуры фильма или телешоу.

Во многих культурах, музыка является важной частью его образом жизни, так как она играет ключевую роль в религиозных ритуалах , обряд проход церемоний (например, выпускные и брак), общественная деятельность (например, танцы ) и культурные мероприятия , начиная от любительского караоке, игра в любительской фанк-группе или пение в общественном хоре . Люди могут заниматься музыкой в ​​качестве хобби, как подросток, играющий на виолончели в молодежном оркестре , или работать профессиональным музыкантом или певцом. Музыкальная индустрия включает в себя лиц , которые создают новые песни и музыкальные произведения (например, авторов песен и композиторов), люди , которые исполняют музыку (в том числе оркестр, джаз - оркестр и рок - группа музыкантов, певцов и дирижеров), лиц, запись музыки (музыкальные продюсеры и звукорежиссеры ), лица, организующие концертные туры, и лица, продающие клиентам записи, ноты и партитуры. Даже после того, как песня или произведение было исполнено, музыкальные критики , музыкальные журналисты и музыковеды могут оценить и оценить произведение и его исполнение.

Этимология

В греческой мифологии девять муз были источником вдохновения для многих творческих начинаний, включая искусство .

Слово музыка происходит от греческого Заработай ( mousike ; «(искусство) из муз »). В греческой мифологии девять муз были богинями, которые вдохновляли литературу, науку и искусство и были источником знаний, воплощенных в поэзии, песнях и мифах греческой культуры. Согласно Интернет-этимологическому словарю , термин «музыка» происходит от «mid-13c., Musike», от древнефранцузской музыки (12c.) И непосредственно от латинского musica «музыкальное искусство», включая поэзию (также [ ] источник испанского Музика , итальянский Musica , древневерхненемецкий mosica , немецкий Musik , голландский Muziek , датский Musik ) «. Это происходит от "... греческого mousike (techne) " (искусство) муз, от fem. Of mousikos "относящихся к музам", от Mousa "Muse" (см. Muse (сущ.)). правописание [датируется] 1630-ми годами. В классической Греции [термин «музыка» относится] к любому искусству, в котором руководили музы, но особенно к музыке и лирической поэзии ».

Искусство и развлечения

Жан-Габриэль Ферлан  [ фр ] выступает на концерте 2008 года в колледже-лицее Сен-Франсуа Ксавье

Музыка сочиняется и исполняется для многих целей: от эстетического удовольствия до религиозных или церемониальных целей или как развлекательный продукт для рынка. Когда музыка была доступна только в виде нот , как, например, в эпоху классической и романтической музыки, любители музыки покупали ноты своих любимых произведений и песен, чтобы исполнять их дома на фортепиано. С появлением фонографа записи популярных песен, а не ноты, стали доминирующим способом, с помощью которого любители музыки могли наслаждаться своими любимыми песнями. С появлением домашних магнитофонов в 1980-х годах и цифровой музыки в 1990-х любители музыки могли создавать кассеты или списки воспроизведения своих любимых песен и брать их с собой на портативный кассетный плеер или MP3-плеер. Некоторые меломаны создают миксы из своих любимых песен, которые служат «автопортретом, жестом дружбы, рецептом для идеальной вечеринки ... [и] средой, состоящей исключительно из того, что их горячо любит».

Музыканты-любители могут сочинять или исполнять музыку для собственного удовольствия и получать доход в другом месте. Профессиональные музыканты работают в различных учреждениях и организациях, включая вооруженные силы (в маршевых оркестрах , концертных ансамблях и популярных музыкальных группах), церкви и синагоги, симфонические оркестры, радиовещательные или кинопроизводственные компании и музыкальные школы . Профессиональные музыканты иногда работают в качестве фрилансеров или сессионных музыкантов , ища контракты и обязательства в самых разных условиях. Часто бывает много связей между музыкантами-любителями и профессиональными музыкантами. Начинающие музыканты-любители берут уроки у профессиональных музыкантов. В условиях общины продвинутые музыканты-любители выступают с профессиональными музыкантами в различных ансамблях, таких как общинные концертные группы и общинные оркестры.

Часто проводится различие между музыкой, исполняемой для живой публики, и музыкой, которая исполняется в студии, чтобы ее можно было записать и распространить через систему розничной продажи музыки или систему вещания. Однако есть также много случаев, когда живое выступление перед аудиторией также записывается и распространяется. Записи живых концертов популярны как в классической музыке, так и в таких популярных музыкальных формах, как рок, где незаконно записанные живые концерты ценятся меломанами. На сцене джем-бэнда живые импровизированные джем-сейшны предпочтительнее студийных записей.

Состав

Люди сочиняют музыку в 2013 году с помощью электронных клавишных и компьютеров.
Французский композитор эпохи барокко Мишель Ришар Делаланд (1657–1726) с пером в руке.

«Композиция» - это действие или практика создания песни, инструментальной музыкальной пьесы, произведения с пением и инструментами или другого типа музыки. Во многих культурах, включая западную классическую музыку, акт сочинения также включает создание нотной записи , такой как «партитура» из нот , которые затем исполняются композитором или другими певцами или музыкантами. В популярной и традиционной музыке процесс сочинения, который обычно называется написанием песен, может включать создание основного плана песни, называемого ведущим листом , в котором излагаются мелодия , текст и последовательность аккордов . В классической музыке композитор обычно оркестрирует свои собственные композиции, но в музыкальном театре и в поп-музыке авторы песен могут нанять аранжировщика для оркестровки. В некоторых случаях автор песен может вообще не использовать нотацию и вместо этого сочинять песню в уме, а затем воспроизводить или записывать ее по памяти. В джазе и популярной музыке заметным записям влиятельных исполнителей придается тот вес, который играют партитуры в классической музыке.

Даже когда музыка записана относительно точно, как в классической музыке, исполнитель должен принять множество решений, потому что нотная запись не определяет точно все элементы музыки. Процесс принятия решения о том, как исполнять музыку, которая была ранее сочинена и записана, называется «интерпретацией». Интерпретации одного и того же музыкального произведения разными исполнителями могут широко варьироваться в зависимости от выбранного темпа, стиля игры, пения или фразировки мелодий. Композиторы и авторы песен, которые представляют свою собственную музыку, интерпретируют свои песни так же, как и те, кто исполняет музыку других. Стандартный набор вариантов и техник, присутствующих в данное время и в данном месте, называется исполнительской практикой , тогда как интерпретация обычно используется для обозначения индивидуального выбора исполнителя.

Хотя музыкальная композиция часто использует нотную запись и имеет одного автора, это не всегда так. Музыкальное произведение может иметь несколько композиторов, что часто встречается в популярной музыке, когда группа сотрудничает для написания песни, или в музыкальном театре, когда один человек пишет мелодии, второй пишет текст, а третий оркестрирует песни. . В некоторых стилях музыки, таких как блюз , композитор / автор песен может создавать, исполнять и записывать новые песни или произведения, даже не записывая их в нотной записи. Музыкальное произведение также может состоять из слов, изображений или компьютерных программ, которые объясняют или отмечают, как певец или музыкант должен создавать музыкальные звуки. Примеры варьируются от авангардной музыки, в которой используются графические обозначения , до текстовых композиций, таких как Aus den sieben Tagen , до компьютерных программ, которые выбирают звуки для музыкальных произведений. Музыка, в которой широко используется случайность и случайность, называется алеаторической музыкой и ассоциируется с современными композиторами, работавшими в 20-м веке, такими как Джон Кейдж , Мортон Фельдман и Витольд Лютославский . Более широко известный пример музыки, основанной на случайности, - это звенящие на ветру колокольчики .

В изучении композиции традиционно преобладали исследования методов и практики западной классической музыки, но определение композиции достаточно широко, чтобы включать создание популярной музыки и традиционных музыкальных песен и инструментальных произведений, а также спонтанно импровизированных произведений, подобных произведениям исполнители свободного джаза и африканские перкуссионисты, такие как барабанщики Ewe .

Обозначение

Ноты - это письменное представление музыки. Гоморитмическая (т.
Е. В стиле гимна ) аранжировка традиционной " Adeste Fideles " в стандартном двухстаточном формате для смешанных голосов.

В 2000-х годах нотная запись обычно означает письменное выражение музыкальных нот и ритмов на бумаге с использованием символов. Когда музыка записывается, записываются высота и ритм музыки, например ноты мелодии . Нотные записи также часто содержат инструкции о том, как исполнять музыку. Например, в нотах к песне может быть указано, что песня является «медленным блюзом» или «быстрым свингом», что указывает на темп и жанр. Чтобы читать нотную запись, человек должен понимать теорию музыки , гармонию и практику исполнения, связанную с определенной песней или жанром пьесы.

Письменная нотация зависит от стиля и периода музыки. В 2000-х нотная музыка выпускалась в виде нот или, для людей, владеющих компьютерными программами партитуры , в виде изображения на экране компьютера . В древности нотные записи наносили на каменные или глиняные таблички. Чтобы исполнять музыку по нотам, певцу или инструменталисту требуется понимание элементов ритма и высоты тона, воплощенных в символах, и практики исполнения, связанной с музыкальным произведением или жанром. В жанрах, требующих музыкальной импровизации , исполнитель часто играет музыку, в которой записаны только аккорды и форма песни, что требует от исполнителя глубокого понимания структуры музыки, гармонии и стилей определенного жанра (например, джаз или кантри ).

В западной художественной музыке наиболее распространенными типами письменных обозначений являются партитуры, которые включают все музыкальные части ансамблевого произведения, и части, которые представляют собой нотные записи для отдельных исполнителей или певцов. В популярной музыке, джазе и блюзе стандартной нотной записью является ведущий лист , на котором записаны мелодия, аккорды, слова (если это вокальное произведение) и структура музыки. Поддельные книги также используются в джазе; они могут состоять из свинцовых листов или просто таблиц аккордов, которые позволяют членам ритм-секции импровизировать партию аккомпанемента к джазовым песням. Партитуры и партии также используются в популярной музыке и джазе, особенно в больших ансамблях, таких как джазовые « биг-бэнды ». В популярной музыке гитаристы и электробасисты часто читают музыку, записанную в табулатуре (часто сокращенно « табулатура »), которая указывает расположение нот, которые должны быть сыграны на инструменте, с помощью диаграммы гитары или бас-гитары. Табулатура также использовалась в эпоху барокко для записи музыки для лютни , струнного, ладного инструмента.

Импровизация

Импровизация играет центральную роль в джазе; музыканты изучают прогрессии, используя гаммы и аккорды (на фото Джонни Ходжес )

Музыкальная импровизация - это создание спонтанной музыки, часто в рамках (или на основе) уже существующей гармонической структуры или последовательности аккордов . Импровизаторы используют ноты аккорда, различные гаммы, связанные с каждым аккордом, а также хроматические орнаменты и проходящие тона, которые не могут быть ни тонами аккорда, ни типичными гаммами, связанными с аккордом. Музыкальная импровизация может быть сделана как с подготовкой, так и без нее. Импровизация - это основная часть некоторых видов музыки, таких как блюз , джаз и джаз-фьюжн , в которых исполнители-исполнители импровизируют соло, мелодические линии и партии аккомпанемента.

В западной музыкальной традиции импровизация была важным навыком в эпоху барокко и классицизма. В эпоху барокко исполнители импровизировали орнаменты, а клавишники бассо континуо импровизировали аккордовое звучание, основанное на фигурной басовой нотации. Также ожидалось, что лучшие солисты смогут импровизировать, например, прелюдии . В эпоху классики сольные исполнители и певцы виртуозно импровизировали каденции во время концертов.

Однако в 20-м и начале 21-го века, когда "обычная практика" западного музыкального исполнения стала узаконенной в симфонических оркестрах, оперных театрах и балетах, импровизация играла меньшую роль, поскольку все больше и больше музыки записывалось в партитуры и партии для музыкантов. играть. В то же время некоторые композиторы художественной музыки 20-го и 21-го веков все чаще включают импровизацию в свое творчество. В индийской классической музыке импровизация является основным компонентом и важным критерием исполнения.

Теория

Теория музыки охватывает природу и механику музыки. Он часто включает в себя выявление закономерностей, которые определяют методы композиторов, а также изучение языка и нотной записи музыки. В широком смысле теория музыки выделяет и анализирует параметры или элементы музыки - ритм, гармонию ( гармоническая функция ), мелодию , структуру, форму и текстуру . В широком смысле теория музыки может включать в себя любое утверждение, убеждение или концепцию музыки или о музыке. Люди, изучающие эти свойства, известны как теоретики музыки и обычно работают профессорами в колледжах, университетах и ​​консерваториях. Некоторые применяли акустику , физиологию человека и психологию для объяснения того, как и почему воспринимается музыка . Теоретики музыки публикуют свои исследования в журналах по теории музыки и университетских изданиях.

Элементы

Музыка имеет много разных основ или элементов. В зависимости от используемого определения «элемента» они могут включать: высоту звука, ритм или пульс, темп, ритм, мелодию, гармонию, текстуру, стиль, распределение голосов, тембр или цвет, динамику, экспрессию, артикуляцию, форму и структуру. . Элементы музыки занимают видное место в музыкальных программах Австралии, Великобритании и США. Все три учебные программы определяют высоту звука, динамику, тембр и текстуру как элементы, но другие идентифицированные элементы музыки далеки от универсального согласия. Ниже приводится список трех официальных версий «элементов музыки»:

  • Австралия: высота звука, тембр, текстура, динамика и экспрессия, ритм, форма и структура.
  • Великобритания: высота, тембр, текстура, динамика, длительность, темп, структура.
  • США: высота, тембр, фактура, динамика, ритм, форма, гармония, стиль / артикуляция.

Что касается учебной программы Великобритании, то в 2013 году к их списку элементов был добавлен термин «соответствующие нотные записи », а название списка было изменено с «элементы музыки» на «взаимосвязанные измерения музыки». Взаимосвязанные измерения музыки перечислены как: высота звука, продолжительность, динамика, темп, тембр, текстура, структура и соответствующие музыкальные обозначения.

Фраза «элементы музыки» используется в разных контекстах. Два наиболее распространенных контекста можно различить, описав их как «элементарные элементы музыки» и «элементы восприятия музыки».

Рудиментарный

В 1800-х годах фразы «элементы музыки» и «зачатки музыки» использовались как синонимы. Элементы, описанные в этих документах, относятся к аспектам музыки, которые необходимы для того, чтобы стать музыкантом. Недавние писатели, такие как Эспи Эстрелла, похоже, используют фразу «элементы музыки» аналогичным образом. Определение, которое наиболее точно отражает это употребление: «рудиментарные принципы искусства, науки и т. Д.: Элементы грамматики». Переход британской учебной программы к «взаимосвязанным измерениям музыки» кажется возвращением к использованию элементарных элементов музыки.

Перцептивный

С момента появления исследований психоакустики в 1930-х годах большинство списков элементов музыки больше относились к тому, как мы слышим музыку, чем к тому, как мы учимся играть на ней или изучаем ее. CE Seashore в своей книге « Психология музыки» выделил четыре «психологических атрибута звука». Это были: «высота, громкость, время и тембр» (стр. 3). Он не называл их «элементами музыки», но называл их «элементарными составляющими» (стр. 2). Тем не менее, эти элементарные компоненты точно связаны с четырьмя наиболее распространенными музыкальными элементами: «Высота» и «тембр» точно соответствуют, «громкость» связана с динамикой, а «время» - с основанными на времени элементами ритма, продолжительности и темпа. Такое использование фразы «элементы музыки» более тесно связано с определением элемента в Словаре нового 20-го века Вебстера как «вещество, которое не может быть разделено на более простую форму известными методами», и списки элементов образовательных учреждений обычно совпадают. с этим определением.

Хотя составители списков «элементарных элементов музыки» могут изменять свои списки в зависимости от своих личных (или институциональных) приоритетов, элементы восприятия музыки должны состоять из установленного (или проверенного) списка дискретных элементов, которыми можно независимо управлять для достижения предполагаемый музыкальный эффект. На данном этапе кажется, что в этой области еще предстоит провести исследования.

Несколько иной подход к идентификации элементов музыки состоит в том, чтобы определить «элементы звука » как: высоту , продолжительность , громкость , тембр , звуковую текстуру и пространственное расположение , а затем определить «элементы музыки» как : звук, структура и художественный замысел.

Описания

Высота и мелодия

Высота звука - это аспект звука, который мы можем слышать, отражая, является ли один музыкальный звук, нота или тон «выше» или «ниже», чем другой музыкальный звук, нота или тон. Мы можем говорить о высоком или низком уровне звука в более общем смысле, например, о том, как слушатель слышит пронзительно высокую ноту пикколо или свистящий тон, более высокий по высоте, чем глубокий удар большого барабана . Мы также говорим о высоте звука в точном смысле, связанном с музыкальными мелодиями , линиями баса и аккордами . Точную высоту звука можно определить только в звуках, частота которых достаточно четкая и стабильная, чтобы их можно было отличить от шума. Например, слушателям намного легче различить высоту звука отдельной ноты, сыгранной на фортепиано, чем пытаться различить высоту ударной тарелки .

Мелодия к традиционной песне " Pop Goes the Weasel ".

Мелодии (также называемый «мелодия») представляет собой серию шагов (ноты) , звучащих последовательно (один за другим), часто в рост и падение рисунка. Ноты мелодии обычно создаются с использованием систем высоты тона, таких как гаммы или режимы . Мелодии также часто содержат ноты из аккордов, используемых в песне. Мелодии в простых народных песнях и традиционных песнях могут использовать только ноты одной гаммы, гаммы, связанной с тонической нотой или тональностью данной песни. Например, народная песня в тональности C (также называемая C-мажор) может иметь мелодию, в которой используются только ноты до-мажорной гаммы (отдельные ноты C, D, E, F, G, A, B и C; это « белые ноты » на клавиатуре фортепиано. С другой стороны, в джазе бибоп- эра 1940-х и современной музыке 20-го и 21-го веков могут использоваться мелодии с множеством хроматических нот (т. е. ноты в дополнение к ноты основной гаммы; на фортепиано хроматическая гамма будет включать все ноты на клавиатуре, включая «белые ноты» и «черные ноты», а также необычные гаммы, такие как вся шкала тонов (целая шкала тонов в тональность C будет содержать ноты C, D, E, F , G и A ). Низкая, глубокая музыкальная линия, воспроизводимая басовыми инструментами, такими как контрабас, электробас или туба , называется басовой линией .

Гармония и аккорды

Когда музыканты играют одновременно три или более разных нот , это создает аккорд . В западной музыке , включая классическую музыку, поп-музыку, рок и многие родственные стили, наиболее распространенными аккордами являются трезвучия - три ноты, обычно играемые одновременно. Наиболее часто используемые аккорды - это мажорный и минорный аккорд . Примером мажорного аккорда являются три высоты звука C, E и G. Примером минорного аккорда являются три высоты звука A, C и E. (На фото гитарист исполняет аккорд на гитаре).

Гармония относится к «вертикальным» звукам высот в музыке, что означает высшие звуки, которые воспроизводятся или поются одновременно для создания аккорда . Обычно это означает, что ноты воспроизводятся одновременно, хотя гармония также может подразумеваться мелодией, которая очерчивает гармоническую структуру (т. Е. С использованием мелодических нот, которые воспроизводятся одна за другой, выделяя ноты аккорда). В музыке, написанной с использованием системы тональности мажор-минор («ключи»), которая включает в себя большую часть классической музыки, написанной с 1600 по 1900 год, а также большую часть западной поп, рок и традиционной музыки, тональность пьесы определяет используемый масштаб, который сосредоточен вокруг «домашняя нота» или тоник ключа. Простые классические пьесы и множество популярных и традиционных музыкальных композиций написаны таким образом, чтобы вся музыка была в одном ключе. Более сложные песни и пьесы классической, популярной и традиционной музыки могут иметь две клавиши (а в некоторых случаях три или более клавиш). Классическая музыка эпохи романтизма (написанная примерно с 1820 по 1900 годы) часто содержит несколько тональностей, как и джаз , особенно джаз бибопа 1940-х годов, в котором тональность или «домашняя нота» песни может меняться каждые четыре такта или даже каждый два бара.

Ритм

Ритм - это расположение звуков и тишины во времени. Измеритель анимирует время в регулярных группах импульсов, называемых тактами или полосами , которые в западной классической, популярной и традиционной музыке часто группируют ноты в наборах по два (например, 2/4 времени), три (например, 3/4 времени, также известное как Время вальса , или время 3/8), или четыре (например, время 4/4). Метры стали легче слышать, потому что песни и пьесы часто (но не всегда) делают акцент на первой доле каждой группы. Существуют заметные исключения, такие как бэкбит, используемый в большинстве западных поп и рок, в которых песня, в которой используется такт, состоящий из четырех долей (так называемое время 4/4 или обычное время ), будет иметь акценты на второй и четвертой доле, которые являются обычно исполняется барабанщиком на малом барабане , громком и отчетливо звучащем ударном инструменте. В поп- и рок-музыке ритм-части песни исполняются ритм-секцией , которая включает в себя инструменты для игры на аккордах (например, электрогитара, акустическая гитара, фортепиано или другие клавишные инструменты), басовый инструмент (обычно электрический бас или музыкальный инструмент). некоторые стили, такие как джаз и блюграсс , контрабас) и барабанщик.

Текстура

Музыкальная текстура - это общее звучание музыкального произведения или песни. Фактура пьесы или песни определяется тем, как мелодические, ритмические и гармонические материалы сочетаются в композиции, тем самым определяя общий характер звука в пьесе. Текстура часто описывается в отношении плотности, или толщины, и диапазона, или ширины, между самой низкой и самой высокой тональностями, в относительных единицах, а также более конкретно различается в соответствии с количеством голосов или частей и соотношением между этими голосами. (см. общие типы ниже). Например, толстая текстура содержит множество «слоев» инструментов. Один из этих слоев может быть секцией струны или другой латуни. На толщину также влияет количество и богатство инструментов. Текстура обычно описывается в соответствии с количеством частей или строк музыки и соотношением между ними :

Музыка, содержащая большое количество независимых частей (например, двойной концерт в сопровождении 100 оркестровых инструментов с множеством переплетающихся мелодических линий), как правило, имеет «более толстую» или «более плотную» текстуру, чем произведение с несколькими частями (например, сольная мелодия флейты в сопровождении одиночной виолончели).

Тембр или «цвет тона»

Тембр , иногда называемый «цветом» или «цветом тона», - это качество или звук голоса или инструмента. Тембр - это то, что отличает один музыкальный звук от другого, даже если они имеют одинаковую высоту и громкость. Например, нота A с частотой 440 Гц звучит иначе, когда ее играют на гобое , фортепиано, скрипке или электрогитаре. Даже если разные исполнители одного и того же инструмента играют одну и ту же ноту, их ноты могут звучать по-разному из-за различий в инструментальной технике (например, разные амбушюры ), разных типов аксессуаров (например, мундштуков для медных духовых инструментов, тростей для гобоев и фаготистов) или струны, сделанные из различных материалов для струнных исполнителей (например, струны из живота или стальные струны ). Даже два инструменталиста, играющие одну и ту же ноту на одном и том же инструменте (один за другим), могут звучать по-разному из-за разных способов игры на инструменте (например, два струнных исполнителя могут по-разному держать смычок).

Физические характеристики звука, определяющие восприятие тембра, включают спектр , огибающую и обертоны ноты или музыкального звука. Для электрических инструментов, разработанных в 20-м веке, таких как электрогитара, бас-гитара и электрическое пианино , исполнитель также может изменять тон, регулируя регуляторы эквалайзера, регуляторы тембра на инструменте и используя электронные блоки эффектов, такие как педали искажения . Тон электрического Hammond органа регулируется путем регулировки тяг .

Выражение

Певцы добавляют выразительности мелодиям, которые они поют, используя множество методов, включая изменение тона своего пения, добавление вибрато к определенным нотам и выделение важных слов в текстах песен.

Выразительные качества - это те элементы в музыке, которые вызывают изменения в музыке без изменения основных высот или существенного изменения ритмов мелодии и ее сопровождения. Исполнители, в том числе певцы и инструменталисты, могут добавлять музыкальное выражение к песне или пьесе, добавляя фразировку , добавляя такие эффекты, как вибрато (с голосом и некоторыми инструментами, такими как гитара, скрипка, медные и деревянные духовые инструменты), динамику (громкость или мягкость пьесы или ее части), колебания темпа (например, ритардандо или акселерандо , которые соответственно замедляют и ускоряют темп), путем добавления пауз или фермат в каденцию , а также путем изменения артикуляции нот ( например, делая ноты более выраженными или акцентированными, делая ноты более легато , что означает плавное соединение, или делая ноты короче).

Выражение достигается за счет изменения высоты звука (например, интонация, вибрато, слайды и т. Д.), Громкости (динамика, акцент, тремоло и т. Д.), Длительности (колебания темпа, ритмические изменения, изменение длительности нот, например, с легато и стаккато и т. Д.) .), тембра (например, изменение тембра голоса с легкого на резонансный) и иногда даже текстуры (например, удвоение басовой ноты для более богатого эффекта в фортепианной пьесе). Таким образом, выражение можно рассматривать как манипулирование всеми элементами с целью передать «указание на настроение, дух, характер и т. Д.» и как таковой не может быть включен в качестве уникального элемента восприятия музыки, хотя его можно рассматривать как важный элементарный элемент музыки.

Форма

Ноты обозначения для хора (припев) рождественской песни « Jingle Bells »

В музыке форма описывает общую структуру или план песни или музыкального произведения, а также расположение композиции, разделенной на разделы. В начале 20-го века песни Tin Pan Alley и бродвейские музыкальные песни часто были в форме 32 такта AABA , в которой секции A повторяли одну и ту же мелодию из восьми тактов (с вариациями), а секция B обеспечивала контрастную мелодию или гармонию для восьми тактов. . С 1960 - х годов, западные поп и рок - песни , часто в форме куплет-припев , который базируется вокруг последовательности стихов и хора ( «припев») секций, с новыми текстами для большинства стихов и повторяющимися тексты для хоров. В популярной музыке часто используются строфические формы , иногда в сочетании с двенадцатитактовым блюзом .

В десятом издании The Oxford Companion для музыки , Percy Скоулз определяет музыкальную форму , как «ряд стратегий , разработанных , чтобы найти успешное среднее между противоположными крайностями невыносимого повторения и невыносимого изменения.» Примеры распространенных форм западной музыки включают фугу , изобретение , сонату-аллегро , канон , строфику , тему с вариациями и рондо .

Скоулз утверждает, что европейская классическая музыка имела только шесть самостоятельных форм: простая двоичная, простая тройная, сложная двоичная, рондо, воздух с вариациями и фуга (хотя музыковед Альфред Манн подчеркивал, что фуга - это прежде всего метод композиции, который иногда принимается по определенным структурным соглашениям.)

Если произведение не может быть легко разбито на отдельные части (хотя оно может заимствовать некоторую форму из стихотворения, рассказа или программы ), оно называется сквозным . Так часто бывает с фантазией , прелюдией , рапсодией , этюдом (или этюдом ), симфонической поэмой , Багатель , экспромтом и т. Д. Профессор Чарльз Кейл классифицировал формы и формальные детали как «частные, развивающие или вариативные».

Форма в разрезе
Эта форма построена из последовательности четко очерченных частей, которые могут обозначаться буквами, но также часто имеют общие названия, такие как введение и код , экспозиция, развитие и перепросмотр , куплет, припев или припев и мост . Введения и коды, если они не более того, часто исключаются из формального анализа. Все такие единицы обычно могут иметь длину восемь тактов. К секционным формам относятся:
Строфическая форма
Эта форма определяется ее «беспрепятственным повторением» (AAAA ...)
Medley
Медли , попурри - это полная противоположность «беспредельной вариации»: это просто неопределенная последовательность отдельных частей (ABCD ...), иногда с повторами (AABBCCDD ...). Примеры включают оркестровые увертюры , которые иногда не более чем вереница лучших мелодий грядущего музыкального театра или оперы.
Двоичная форма в мажорной и минорной тональности. Каждый раздел должен состоять как минимум из трех фраз.
Двоичная форма
В этой форме используются две части (AB ...), каждая из которых часто повторяется (AABB ...). В западной классической музыке 18-го века для танцев часто использовалась "простая двоичная" форма, и с ней было принято соглашение о том, что эти две части должны быть в разных музыкальных тональностях, но иметь одинаковый ритм, продолжительность и тон. Чередование двух мелодий дает достаточно разнообразия, чтобы танец длился сколько угодно долго.
Троичная форма
Эта форма состоит из трех частей. В западной классической музыке у простой тройной формы есть третья часть, которая является повторением первой (ABA). Часто повторяется первый раздел (AABA). Этот подход был популярен в оперной арии 18 века и назывался формой да капо (т. Е. «Повторение сверху»). Позже это дало начало 32-тактовой песне , а секция B тогда часто называлась « средней восьмеркой ». Песня нуждается больше, чем танец самодостаточной формы с началом и, конечно же, концом.
Форма рондо
Эта форма имеет повторяющуюся тему, чередующуюся с различными (обычно контрастирующими) разделами, называемыми «эпизодами». Он может быть асимметричным (ABACADAEA) или симметричным (ABACABA). Повторяющийся раздел, особенно основная тема, иногда бывает более разнообразным, или же один эпизод может быть его «развитием». Похожая аранжировка - форма риторнели барочного концерта гроссо . Форма арки (ABCBA) напоминает симметричное рондо без промежуточных повторений основной темы. Обычно используется в раунде.
Вариационная форма
Тема и вариации : тема , которая сама по себе может иметь любую более короткую форму (двоичную, тройную и т. Д.), Образует единственный «раздел» и повторяется бесконечно (как в строфической форме), но меняется каждый раз (A, B , A, F, Z, A), чтобы получилась своего рода секционная цепная форма. Важным вариантом этого, который часто использовался в британской музыке 17-го века, а также в Пассакальи и Чаконе , был вариант основного баса - повторяющаяся басовая тема или бассо остинато, вокруг которого разворачивается остальная часть структуры, часто, но не всегда, прядя полифонические или контрапункциональные нити, или импровизируя деления и десканты . По словам Скоулза (1977), это форма преимущественно сольной инструментальной музыки без аккомпанемента или аккомпанемента. Рондо часто встречается с секциями варьировались (AA 1 В 2 СА 3 В 4 ) или (АВА 1 СА 2 В 1 А).
Форма развития
Формы развития строятся непосредственно из более мелких единиц, таких как мотивы . Хорошо известное классическое произведение с мотивом - это пятая симфония Бетховена , которая начинается с трех коротких повторяющихся нот, а затем - с длинной ноты. В классических произведениях, основанных на мотивах, мотив обычно комбинируется, варьируется и прорабатывается по-разному, возможно, имеющий симметричную или арочную основу и прогрессивное развитие от начала до конца. Безусловно, наиболее важной формой развития западной классической музыки является сонатная форма .
Эта форма, также известная как форма первого движения, составная бинарная или тройная форма, развилась из бинарно сформированного танцевального движения, описанного выше, но почти всегда отливается в большей тройной форме, имеющей номинальные подразделения изложения , развития и повторения . Обычно, но не всегда, части «А» (экспозиция и повторение, соответственно) могут быть подразделены на две или три темы или тематические группы, которые разделяются и объединяются, чтобы сформировать часть «Б» (развитие) - таким образом, например, например, (AabB [разработчик a или b] A 1 ab 1 + код). Эта форма развития обычно ограничивается определенными частями пьесы, например, средней частью первой части сонаты, хотя композиторы XIX века, такие как Берлиоз , Лист и Вагнер, прилагали отважные усилия для создания крупномасштабных произведений чисто или главным образом. из мотива.

Анализ стилей

Funk делает основной упор на ритм и грув , а целые песни строятся вокруг вампира на одном аккорде. На фото: влиятельные фанк-музыканты Джордж Клинтон и Parliament-Funkadelic в 2006 году.

Некоторые стили музыки делают акцент на определенных из этих основ, в то время как другие уделяют меньше внимания определенным элементам. Приведу один пример: в то время как бибоп- эра джаз использует очень сложные аккорды, включая измененные доминанты и сложные последовательности аккордов , причем аккорды меняются два или более раз за такт, а клавиши меняются несколько раз в мелодии, фанк уделяет основное внимание ритм и грув , целые песни построены вокруг вампира на одном аккорде. В то время как в классической музыке романтической эпохи с середины до конца 1800-х годов широко используются драматические изменения динамики, от шепчущих частей пианиссимо до громовых фрагментов фортиссимо, некоторые целые танцевальные сюиты в стиле барокко для клавесина начала 1700-х годов могут использовать одну динамику. Другой пример: в то время как некоторые произведения искусства , такие как симфонии , очень длинные, некоторые поп-песни длятся всего несколько минут.

История

Предыстория

Костяная флейта возрастом более 41 000 лет.

О доисторической музыке можно строить предположения только на основании результатов археологических раскопок эпохи палеолита . Часто обнаруживаются флейты , вырезанные из костей с проделанными боковыми отверстиями; Считается, что они были сдуты с одного конца, как японская сякухати . Флейта из дивье бабе , вырезанные из пещеры медведя бедренной кости , как полагают, по крайней мере 40000 лет. Такие инструменты, как флейта с семью отверстиями и различные типы струнных инструментов , такие как Ravanahatha , были обнаружены на археологических раскопках цивилизации долины Инда . В Индии одна из старейших музыкальных традиций в мире - ссылки на индийскую классическую музыку ( марга ) можно найти в Ведах , древних писаниях индуистской традиции. Самая ранняя и самая большая коллекция доисторических музыкальных инструментов была обнаружена в Китае и датируется периодом между 7000 и 6600 годами до нашей эры. « Хурритский гимн Никкалу », найденный на глиняных табличках примерно 1400 г. до н.э., является старейшим сохранившимся нотным произведением.

Древний Египет

Музыканты Амона , Могила Нахта , 18-я династия , Западные Фивы

Древние египтяне приписывали изобретение музыки одному из своих богов, Тоту , а Осирис, в свою очередь, использовал его как часть его усилий по цивилизации мира. Самые ранние материальные и репрезентативные свидетельства египетских музыкальных инструментов относятся к додинастическому периоду , но доказательства более надежно засвидетельствованы в Древнем царстве, когда играли на арфах , флейтах и двойных кларнетах . Ударные инструменты, лиры и лютни были добавлены к оркестрам Средним царством . Тарелки часто сопровождали музыку и танец, как и в наши дни в Египте . Египетская народная музыка , включая традиционные суфийские ритуалы зикра , является наиболее близким жанром современной музыки к древнеегипетской музыке, сохранив многие ее особенности, ритмы и инструменты.

Азиатские культуры

Индийские женщины, одетые в региональную одежду, играют на различных музыкальных инструментах, популярных в разных частях Индии.
Гангубай Хангал
Дурга

Азиатская музыка охватывает широкий спектр музыкальных культур, исследованных в статьях об Аравии , Центральной Азии , Восточной Азии , Южной Азии и Юго-Восточной Азии . У некоторых есть традиции, уходящие в глубину веков.

Индийская классическая музыка - одна из старейших музыкальных традиций в мире. Цивилизации долины Инда есть скульптуры , которые показывают танец и старые музыкальные инструменты, как семь перфорированной флейта. Различные типы струнных инструментов и барабанов были обнаружены в Хараппе и Мохенджо-Даро в результате раскопок, проведенных сэром Мортимером Уилером . Ригведа есть элементы настоящего индийской музыки, с музыкальной нотацией для обозначения счетчика и режима пения. Индийская классическая музыка (марга) является монофонической и основана на одной мелодической линии или раге, ритмически организованной через талас . Silappadhikaram по Иланго Адигал предоставляет информацию о том , как новые масштабы могут быть образованы путем модального смещения тоники от существующего масштаба. Современная музыка хинди находится под влиянием персидской традиционной музыки и афганских Великих Моголов. Карнатическая музыка , популярная в южных штатах, в основном носит религиозный характер; большинство песен обращены к индуистским божествам. Также есть много песен, посвященных любви и другим социальным вопросам.

Китайская классическая музыка , традиционное искусство или придворная музыка Китая, имеет историю, насчитывающую около трех тысяч лет. Он имеет свои собственные уникальные системы нотной записи, а также музыкальный строй и высоту звука, музыкальные инструменты и стили или музыкальные жанры. Китайская музыка - пентатонико-диатоническая, имеющая шкалу от двенадцати нот до октавы (5 + 7 = 12), как и музыка с европейским влиянием.

Ссылки в Библии

"Давид со своей арфой" Парижская Псалтырь ,
ок. 960, Константинополь

Знание библейского периода в основном происходит из литературных ссылок в Библии и постбиблейских источников. Историк религии и музыки Герберт Локьер-младший пишет, что «музыка, вокальная и инструментальная, на протяжении веков хорошо культивировалась среди евреев , новозаветных христиан и христианской церкви ». Он добавляет, что «взгляд на Ветхий Завет показывает, как древний народ Бога был посвящен изучению и практике музыки, которая занимает уникальное место в исторических и пророческих книгах, а также в Псалтири».

Музыкальные и театральные ученые, изучающие историю и антропологию семитской и ранней иудео-христианской культуры, обнаружили общие связи в театральной и музыкальной деятельности между классическими культурами евреев и культурами поздних греков и римлян . Общей областью исполнения является «социальное явление, называемое ектанией », форма молитвы, состоящая из серии призывов или мольб . Журнал Религия и театр отмечает , что среди самых ранних форм ектения «иврит ектение сопровождалось богатой музыкальной традицией:»

В Бытие 4.21 указано, что Джубал является «отцом всех, кто играет на арфе и свирели», Пятикнижие почти ничего не говорит о практике и обучении музыке в раннем возрасте Израиля ». В 1 Царств 10 есть больше изображений «большие хоры и оркестры». Эти большие ансамбли могли работать только с обширными репетициями. Это привело некоторых ученых к предположению, что пророк Самуил руководил общественной музыкальной школой для широкого круга студентов.

Древняя Греция

Музыка была важной частью социальной и культурной жизни Древней Греции . В греческом театре выдающуюся роль сыграли музыканты и певцы . Смешанные хоры исполняются для развлечения, празднования и духовных церемоний. Инструменты включали двойной тростниковый авлос и щипковый струнный инструмент , на лиру , в основном особого вид называется kithara . Музыка была важной частью образования, и мальчиков учили музыке с шести лет. Греческая музыкальная грамотность привела к расцвету музыкального развития. Теория греческой музыки включала греческие музыкальные лады , которые в конечном итоге стали основой западной религиозной и классической музыки. Позже влияние Римской империи , Восточной Европы и Византии изменило греческую музыку. Эпитафия Seikilos является самым старым сохранившимся образцом полной музыкальной композиции, в том числе музыкальной нотации, из любой точки мира. Старейшая работа написано на тему теории музыки является Harmonika Stoicheia по Аристоксену .

Средний возраст

Леонен или Перотен Бревес
умирают hominis
Ноты из католического миссала , c. 1310–1320

Средневековой эпохи (476 до 1400), который проходил в течение средневековья , началась с введением монофонический (одной мелодической линии) пение в Римско - католической церкви услуг. Музыкальная нотация использовалась с древних времен в греческой культуре , но в средние века нотация была впервые введена католической церковью, чтобы можно было записывать напевные мелодии, чтобы облегчить использование одних и тех же мелодий для религиозной музыки во всем католическом мире. империя. Единственный европейский средневековый репертуар , который был найден в письменной форме от лица 800 является монофонические литургической Plainsong скандирование Римско - католической церкви, центральная традиция , которая называлась григорианский хорал . Наряду с этими традициями духовной и церковной музыки существовала яркая традиция светских песен (нерелигиозных песен). Примеры композиторов этого периода - Леонен , Перотен , Гийом де Машо и Вальтер фон дер Фогельвейде .

эпоха Возрождения

TL de Victoria
Amicus meus
Аллегория музыки Филиппино Липпи

Музыка эпохи Возрождения (ок. 1400–1600 гг.) Была больше сосредоточена на светских (нерелигиозных) темах, таких как придворная любовь . Примерно в 1450 году был изобретен печатный станок , который сделал печатные ноты намного дешевле и упростил их массовое производство (до изобретения печатного станка вся нотная запись копировалась вручную). Возросшая доступность нот помогала распространять музыкальные стили быстрее и на большей территории. Музыканты и певцы часто работали в церкви, судах и городах. Церковные хоры росли в размерах, и церковь оставалась важным покровителем музыки. К середине XV века композиторы написали богато-полифоническую духовную музыку, в которой одновременно переплетались разные мелодические линии. Выдающиеся композиторы этой эпохи включают Гийома Дюфе , Джованни Пьерлуиджи да Палестрина , Томаса Морли и Орланда де Лассю . По мере того как музыкальная деятельность перешла от церкви к аристократическим дворам, короли, королевы и принцы соревновались за лучших композиторов. Многие ведущие композиторы были выходцами из Нидерландов, Бельгии и Северной Франции. Их называют франко-фламандскими композиторами. Они занимали важные должности по всей Европе, особенно в Италии. Среди других стран с активной музыкальной деятельностью - Германия, Англия и Испания.

Барокко

И. С. Бах
Токката и фуга

Эпохи барокко музыки проходили с 1600 до 1750 года , как художественный стиль барокко процветал по всей Европе; и за это время музыка расширилась по своему диапазону и сложности. Музыка барокко началась с написания первых опер (драматическая сольная вокальная музыка в сопровождении оркестра). В эпоху барокко полифоническая контрапунктическая музыка, в которой использовались несколько одновременных независимых мелодических линий, оставалась важной (контрапункт был важен в вокальной музыке средневековой эпохи). Немецкие композиторы эпохи барокко писали для небольших ансамблей, включая струнные , медные и деревянные духовые , а также для хоров и клавишных инструментов, таких как орган , клавесин и клавикорд . В течение этого периода были определены несколько основных музыкальных форм, которые сохранились до более поздних периодов, когда они были расширены и развивались дальше, включая фугу , изобретение , сонату и концерт. Стиль позднего барокко был полифонически сложным и богато орнаментированным. Среди выдающихся композиторов эпохи барокко - Иоганн Себастьян Бах ( сюиты для виолончели ), Джордж Фридрих Гендель ( Мессия ), Георг Филипп Телеманн и Антонио Лучио Вивальди ( «Времена года» ).

Классицизм

В.А. Моцарт
Симфония 40 соль минор
Вольфганг Амадей Моцарт (сидящий за клавишными) был вундеркиндом- виртуозом, игравшим на фортепиано и скрипке. Еще до того, как он стал знаменитым композитором, он был широко известен как одаренный исполнитель и импровизатор.

Музыка классического периода (1730–1820) была направлена ​​на подражание тому, что считалось ключевыми элементами искусства и философии Древней Греции и Рима: идеалам баланса, пропорций и дисциплинированного выражения. (Примечание: музыку классического периода не следует путать с классической музыкой в ​​целом, термин, который относится к западной художественной музыке с 5-го века до 2000-х годов, которая включает классический период как один из нескольких периодов). Музыка классического периода имеет более легкую, ясную и значительно более простую структуру, чем музыка барокко, которая ей предшествовала. Основным стилем была омофония , где отчетливо выделялась мелодия и партия аккордового аккомпанемента . Классические инструментальные мелодии были почти голосовыми и певчими. Были разработаны новые жанры, и фортепиано , предшественник современного фортепиано, заменил барокко эпохи клавесина и трубу органа в качестве основного клавишного инструмента (хотя орган трубы продолжал использоваться в духовной музыки, такие как МАССЫ).

Большое внимание уделялось инструментальной музыке. В нем доминировало дальнейшее развитие музыкальных форм, первоначально определенных в период барокко: сонаты , концерта и симфонии . Другими основными видами были трио , струнный квартет , серенада и дивертисмент . Соната была самой важной и развитой формой. Хотя композиторы эпохи барокко также писали сонаты, классический стиль сонаты совершенно особенный. Все основные инструментальные формы классической эпохи, от струнных квартетов до симфоний и концертов, основывались на структуре сонаты. В инструментах использовалась камерная музыка, и оркестр стал более стандартизированным. Вместо группы бассо континуо эпохи барокко, которая состояла из клавесина, органа или лютни, а также ряда басовых инструментов, выбранных по усмотрению лидера группы (например, виолончели, виолончели, теорбо, змеи), классические камерные группы использовались определенные стандартизованные инструменты (например, струнный квартет будет исполняться двумя скрипками, альтом и виолончелью). Импровизированная игра на аккордах эпохи барокко клавишника или лютниста в стиле континуо постепенно прекратилась между 1750 и 1800 годами.

Одним из самых важных изменений, внесенных в классический период, было развитие публичных концертов. Аристократия по-прежнему играла значительную роль в спонсировании концертов и композиций, но теперь композиторы могли выжить, не будучи постоянными служащими королев или принцев. Растущая популярность классической музыки привела к увеличению количества и типов оркестров. Расширение оркестровых концертов потребовало строительства больших площадок для публичных выступлений. Симфоническая музыка, включая симфонии, музыкальное сопровождение к балету и смешанные вокально-инструментальные жанры, такие как опера и оратория, стала более популярной.

Самыми известными композиторами классицизма являются Карл Филипп Эмануэль Бах , Кристоф Виллибальд Глюк , Иоганн Христиан Бах , Йозеф Гайдн , Вольфганг Амадей Моцарт , Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт . Бетховен и Шуберт также считаются композиторами поздней части классической эпохи, когда она начала двигаться в сторону романтизма.

Романтизм

Фортепиано было центральным элементом социальной активности горожан среднего класса в XIX веке ( Moritz von Schwind , 1868). Человек за роялем - композитор Франц Шуберт .
Р. Вагнер
Ди Валькюре

Романтическая музыка (ок. 1810–1900) XIX века имела много общего с романтическими стилями в литературе и живописи той эпохи. Романтизм был художественным, литературным и интеллектуальным движением, характеризовавшимся акцентом на эмоциях и индивидуализме, а также прославлением всего прошлого и природы. Романтическая музыка расширилась за пределы жестких стилей и форм классической эпохи и превратилась в более страстные, драматические, выразительные пьесы и песни. Композиторы-романтики, такие как Вагнер и Брамс, пытались усилить эмоциональное выражение и силу в своей музыке, чтобы описать более глубокие истины или человеческие чувства. С помощью симфонических стихотворений композиторы пытались рассказывать истории и вызывать образы или пейзажи с помощью инструментальной музыки. Некоторые композиторы пропагандировали националистическую гордость с помощью патриотической оркестровой музыки, вдохновленной народной музыкой . Эмоциональные и выразительные качества музыки стали преобладать над традициями.

Композиторы-романтики выросли в своей идиосинкразии и пошли дальше в синкретизме исследования различных форм искусства в музыкальном контексте (например, в литературе), истории (исторические фигуры и легенды) или самой природе. Романтическая любовь или тоска были преобладающей темой во многих произведениях, написанных в этот период. В некоторых случаях продолжали использоваться формальные структуры классического периода (например, форма сонаты, используемая в струнных квартетах и симфониях ), но эти формы были расширены и изменены. Во многих случаях были исследованы новые подходы к существующим жанрам, формам и функциям. Кроме того, были созданы новые формы, которые были сочтены более подходящими для новой темы. Композиторы продолжали развивать оперную и балетную музыку, исследуя новые стили и темы.

В годы после 1800 года музыка, разработанная Людвигом ван Бетховеном и Францем Шубертом, представила более драматичный и выразительный стиль. В случае Бетховена короткие мотивы , разработанные органически, пришли на смену мелодии как наиболее значимой композиционной единице (например, характерная фигура из четырех нот, использованная в его Пятой симфонии ). Поздние композиторы-романтики, такие как Петр Ильич Чайковский , Антонин Дворжак и Густав Малер, использовали более необычные аккорды и больше диссонанса, чтобы создать драматическое напряжение. Они создавали сложные и часто гораздо более длинные музыкальные произведения. В период позднего романтизма композиторы исследовали драматические хроматические изменения тональности , такие как расширенные аккорды и измененные аккорды , которые создавали новые звуковые «цвета». В конце 19 века оркестр резко увеличился в размерах, а промышленная революция помогла создать лучшие инструменты, создав более мощное звучание. Публичные концерты стали важной частью зажиточного городского общества. Он также увидел новое разнообразие в театральной музыке , включая оперетту , музыкальную комедию и другие формы музыкального театра.

20 и 21 века

В XIX веке одним из ключевых способов распространения новых произведений среди публики была продажа нот , которые любители музыки среднего класса исполняли дома на своем пианино или других распространенных инструментах, таких как скрипка. В музыке 20-го века изобретение новых электрических технологий, таких как радиовещание, и доступность граммофонных пластинок на массовом рынке означали, что звукозаписи песен и произведений, которые слушают слушатели (либо по радио, либо на их проигрывателе), стали основным способом узнать о новых песнях и произведениях. По мере роста популярности радио и использования фонографов для воспроизведения и распространения музыки наблюдался значительный рост прослушивания музыки, поскольку в 19 веке акцент на нотах ограничивал доступ к новой музыке для среднего класса и представителей высшего сословия, которые умел читать музыку и владел пианино и инструментами, в 20 веке любой, у кого было радио или проигрыватель, мог слушать оперы, симфонии и биг-бэнды прямо у себя в гостиной. Это позволило людям с низкими доходами, которые никогда не смогли бы позволить себе билет на оперу или симфонический концерт, услышать эту музыку. Это также означало, что люди могли слышать музыку из разных частей страны или даже из разных частей мира, даже если они не могли позволить себе поехать в эти места. Это способствовало распространению музыкальных стилей.

В центре внимания художественной музыки 20 века было исследование новых ритмов, стилей и звуков. Ужасы Первой мировой войны повлияли на многие виды искусства, включая музыку, и некоторые композиторы начали исследовать более мрачные и резкие звуки. Композиторы использовали традиционные музыкальные стили, такие как джаз и народная музыка , как источник идей для классической музыки. Игорь Стравинский , Арнольд Шенберг и Джон Кейдж были влиятельными композиторами в области художественной музыки 20-го века. Изобретение звукозаписи и способность редактировать музыку породили новый поджанр классической музыки, включая школы электронной композиции acousmatic и Musique concrète . Звукозапись также оказала большое влияние на развитие популярных музыкальных жанров, поскольку позволила широко распространять записи песен и групп. Внедрение многодорожечной системы записи оказало большое влияние на рок-музыку, потому что она могла делать гораздо больше, чем просто запись выступления группы. Используя многодорожечную систему, группа и их музыкальный продюсер могли наложить множество слоев инструментальных треков и вокала, создавая новые звуки, которые были бы невозможны при живом исполнении.

Джаз развивался и стал важным музыкальным жанром в течение 20-го века, а во второй половине этого века рок-музыка сделала то же самое. Джаз - это американская музыкальная форма искусства, зародившаяся в начале 20 века в афроамериканских общинах на юге Соединенных Штатов в результате слияния африканских и европейских музыкальных традиций. Западноафриканская родословная этого стиля проявляется в использовании синих нот , импровизации , полиритмии , синкопии и колебательной ноты .

Рок-музыка - это жанр популярной музыки, который развился в 1960-х годах из рок-н-ролла 1950-х , рокабилли , блюза и кантри . Звук рока часто вращается вокруг электрогитары или акустической гитары, и в нем используется сильный бэк-бит, заложенный ритм-секцией . Наряду с гитарой или клавишными в качестве солирующих инструментов используются саксофон и губная гармошка в стиле блюз. В «чистом виде» он «состоит из трех аккордов, сильной, настойчивой бэк-биты и запоминающейся мелодии». Традиционная ритм-секция для популярной музыки - это ритм-гитара, электробас-гитара, барабаны. У некоторых групп также есть клавишные инструменты, такие как орган, фортепиано или, с 1970-х годов, аналоговые синтезаторы . В 1980-х годах поп-музыканты начали использовать цифровые синтезаторы, такие как синтезатор DX-7 , электронные драм-машины, такие как TR-808, и синтезаторные басовые устройства (такие как TB-303 ) или синтезаторные басовые клавиатуры. В 1990-е годы использовался все более широкий спектр компьютеризированных аппаратных музыкальных устройств, инструментов и программного обеспечения (например, цифровые аудио рабочие станции ). В 2020-х годах программные синтезаторы и компьютерные музыкальные приложения позволят продюсерам спальни создавать и записывать некоторые типы музыки, такие как электронная танцевальная музыка, у себя дома, добавляя сэмплы и цифровые инструменты и редактируя запись в цифровом виде. В 1990-х годах некоторые группы в таких жанрах, как ню-метал, начали включать в свои группы ди-джеев . Ди-джеи создают музыку, манипулируя записанной музыкой на проигрывателях или проигрывателях компакт-дисков с помощью DJ-микшера .

Представление

Китайские музыканты- наси
Ассирийцы играют на зурне и давуле , инструментах, которым тысячи лет.

Исполнение - это физическое выражение музыки, которое происходит, когда поется песня или когда музыканты играют фортепианную пьесу, мелодию электрогитары, симфонию, удар барабана или другую музыкальную партию . В классической музыке музыкальное произведение записывается композитором в нотной записи , а затем исполняется, когда композитор удовлетворен его структурой и инструментами. Однако по мере исполнения интерпретация песни или пьесы может развиваться и меняться. В классической музыке инструментальные исполнители, певцы или дирижеры могут постепенно изменять фразировку или темп произведения. В популярной и традиционной музыке исполнители имеют гораздо больше свободы при изменении формы песни или пьесы. Таким образом, в популярных и традиционных музыкальных стилях, даже когда группа играет кавер-версию , они могут вносить в нее изменения, например добавлять гитарное соло или вставлять вступление.

Выступление может быть спланировано и отрепетировано (отрепетировано) - что является нормой в классической музыке с джазовыми биг-бендами и многими популярными музыкальными стилями - или импровизировано на основе последовательности аккордов (последовательности аккордов), что является нормой для малых джазовые и блюзовые группы. Репетициями оркестров, концертных коллективов и хоров руководит дирижер. Рок, блюз и джаз-бэнды обычно возглавляет руководитель. Репетиция - это структурированное повторение песни или пьесы исполнителями до тех пор, пока ее нельзя будет правильно спеть или сыграть, и, если это песня или пьеса для более чем одного музыканта, до тех пор, пока части не будут вместе с точки зрения ритма и настройки. Импровизация - это создание музыкальной идеи - мелодии или другой музыкальной линии, созданной на месте, часто на основе гамм или уже существующих мелодических риффов .

Многие культуры имеют сильные традиции сольного исполнения (в которых выступает один певец или инструменталист), например, в индийской классической музыке и в западной музыкальной традиции искусства. В других культурах, например, на Бали , есть сильные традиции группового выступления. Все культуры включают в себя сочетание того и другого, и исполнение может варьироваться от импровизированной сольной игры до тщательно спланированных и организованных выступлений, таких как современный классический концерт, религиозные процессии, фестивали классической музыки или музыкальные конкурсы . Камерная музыка , то есть музыка для небольшого ансамбля, состоящего только из нескольких инструментов каждого типа, часто рассматривается как более интимная, чем большие симфонические произведения.

Устная и звуковая традиция

Многие музыкальные жанры, такие как традиционный блюз и народная музыка, не были записаны в нотах ; вместо этого они изначально хранились в памяти исполнителей, а песни передавались устно , от одного музыканта или певца к другому, или на слух, когда исполнитель разучивает песню « на слух ». Когда композитор песни или пьесы больше не известен, эту музыку часто классифицируют как «традиционную» или как «народную песню». Различные музыкальные традиции имеют разное отношение к тому, как и где вносить изменения в исходный исходный материал, от довольно строгих до тех, которые требуют импровизации или модификации музыки. История и истории культуры также могут передаваться на слух через песню.

Украшения

Знак
трели - быстрое чередование двух нот.

В музыке орнамент состоит из добавленных нот, которые украшают мелодию, бас или другую музыкальную часть. Детали, включенные в нотную запись, варьируются в зависимости от жанра и исторического периода. В целом, нотная запись художественной музыки 17-19 веков требовала от исполнителей обширных контекстуальных знаний о стилях исполнения. Например, в XVII и XVIII веках музыка, записанная для сольных исполнителей, обычно представляла собой простую мелодию без украшений. Ожидалось, что исполнители будут знать, как добавлять стилистически подходящие украшения, например трели и повороты, чтобы добавить интерес к музыке . В разных стилях музыки используются разные орнаменты. Флейтист в стиле барокко может добавлять морденты , то есть короткие ноты, которые воспроизводятся перед основной нотой мелодии, выше или ниже основной ноты мелодии. Блюз-гитарист, играющий на электрогитаре, может использовать изгиб струны, чтобы добавить выразительности; гитара хэви - метал игрок может использовать молоток дополнений и тянуть-офф .

В 19 веке художественная музыка для сольных исполнителей может давать общие инструкции, например, как выразительно исполнять музыку, без подробного описания того, как исполнитель должен это делать. Предполагалось, что исполнитель знает, как использовать изменения темпа, акцентуацию и паузы (среди других приемов) для достижения этого «выразительного» стиля исполнения. В 20-м веке нотация художественной музыки часто становилась более явной и использовала ряд пометок и аннотаций, чтобы указать исполнителям, как они должны играть или петь пьесу. В популярной музыке и традиционных музыкальных стилях исполнители должны знать, какие типы орнаментов стилистически подходят для данной песни или пьесы, а исполнители обычно добавляют их импровизированным образом. Единственное исключение - соло по нотам, в которых некоторые исполнители точно воссоздают известную версию соло, например гитарное соло .

Философия и эстетика

Картина Болдини с изображением женщины, играющей на пианино

Философия музыки - это раздел философии. Философия музыки - это изучение фундаментальных вопросов, касающихся музыки. Философское изучение музыки во многом связано с философскими вопросами метафизики и эстетики . Вот некоторые основные вопросы философии музыки:

В древние времена, например, у древних греков , эстетика музыки исследовала математические и космологические измерения ритмической и гармонической организации. В 18 веке акцент сместился на восприятие музыки и, следовательно, на вопросы о ее красоте и человеческом удовольствии ( plaisir и jouissance ) от музыки. Происхождение этого философского сдвига иногда приписывают Александру Готлибу Баумгартену в 18 веке, а затем Иммануилу Канту . Благодаря их написанию древний термин «эстетика», означающий чувственное восприятие , получил свой современный оттенок. В 2000-х философы, как правило, уделяли особое внимание вопросам помимо красоты и удовольствия. Например, центральным вопросом была способность музыки выражать эмоции.

В 20-м веке важный вклад внесли Питер Киви , Джерролд Левинсон , Роджер Скратон и Стивен Дэвис . Однако многие музыканты, музыкальные критики и другие нефилософы внесли свой вклад в эстетику музыки. В 19 - м веке, значительная дискуссия возникла между Ганслик , в музыкальный критик и музыковед и композитор Рихард Вагнер по поводу можно ли музыка выразить смысл. Гарри Партч и некоторые другие музыковеды , такие как Кайл Ганн , изучали и пытались популяризировать микротональную музыку и использование альтернативных музыкальных гамм . Также многие современные композиторы, такие как Ла Монте Янг , Рис Чатем и Гленн Бранка, уделяли много внимания гамме, называемой просто интонацией .

Часто думают, что музыка может влиять на наши эмоции , интеллект и психологию ; он может успокоить наше одиночество или разжечь страсти. Философ Платон предлагает в Республике , что музыка оказывает непосредственное влияние на душе. Поэтому он предлагает, чтобы в идеальном режиме музыка строго регулировалась государством (Книга VII). В Древнем Китае философ Конфуций считал, что музыка и ритуалы или обряды взаимосвязаны и гармоничны с природой; он утверждал, что музыка была гармонией неба и земли, в то время как порядок был установлен порядком обрядов, что сделало их чрезвычайно важными функциями в обществе.

В эстетике музыки существует сильная тенденция подчеркивать первостепенное значение композиционной структуры; однако другие вопросы, касающиеся эстетики музыки, включают лиризм , гармонию , гипноз , эмоциональность , временную динамику , резонанс , игривость и цвет (см. также музыкальное развитие ).

Психология

Современная музыкальная психология направлена ​​на объяснение и понимание музыкального поведения и опыта . Исследования в этой области и ее подразделах носят преимущественно эмпирический характер ; их знания имеют тенденцию совершенствоваться на основе интерпретации данных, собранных путем систематического наблюдения за участниками-людьми и взаимодействия с ними . Помимо сосредоточения на фундаментальных восприятиях и когнитивных процессах, музыкальная психология - это область исследований, имеющая практическое значение для многих областей, включая музыкальное исполнение , композицию , образование , критику и терапию , а также исследования способностей , навыков, интеллекта человека. , творчество и социальное поведение .

Неврология

Первичная слуховая кора головного мозг является одной из основных областей , связанных с превосходным разрешением основного тона.

Когнитивная нейробиология музыки - это научное исследование механизмов мозга, участвующих в когнитивных процессах, лежащих в основе музыки. Эти формы поведения включают прослушивание музыки, исполнение, сочинение, чтение, письмо и вспомогательную деятельность. Он также все больше касается мозговой основы музыкальной эстетики и музыкальных эмоций. Поле отличается тем, что опирается на прямые наблюдения за мозгом с использованием таких методов, как функциональная магнитно-резонансная томография (фМРТ), транскраниальная магнитная стимуляция (ТМС), магнитоэнцефалография (МЭГ), электроэнцефалография (ЭЭГ) и позитронно-эмиссионная томография (ПЭТ). .

Когнитивное музыковедение

Когнитивное музыковедение - это отрасль когнитивной науки, занимающаяся компьютерным моделированием музыкальных знаний с целью понимания как музыки, так и познания. Использование компьютерных моделей обеспечивает точную интерактивную среду для формулирования и проверки теорий и уходит корнями в искусственный интеллект и когнитивную науку .

Эта междисциплинарная область исследует такие темы, как параллели между языком и музыкой в ​​мозгу. Биологически вдохновленные модели вычислений часто включаются в исследования, такие как нейронные сети и эволюционные программы. Эта область направлена ​​на моделирование того, как музыкальные знания представлены, хранятся, воспринимаются, исполняются и генерируются. Используя хорошо структурированную компьютерную среду, можно исследовать систематические структуры этих когнитивных явлений.

Психоакустика

Психоакустика - это научное исследование восприятия звука. В частности, это отрасль науки, изучающая психологические и физиологические реакции, связанные со звуком (включая речь и музыку). В дальнейшем его можно отнести к разделу психофизики .

Эволюционное музыковедение

Эволюционное музыковедение касается «происхождения музыки, вопроса о песнях животных, давления отбора, лежащего в основе эволюции музыки» и «эволюции музыки и эволюции человека». Он пытается понять восприятие музыки и ее деятельность в контексте эволюционной теории . Чарльз Дарвин предположил, что музыка могла обладать адаптивным преимуществом и функционировать как протоязык , и эта точка зрения породила несколько конкурирующих теорий музыкальной эволюции. Альтернативный взгляд рассматривает музыку как побочный продукт лингвистической эволюции ; разновидность «слухового чизкейка», который доставляет удовольствие органам чувств, не выполняя никаких адаптивных функций. Этой точке зрения прямо противоречат многочисленные исследователи музыки.

Культурные эффекты

Культура или этническая принадлежность человека играет роль в его музыкальном познании , включая его предпочтения , эмоциональную реакцию и музыкальную память . Музыкальные предпочтения смещены в сторону культурно знакомых музыкальных традиций, начиная с младенчества, а классификация эмоций музыкального произведения взрослыми зависит как от культурных особенностей, так и от универсальных структурных особенностей. Кроме того, музыкальные способности людей больше подходят для музыки, знакомой в культурном отношении, чем для музыки, незнакомой в культурном отношении.

Социологические аспекты

Картина династии Сун (960–1279) « Ночные пиршества Хань Сицзая» , на которой изображены китайские музыканты, развлекающие гостей на вечеринке в доме X века.

Многие этнографические исследования показывают, что музыка - это коллективная деятельность на уровне сообщества. Музыка воспринимается людьми в различных социальных условиях, от одиночества до посещения большого концерта, формирования музыкального сообщества , что нельзя понимать как функцию индивидуальной воли или случайности; в него входят как коммерческие, так и некоммерческие участники с общим набором общих ценностей. Музыкальные представления принимают разные формы в разных культурах и социально-экономических условиях. В Европе и Северной Америке часто существует разрыв между тем, какие типы музыки считаются « высокой культурой » и « низкой культурой ». Типы "высокой культуры" музыки, как правило, включают западную художественную музыку, такую ​​как симфонии, концерты и сольные произведения в стиле барокко, классика, романтика и современность, и обычно их можно услышать на официальных концертах в концертных залах и церквях, когда публика тихо сидит. в сиденьях.

Другие типы музыки, включая, помимо прочего, джаз, блюз, соул и кантри, часто исполняются в барах, ночных клубах и театрах, где публика может выпить, потанцевать и выразить себя аплодисментами. Вплоть до конца 20 века разделение на «высокие» и «низкие» музыкальные формы было широко признано как действительное различие, которое отделяло более качественную, более продвинутую «художественную музыку» от популярных музыкальных стилей, которые звучат в барах и танцевальных залах.

Однако в 1980-х и 1990-х годах музыковеды, изучающие этот воспринимаемый разрыв между «высокими» и «низкими» музыкальными жанрами, утверждали, что это различие не основано на музыкальной ценности или качестве различных типов музыки. Скорее, они утверждали, что это различие было основано в основном на социально-экономическом положении или социальном классе исполнителей или аудитории различных типов музыки. Например, если аудитория концертов классической симфонии обычно имеет доход выше среднего, аудитория рэп-концерта в центральной части города может иметь доход ниже среднего. Даже если исполнители, аудитория или место, где исполняется музыка, не относящаяся к искусству, могут иметь более низкий социально-экономический статус, исполняемая музыка, такая как блюз, рэп, панк , фанк или ска, может быть очень сложной и утонченной.

Когда композиторы вводят музыкальные стили, нарушающие условности, может возникнуть сильное сопротивление со стороны академических музыкальных экспертов и поп-культуры. Струнные квартеты Бетховена позднего периода, партитуры балета Стравинского, сериализм , бибоп- эра- джаз , хип-хоп , панк-рок и электроника - все это считалось некоторыми критиками не относящимися к музыке, когда они были впервые представлены. Такие темы исследуются в социологии музыки. Социологическое изучение музыки, иногда называемое социомузыкологией , часто проводится на факультетах социологии, медиа-исследований или музыки и тесно связано с областью этномузыкологии .

Роль женщин

Композитор 19 века и пианистка Клара Шуман

Женщины играли важную роль в музыке на протяжении всей истории в качестве композиторов, авторов песен, исполнителей инструментальных средств , певцов, дирижеров, ученых- музыковедов , музыкальных педагогов , музыкальных критиков / музыкальных журналистов и представителей других музыкальных профессий. Кроме того, он описывает музыкальные движения, события и жанры, связанные с женщинами, женскими проблемами и феминизмом . В 2010-е годы, хотя женщины составляют значительную долю исполнителей популярной и классической музыки, а также значительную долю авторов песен (многие из которых являются авторами-исполнителями), женщин-продюсеров, рок-критиков и рок-инструменталистов немного . Хотя со средневековья до наших дней в классической музыке было огромное количество женщин-композиторов , женщины-композиторы значительно недопредставлены в широко исполняемом репертуаре классической музыки , учебниках истории музыки и музыкальных энциклопедиях; например, в Краткой Оксфордской истории музыки , Клара Шуман является одним из немногих женщин - композиторов, упоминаются.

Женщины составляют значительную долю солистов-инструменталистов в классической музыке, и процент женщин в оркестрах растет. Однако статья 2015 года о солистах концертов в крупных канадских оркестрах показала, что 84% солистов Монреальского симфонического оркестра были мужчинами. В 2012 году женщины по-прежнему составляли всего 6% в ведущем оркестре Венской филармонии . Женщины реже играют на инструментах в таких популярных музыкальных жанрах, как рок и хэви-метал , хотя есть ряд известных инструменталистов и женских групп . Женщины особенно недопредставлены в жанрах экстремального металла . В поп-музыке 1960-х, «как и большинство аспектов ... музыкального бизнеса, [в 1960-е] в написании песен доминировали мужчины. Хотя на радио было много певиц, женщин. ... в первую очередь воспринимались как потребители: ... Пение иногда было приемлемым времяпрепровождением для девушки, но игра на музыкальном инструменте, сочинение песен или выпуск пластинок просто не было делом ". Молодые женщины «... не были приучены видеть себя людьми, создающими [музыку]».

Женщины также недостаточно представлены в оркестровом дирижировании, музыкальной критике / музыкальной журналистике, музыкальном продюсировании и звукорежиссуре . В то время как в XIX веке женщинам отговаривали сочинять музыку, а женщин- музыковедов мало , женщины стали участвовать в музыкальном образовании «... до такой степени, что женщины доминировали [в этой области] во второй половине XIX века и в дальнейшем. 20 век ».

По словам Джессики Дюшен, автора музыки для лондонского журнала The Independent , женщин-музыкантов в классической музыке «... слишком часто судят за их внешность, а не за их талант», и они сталкиваются с давлением, «... чтобы выглядеть сексуально на сцене и на фотографиях. . " Дюшен заявляет, что, хотя «здесь есть женщины-музыканты, которые отказываются играть на своей внешности, ... те, кто действительно, как правило, более успешны в материальном плане». По словам редактора Радио 3 Великобритании Эдвины Вольстенкрофт, музыкальная индустрия уже давно открыта для участия женщин в выступлениях или развлекательных ролях, но женщины гораздо реже занимают руководящие должности, такие как лидеры оркестра . В популярной музыке, несмотря на то, что есть много певиц, записывающих песни, очень мало женщин, стоящих за аудио консолью, выступающих в качестве музыкальных продюсеров, людей, которые направляют и управляют процессом записи. Один из самых известных исполнителей - Аша Бхосл , индийская певица, наиболее известная как исполнитель музыки в кино на хинди.

СМИ и технологии

Производство музыки в 2000 - х годах с использованием цифровой аудио рабочей станции (DAW) с электронной клавиатурой и несколькими мониторами набор-вверх

Музыку композиторов и авторов песен можно услышать через несколько средств массовой информации; наиболее традиционный способ - послушать его вживую, в присутствии музыкантов (или в качестве одного из музыкантов) на открытом воздухе или в помещении, например, в амфитеатре, концертном зале , кабаре , театре , пабе или кофейне. С 20 века живую музыку можно также транслировать по радио, телевидению или в Интернете, или записывать и слушать на CD-плеере или Mp3-плеере.

Некоторые музыкальные стили сосредоточены на создании песен и произведений для живого исполнения, в то время как другие сосредотачиваются на создании записи, в которой смешиваются звуки, которые никогда не исполнялись «вживую». Даже в таких преимущественно живых стилях, как рок, инженеры звукозаписи часто используют возможность редактирования, объединения и микширования для создания записей, которые можно считать «лучше», чем реальное живое исполнение. Например, некоторые певцы записывают свое исполнение мелодии, а затем записывают несколько партий гармонии с наложением, создавая звук, который невозможно воспроизвести вживую.

Технологии оказали влияние на музыку с доисторических времен, когда пещерные люди использовали простые инструменты для просверливания отверстий в костяных флейтах 41 000 лет назад. Технологии продолжали влиять на музыку на протяжении всей истории музыки, поскольку они позволяли использовать новые инструменты и системы воспроизведения нот, и одним из переломных моментов в нотной записи стало изобретение печатного станка в 1400-х годах, что означало, что музыка не имеет оценок. больше пришлось копировать вручную. В 19 веке музыкальные технологии привели к разработке более мощного и громкого фортепиано и к разработке новых вентильных духовых инструментов.

В начале 20-го века (в конце 1920-х), когда в начале 20-го века появились говорящие картинки с заранее записанными музыкальными треками, все больше музыкантов оркестров кинотеатров оказывались без работы. В течение 1920-х годов живые музыкальные выступления оркестров, пианистов и театральных органистов были обычным явлением в первых театрах. С появлением говорящих фильмов эти показательные выступления были в значительной степени исключены. Американская федерация музыкантов (AFM) вынула газетные объявления , протестовавших замену живых музыкантов с механическими игровыми устройствами. Одна реклама 1929 года, появившаяся в Pittsburgh Press, содержит изображение банки с надписью «Музыкальные консервы / Большой шумовой бренд / Гарантированно не вызовет никакой интеллектуальной или эмоциональной реакции»

С момента принятия законодательства для защиты исполнителей, композиторов, издателей и продюсеров, включая Закон о домашней аудиозаписи 1992 года в США и пересмотренную Бернскую конвенцию 1979 года по охране литературных и художественных произведений в Соединенном Королевстве, записи и живые выступления также стали более доступными через компьютеры, устройства и Интернет в форме, широко известной как Music-On-Demand .

Во многих культурах меньше различий между исполнением и прослушиванием музыки, поскольку практически каждый вовлечен в какую-либо музыкальную деятельность, часто в коллективной обстановке. В промышленно развитых странах прослушивание музыки в записанной форме, такой как звукозапись или радио, стало более распространенным явлением, чем живое выступление, примерно в середине 20 века. К 1980-м годам просмотр музыкальных видеоклипов был популярным способом послушать музыку, а также увидеть исполнителей.

Иногда живые выступления включают заранее записанные звуки. Например, диск-жокей использует записи на дисках для скретчинга , а в некоторых произведениях 20-го века есть соло для инструмента или голос, который исполняется вместе с музыкой, предварительно записанной на магнитную ленту. Некоторые поп-группы используют записанные минусовки . Компьютеры и многие клавиатуры можно запрограммировать для создания и воспроизведения музыки с цифровым интерфейсом музыкальных инструментов (MIDI). Зрители также могут стать исполнителями, участвуя в караоке - мероприятии японского происхождения, в основе которого лежит устройство, которое воспроизводит версии хорошо известных песен с удаленным голосом. Большинство караоке-машин также имеют видеоэкраны, на которых отображаются тексты исполняемых песен; исполнители могут следить за текстами песен во время исполнения инструментальных композиций.

Интернет

Появление Интернета и повсеместное распространение высокоскоростного широкополосного доступа изменили представление о музыке, отчасти благодаря облегчению доступа к записям музыки через потоковое видео и значительно увеличившему выбор музыки для потребителей. Крис Андерсон в своей книге «Длинный хвост: почему бизнес в будущем продает меньше, а не больше» предполагает, что, хотя традиционная экономическая модель спроса и предложения описывает дефицит, модель розничной торговли через Интернет основана на изобилии. Затраты на цифровое хранение невысоки, поэтому компания может позволить себе сделать весь свой инвентарь записи доступным онлайн, предоставляя клиентам максимально широкий выбор. Таким образом, стало экономически выгодным предлагать музыкальные записи, которые интересуют очень немногих людей. Растущее осознание потребителями своего растущего выбора приводит к более тесной связи между слушательскими вкусами и социальной идентичностью, а также к созданию тысяч нишевых рынков .

Еще один эффект Интернета проявился в онлайн-сообществах и сайтах социальных сетей, таких как YouTube и Facebook, социальные сети . Эти сайты помогают начинающим певцам и любительским группам распространять видеоклипы своих песен, общаться с другими музыкантами и вызывать интерес публики. Профессиональные музыканты также используют YouTube в качестве бесплатного издателя рекламных материалов. Например, пользователи YouTube больше не только скачивают и слушают MP3, но и активно создают свои собственные. По словам Дона Тапскотта и Энтони Д. Уильямса в их книге « Викиномика» , произошел сдвиг от традиционной роли потребителя к роли, которую они называют « просьюмером », потребителем, который одновременно создает контент и потребляет. Проявления этого в музыке включают создание фанатами пюре , ремиксов и музыкальных клипов.

Бизнес

Музыкальный магазин по продаже синглов и альбомов

Музыкальная индустрия относится к предприятиям , связанным с созданием и продажей музыки. В его состав входят авторы песен и композиторы, которые создают новые песни и музыкальные произведения, музыкальные продюсеры и звукорежиссеры, которые записывают песни и произведения, звукозаписывающие лейблы и издатели, которые распространяют записанные музыкальные продукты и ноты на международном уровне и которые часто контролируют права на эти продукты. Некоторые музыкальные лейблы являются « независимыми », в то время как другие являются дочерними предприятиями более крупных корпораций или международных медиа-групп . В 2000-х годах растущая популярность прослушивания музыки в виде цифровых музыкальных файлов на MP3-плеерах, iPod или компьютерах, а также продажи музыки на веб-сайтах для обмена файлами или покупки ее в Интернете в виде цифровых файлов оказали серьезное влияние на традиционную музыку. бизнес. Многие небольшие независимые магазины компакт-дисков прекратили свою деятельность, поскольку покупатели музыки сократили свои покупки компакт-дисков, а многие лейблы снизили продажи компакт-дисков. Однако некоторые компании преуспели с переходом на цифровой формат, например iTunes от Apple , музыкальный онлайн-магазин, который продает цифровые файлы с песнями через Интернет.

Законы об интеллектуальной собственности

Несмотря на некоторые международные договоры об авторском праве , определение того, какая музыка является общественным достоянием , осложняется множеством применимых национальных законов об авторском праве . Закон об авторском праве США ранее защищал печатную музыку, изданную после 1923 года, в течение 28 лет и с продлением еще на 28 лет, но Закон об авторском праве 1976 года сделал автоматическое продление, а Закон об авторском праве в цифровую эпоху изменил расчет срока действия авторских прав на 70 лет после смерти. создателя. Записанный звук подпадает под лицензирование механического оборудования , что часто покрывается запутанным лоскутным одеялом законов штата; большинство кавер-версий лицензированы через агентство Harry Fox . Права на исполнение могут быть получены либо исполнителями, либо местом исполнения; двумя основными организациями по лицензированию являются BMI и ASCAP . Двумя онлайн-источниками музыки , являющейся общественным достоянием, являются IMSLP (Международный проект библиотеки музыкальных партитур) и Библиотека общественного достояния хоровой музыки (CPDL) .

Образование

Непрофессиональный

Suzuki скрипка концерт со студентами разных возрастов

Включение некоторых занятий музыкой или пением в общее образование от дошкольного до высшего образования является обычным явлением в Северной Америке и Европе. Считается, что участие в игре и пении музыки обучает основным навыкам, таким как концентрация, счет , слушание и сотрудничество, а также способствует пониманию языка , улучшает способность вспоминать информацию и создает среду, более благоприятную для обучения в других областях. В начальных школах дети часто учатся играть на таких инструментах, как магнитофон , петь в небольшом хоре и узнают об истории западной и традиционной музыки. Некоторые дети начальной школы также узнают о популярных музыкальных стилях. В религиозных школах дети поют гимны и другую религиозную музыку. В средних школах (и реже в начальных школах) учащиеся могут иметь возможность выступать в некоторых типах музыкальных ансамблей, таких как хоры (группа певцов), марширующие оркестры , концертные группы , джазовые группы или оркестры. В некоторых школьных системах могут быть предусмотрены уроки музыки по игре на музыкальных инструментах. Некоторые ученики также берут частные уроки музыки после школы с учителем пения или инструмента. Музыканты-любители обычно изучают основные музыкальные основы (например, изучение нотной записи для музыкальных гамм и ритмов) и техники пения или игры на инструментах от начального до среднего уровня.

На университетском уровне студенты, обучающиеся по большинству гуманитарных и гуманитарных программ, могут получить кредит за прохождение нескольких музыкальных курсов, которые обычно имеют форму обзорного курса по истории музыки или курса оценки музыки, который фокусируется на прослушивании музыки и обучении. о разных музыкальных стилях. Кроме того, в большинстве университетов Северной Америки и Европы есть несколько типов музыкальных коллективов, в которых могут участвовать студенты, изучающие гуманитарные и гуманитарные науки, такие как хоры, марширующие оркестры, концертные группы или оркестры. Изучение западной художественной музыки становится все более распространенным за пределами Северной Америки и Европы, таких как Индонезийский институт искусств в Джокьякарте , Индонезия , или программы классической музыки, доступные в азиатских странах, таких как Южная Корея, Япония и Китай. В то же время западные университеты и колледжи расширяют свои учебные программы, включая музыку незападных культур, например музыку Африки или Бали (например, музыку Гамелана ).

Профессиональный

Профессор
Манхэттенской школы музыки и профессиональный контрабасист Тимоти Кобб преподает урок игры на бас-гитаре в конце 2000-х. Его бас имеет удлинение low C с металлическим «автоматом» с кнопками для воспроизведения высот на удлинении.

Люди, стремящиеся стать профессиональными музыкантами, певцами, композиторами, авторами песен, учителями музыки и практиками других связанных с музыкой профессий, таких как профессора истории музыки , звукорежиссеры и т. Д., Учатся в специализированных программах послесреднего образования, предлагаемых колледжами, университетами и консерваториями. . Некоторые учебные заведения, которые готовят людей для карьеры в музыке, предлагают обучение по широкому кругу профессий, как в случае со многими ведущими университетами США, которые предлагают степени в области музыкального исполнительства (включая пение и игру на инструментах), истории музыки, теории музыки и т. Д. музыкальная композиция, музыкальное образование (для лиц, желающих стать учителями музыки в начальной или средней школе) и, в некоторых случаях, дирижирование. С другой стороны, некоторые небольшие колледжи могут предлагать обучение только по одной профессии (например, звукозаписи ).

В то время как большинство музыкальных программ университетов и консерваторий сосредоточены на обучении студентов классической музыке, существует ряд университетов и колледжей, которые готовят музыкантов для карьеры джазовых или популярных музыкантов и композиторов, с известными примерами в США, включая Манхэттенскую школу музыки и Беркли. Музыкальный колледж . Две важные школы в Канаде, предлагающие профессиональное обучение джазу, - это Университет Макгилла и Колледж Хамбер . Лица, нацеленные на карьеру в некоторых жанрах музыки, таких как хэви-метал , кантри или блюз , с меньшей вероятностью станут профессионалами, получив ученую степень или диплом в колледжах или университетах. Вместо этого они обычно узнают о своем стиле музыки, петь или играя во многих группах (часто начиная с любительских групп, кавер-групп и трибьют-групп ), изучая записи, доступные на CD, DVD и в Интернете, и работая с уже известными профессионалами в своей области. стиль музыки, будь то неформальное наставничество или регулярные уроки музыки . С 2000-х годов возрастающая популярность и доступность интернет-форумов и обучающих видеороликов на YouTube позволили многим певцам и музыкантам из металла, блюза и аналогичных жанров улучшить свои навыки. Многие исполнители поп, рок и кантри тренируются в неформальной обстановке под руководством тренеров по вокалу и учителей пения .

Бакалавриат

Бакалавриат университетские степени в музыке, в том числе бакалавра музыки , бакалавр музыкального образования, а также степень бакалавра искусств (с майором в музыке) , как правило , занимает около четырех лет , чтобы закончить. Эти степени дают студентам основы теории музыки и истории музыки, и многие студенты также изучают инструмент или изучают технику пения в рамках своей программы. Выпускники музыкальных программ бакалавриата могут искать работу или продолжить обучение в музыкальных программах магистратуры. Выпускники бакалавриата также имеют право подать заявку на участие в некоторых программах магистратуры и профессиональных школах помимо музыки (например, государственное управление , бизнес-администрирование , библиотечное дело и, в некоторых юрисдикциях, педагогический колледж , юридический факультет или медицинский институт ).

Выпускной

Высшие музыкальные степени включают магистра музыки , магистра искусств (в области музыковедения, теории музыки или другой музыкальной области), доктора философии (Ph.D.) (например, в области музыковедения или теории музыки), а в последнее время - Доктор музыкальных искусств , или DMA. Степень магистра музыки, на получение которой уходит от одного до двух лет, обычно присуждается студентам, изучающим игру на инструменте, обучение, голос (пение) или композицию. Степень магистра гуманитарных наук, для завершения которой требуется один-два года и часто требует диссертации , обычно присуждается студентам, изучающим музыковедение, историю музыки, теорию музыки или этномузыкологию.

Докторская степень, необходимая для студентов, которые хотят работать преподавателями университетов в области музыковедения, истории музыки или теории музыки, требует от трех до пяти лет обучения после получения степени магистра, в течение которых студент завершит курсы повышения квалификации и проведет исследования для диссертация. DMA - это относительно новая степень, которая была создана, чтобы предоставить полномочия профессиональным исполнителям или композиторам, которые хотят работать профессорами университетов в музыкальном исполнении или композиции. DMA занимает от трех до пяти лет после получения степени магистра и включает курсы повышения квалификации, проекты и выступления. В средние века изучение музыки было одним из квадривиумов семи гуманитарных наук и считалось жизненно важным для высшего образования. В рамках количественного квадривиума музыка, или, точнее говоря , гармоники , была исследованием рациональных пропорций.

Музыковедение

Музыковедение , академическое изучение предмета музыки, изучается в университетах и ​​консерваториях. Самые ранние определения из 19 века определяли три субдисциплины музыковедения: систематическое музыковедение , историческое музыковедение и сравнительное музыковедение или этномузыковедение . В 2010-эры науки, один, скорее всего, столкнуться разделение дисциплины в музыкальной теории , истории музыки и этномузыковедения . Исследования в области музыковедения часто обогащались междисциплинарной работой, например, в области психоакустики . Изучение музыки незападных культур и культурное изучение музыки называется этномузыкологией. Студенты могут продолжить обучение в бакалавриате по музыковедению, этномузыкологии, истории музыки и теории музыки через несколько различных типов степеней, включая степени бакалавра, магистра и доктора философии.

Теория музыки

Теория музыки - это изучение музыки, как правило, в очень технической манере вне других дисциплин. В более широком смысле это относится к любому изучению музыки, обычно связанного в той или иной форме с проблемами композиции, и может включать математику , физику и антропологию . На начальных классах теории музыки чаще всего преподают рекомендации по написанию в стиле общепринятой практики или тональной музыке . Теория, даже музыка периода обычной практики, может принимать множество других форм. Теория музыкальных множеств - это приложение математической теории множеств к музыке, впервые примененное к атональной музыке . Спекулятивная теория музыки , в отличие от аналитической теории музыки , посвящена анализу и синтезу музыкальных материалов, например систем настройки , как правило, для подготовки к композиции.

Зоомузыкология

Zoomusicology - это изучение музыки животных, не являющихся людьми, или музыкальных аспектов звуков, издаваемых животными. Как спросил Джордж Херцог (1941): "Есть ли у животных музыка?" Франсуа-Бернар маше 's Musique, Mythe, природа, НУ - ле - Dauphins d'Arion (1983), исследование "орнитофауны-музыковедение" , используя технику Николя Равет ' s языка сайта, Musique, poésie (1972) парадигматический анализ сегментации , показывает, что песни птиц организованы по принципу повторения-преобразования. Жан-Жак Наттиез (1990) утверждает, что «в конечном итоге именно человек решает, что является музыкальным, а что нет, даже если звук не человеческого происхождения. Если мы признаем, что звук не организован и не концептуализирован (то есть созданная для создания музыки) только ее продюсером, но умом, который ее воспринимает, тогда музыка уникальна для человека ».

Этномузыкология

На Западе большая часть изучаемой истории музыки связана с художественной музыкой западной цивилизации, известной как классическая музыка. История музыки в незападных культурах (« музыка мира » или область «этномузыкология»), которая обычно охватывает музыку из Африки и Азии, также преподается в западных университетах. Сюда входят задокументированные классические традиции азиатских стран, не находящихся под влиянием Западной Европы, а также народная или местная музыка различных других культур. Популярные или народные стили музыки в незападных странах широко варьировались от культуры к культуре и от периода к периоду. В разных культурах особое внимание уделялось различным инструментам , техникам, стилям пения и использованию музыки. Музыка использовалась для развлечений, церемоний, ритуалов, религиозных целей, а также для практического и художественного общения. Незападная музыка также использовалась в пропагандистских целях, как это было в случае с китайской оперой во время Культурной революции .

Существует множество музыкальных классификаций незападной музыки, многие из которых вовлечены в споры по поводу определения музыки . К числу наиболее значительных из них относится разделение между классической музыкой (или "художественной" музыкой) и популярной музыкой (или коммерческой музыкой, включая незападные стили рок, кантри и стили, связанные с поп-музыкой). Некоторые жанры не вписываются в одну из этих категорий «большой двойки» (например, народная музыка , музыка мира или музыка , связанная с джазом ).

По мере того как мировые культуры вошли в более глобальный контакт , их местные музыкальные стили часто сливались с другими стилями, что порождало новые стили. Например, Соединенные Штаты мятлик стиль содержит элементы из англо - ирландский , шотландский , ирландский, немецкие и африканские инструментальные и вокальные традиции, которые были в состоянии взрывателя в многонациональном „Соединенных Штатов плавильного котла “ общества. Некоторые типы мировой музыки содержат смесь незападных коренных стилей с элементами западной поп-музыки. Жанры музыки определяются как традициями и представлениями, так и самой музыкой. Некоторые произведения, как Джордж Гершвин «s Рапсодия в голубом , востребованы как джаз и классическая музыка, в то время как Гершвина Порги и Бесс и Леонард Бернстайн » s West Side Story востребованы как оперы и Бродвея музыкальной традиции. Многие текущие музыкальные фестивали незападной музыки включают группы и певцов определенного музыкального жанра, например мировой музыки.

Индийская музыка , например, является одним из старейших и наиболее давно существующих музыкальных жанров, и до сих пор широко звучит и исполняется в Южной Азии, а также во всем мире (особенно с 1960-х годов). В индийской музыке есть в основном три формы классической музыки: стили хиндустани , карнатик и друпад . Он также имеет большой репертуар стилей, который включает только ударную музыку, например, выступления талавадьи, известные в Южной Индии .

Терапия

Музыкальный терапевт из программы "Блюз в школах" играет на губной гармошке с моряком ВМС США в Центре военно-морской терапии.

Музыкальная терапия - это межличностный процесс, в котором квалифицированный терапевт использует музыку и все ее аспекты - физические, эмоциональные, умственные, социальные, эстетические и духовные - чтобы помочь клиентам улучшить или сохранить свое здоровье. В некоторых случаях потребности клиента удовлетворяются напрямую через музыку; в других случаях они решаются через отношения, которые развиваются между клиентом и терапевтом. Музыкальная терапия используется с людьми любого возраста и с различными состояниями, включая: психические расстройства, медицинские проблемы, физические недостатки, сенсорные нарушения, нарушения развития, проблемы со злоупотреблением психоактивными веществами, коммуникативные расстройства, межличностные проблемы и старение. Он также используется для улучшения обучения, повышения самооценки, снижения стресса, поддержки физических упражнений и облегчения множества других мероприятий, связанных со здоровьем. Музыкальные терапевты могут побуждать клиентов петь, играть на инструментах, сочинять песни или заниматься другой музыкальной деятельностью.

Одно из самых ранних упоминаний о музыкальной терапии было в трактате Аль-Фараби (ок. 872–950) « Смыслы интеллекта» , в котором описывалось терапевтическое воздействие музыки на душу . Музыка издавна использовалась, чтобы помочь людям справиться со своими эмоциями. В 17 веке ученый Роберт Бертон в своей работе « Анатомия меланхолии» утверждал, что музыка и танцы имеют решающее значение в лечении психических заболеваний , особенно меланхолии . Он отметил, что музыка обладает «прекрасной силой ... изгонять многие другие болезни», и назвал ее «суверенным лекарством от отчаяния и меланхолии». Он указал, что в «Античности» Канус, родосский скрипач, использовал музыку, чтобы «развеселить меланхолика,… любовника более влюбленного, а религиозного человека - более набожного». В Османской империи психические заболевания лечили музыкой. В ноябре 2006 года доктор Майкл Дж. Кроуфорд и его коллеги также обнаружили, что музыкальная терапия помогает пациентам с шизофренией .

Альберт Эйнштейн всю жизнь любил музыку (особенно произведения Баха и Моцарта ), однажды заявив, что жизнь без музыки для него немыслима. В некоторых интервью Эйнштейн даже приписывал большую часть своей научной интуиции музыке, а его сын Ганс рассказывал, что «всякий раз, когда он чувствовал, что подошел к концу пути или попал в трудную ситуацию в своей работе, он нашел прибежище в музыке, и это обычно разрешало все его трудности ». Что-то в музыке, по словам Микеле и Роберта Рут-Бернстайнов в « Психологии сегодня» , «направило бы его мысли в новых творческих направлениях». Было сказано, что Эйнштейн считал музыку Моцарта раскрывающей универсальную гармонию, которая, по мнению Эйнштейна, существовала во вселенной, «как будто великий Вольфганг Амадей вообще не« создавал »свою прекрасную чистую музыку, а просто обнаружил, что она уже сделана. примечательно параллели взглядам Эйнштейна на предельную простоту природы, ее объяснение и формулировку с помощью существенно простых математических выражений ». Обзор показывает, что музыка может быть эффективной для улучшения субъективного качества сна у взрослых с симптомами бессонницы. Музыка также используется в клинической реабилитации когнитивных и двигательных расстройств.

Смотрите также

Рекомендации

дальнейшее чтение

Внешние ссылки