Западная живопись - Western painting

« Девушка с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера (1665–1667), известная как Мона Лиза Севера.
Эдуард Мане " Балкон" (1868)
История искусства
Периоды
Регионы
Искусство Ближнего Востока

Искусство Азии

Искусство Европы

Искусство Африки

Искусство Америки

Искусство Австралии

Искусство Океании
Религии
Техники
Типы

История западной живописи представляет собой непрерывную, хотя и прерванную, традицию от античности до наших дней. До середины XIX века он был в первую очередь связан с изобразительными и классическими способами производства, после чего более современные , абстрактные и концептуальные формы приобрели популярность.

Первоначально служившая имперскому, частному, гражданскому и религиозному покровительству, западная живопись позже нашла публику среди аристократии и среднего класса. От средневековья до эпохи Возрождения художники работали для церкви и богатой аристократии. Начиная с эпохи барокко художники получали частные заказы от более образованного и зажиточного среднего класса. Идея « искусства ради искусства » начала находить выражение в творчестве художников- романтиков, таких как Франсиско де Гойя , Джон Констебл и Дж . М. У. Тернер . В 19 веке появились коммерческие галереи, которые продолжали оказывать покровительство и в 20 веке.

Западная живопись достигла своего апогея в Европе в эпоху Возрождения, в сочетании с изысканностью рисунка, использованием перспективы , амбициозной архитектурой, гобеленами , витражами , скульптурой и периодом до и после появления печатного станка . После глубины открытий и сложности нововведений эпохи Возрождения богатое наследие западной живописи продолжилось от периода барокко до современного искусства .

Предыстория

Смотрите также: Доисторическое искусство

История живописи восходит во время к артефактам из доисторических художников, и перегонов всех культур. Самые старые известные картины находятся в Grotte Chauvet во Франции. Некоторые историки утверждают, что им около 32000 лет. Они выгравированы и раскрашены с использованием красной охры и черного пигмента и изображают лошадей, носорогов, львов, буйволов, мамонтов или людей, часто охотящихся. Примеры наскальных рисунков есть по всему миру - во Франции, Индии, Испании, Португалии, Китае, Австралии и т. Д. В разных местах, где были обнаружены рисунки, есть много общих тем; подразумевая универсальность цели и сходство импульсов, которые могли вдохновить художников на создание образов. Были высказаны различные предположения относительно значения этих картин для художников, создавших их. Доисторические люди могли рисовать животных, чтобы «поймать» их душу или дух, чтобы легче было на них охотиться, или картины могут представлять анимистическое видение и дань уважения окружающей природе , или они могут быть результатом базовой потребности выражения, которая врожденные для людей, или они могут быть записями жизненного опыта художников и связанных историй от членов их круга.

Западная живопись

Основная статья: История живописи

Египет, Греция и Рим

Смотрите также: Древнее искусство

Древний Египет , цивилизация с сильными традициями архитектуры и скульптуры (изначально окрашенных в яркие цвета), имела много фресок в храмах и зданиях и рисовала иллюстрации на папирусных рукописях . Египетская настенная и декоративная роспись часто бывает графической, иногда скорее символической, чем реалистичной. В египетской живописи фигуры изображены жирным контуром и плоским силуэтом , симметрия которых является неизменной характеристикой. Египетская живопись имеет тесную связь с письменным языком - египетскими иероглифами . Раскрашенные символы встречаются среди первых форм письменного языка. Египтяне также рисовали на полотне , остатки которого сохранились до наших дней. Древние египетские картины сохранились благодаря чрезвычайно сухому климату. Древние египтяне создавали картины, чтобы сделать загробную жизнь умершего приятным местом. Темы включали путешествие по загробному миру или их защитных божеств, знакомящих мертвых с богами подземного мира. Некоторыми примерами таких картин являются изображения богов и богинь Ра , Гора , Анубиса , Нут , Осириса и Исиды . Некоторые рисунки на гробницах показывают действия, в которых умершие были вовлечены, когда были живы, и хотели заниматься этим вечно. В Новом Царстве и позже Книгу Мертвых хоронили вместе с погребенным. Это считалось важным знакомством с загробной жизнью.

К северу от Египта находилась минойская цивилизация на острове Крит . Настенные росписи Кносского дворца похожи на египетские, но имеют гораздо более свободный стиль.

Фреска, на которой изображены Аид и Персефона, едущие в колеснице , из гробницы царицы Македонской Эвридики I в Вергине , Греция, 4 век до н.э.

Около 1100 г. до н.э. племена с севера Греции завоевали Грецию, и ее искусство приняло новое направление. Культура Древней Греции примечательна своим выдающимся вкладом в изобразительное искусство. Живопись на керамике и керамике Древней Греции дает особенно информативный взгляд на то, как функционировало общество в Древней Греции. До сих пор существует множество прекрасных примеров чернофигурной и краснофигурной росписи ваз . Некоторые известные греческие художники, которые работали с деревянными панелями и упоминаются в текстах, это Апеллес , Зевксис и Парразий ; однако, за единственным исключением панелей Pitsa , не сохранились образцы древнегреческой живописи, только письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5 веке до нашей эры и, как говорят, был первым, кто использовал сфумато . По словам Плиния Старшего , реалистичность его картин была такова, что птицы пытались съесть нарисованный виноград. Апеллеса называют величайшим художником древности , который известен безупречной техникой рисования, ярким цветом и лепкой.

Римское искусство находилось под влиянием Греции и отчасти может считаться потомком древнегреческой живописи. Однако римская живопись обладает важными уникальными характеристиками. Сохранившиеся римские картины включают настенные росписи и фрески , многие из которых сделаны на виллах в Кампании , на юге Италии в таких местах, как Помпеи и Геркуланум . Такая живопись может быть сгруппирована в 4 основных стиля или периода и может содержать первые примеры тромп-л'иля , псевдоперспективы и чистого пейзажа. Почти единственные сохранившиеся живописные портреты античного мира - это большое количество гробов-портретов в форме бюста, найденных на позднеантичном кладбище Аль-Файюм . Хотя они не были ни лучшего периода, ни самого высокого качества, они впечатляют сами по себе и дают представление о качестве, которым должны были обладать лучшие древние работы. Сохранилось также очень небольшое количество миниатюр из позднеантичных иллюстрированных книг и гораздо большее количество их копий из периода раннего средневековья.

Средний возраст

Основные статьи: средневековое искусство , византийское искусство , иллюминированная рукопись , средневековье и темные века (историография)

Возникновение христианства придало другой дух и направленность стилям живописи. Византийское искусство , когда его стиль был установлен в VI веке, уделял большое внимание сохранению традиционной иконографии и стиля и постепенно развивался в течение тысячи лет Византийской империи и живых традиций греческой и русской православной иконописи . Византийская живопись имеет иератическое чувство, и иконы считались и до сих пор рассматриваются как представление божественного откровения. Были много фресок , но меньше из них сохранились , чем мозаики . Византийское искусство сравнивают с современной абстракцией в его плоскостности и сильно стилизованном изображении фигур и пейзажа. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемое македонское искусство примерно X века, более гибкие в подходе. В церкви Хора в Стамбуле сохранились фрески эпохи палеологического Возрождения начала 14 века .

Джотто

В постантичной католической Европе первым появившимся отличительным художественным стилем, который включал живопись, было островное искусство Британских островов, где единственными сохранившимися примерами являются миниатюры в иллюминированных рукописях, таких как Келлская книга . Они наиболее известны своим абстрактным декором, хотя также изображались фигуры, а иногда и сцены, особенно на портретах евангелистов . Каролингское и оттонское искусство также сохранилось в основном в рукописях, хотя сохранились некоторые настенные росписи, и еще больше задокументировано. Искусство этого периода сочетает в себе островные и «варварские» влияния с сильным византийским влиянием и стремлением восстановить классическую монументальность и уравновешенность.

Стены романских и готических церквей были украшены фресками, а также скульптурами, и многие из немногих оставшихся фресок имеют большую интенсивность и сочетают в себе декоративную энергию островного искусства с новой монументальностью в обработке фигур. Гораздо больше миниатюр в иллюминированных рукописях сохранилось от того периода, демонстрируя те же характеристики, что и в готический период .

Панельная живопись становится все более распространенной в романский период под сильным влиянием византийских икон. К середине 13 века средневековое искусство и готическая живопись стали более реалистичными, с началом интереса к изображению объема и перспективы в Италии с Чимабуэ, а затем его учеником Джотто . Начиная с Джотто, обработка композиции лучшими художниками также стала намного более свободной и новаторской. Они считаются двумя великими средневековыми мастерами живописи в западной культуре. Чимабуэ в византийской традиции использовал более реалистичный и драматический подход к своему искусству. Его ученик Джотто поднял эти нововведения на более высокий уровень, что, в свою очередь, заложило основы западной традиции живописи. Оба художника были пионерами в движении к натурализму.

В церквях строилось все больше и больше окон, а использование цветных витражей стало основным элементом декора. Один из самых известных примеров этого - собор Парижской Богоматери . К 14 веку западные общества стали богаче и культурнее, а художники нашли новых покровителей среди знати и даже среди буржуазии . Иллюминированные рукописи приобрели новый характер, и в их пейзажах были показаны стройные, модно одетые придворные женщины. Этот стиль вскоре стал известен как международный готический стиль и доминировал с 1375 по 1425 год, и все большее значение приобретали картины темперными панно и алтарь.

Возрождение и маньеризм

Основные статьи: Ренессанс живописи , итальянский Ренессанс живописи , Ранняя нидерландская живопись , голландской и фламандской живописи эпохи Возрождения , маньеризма и Ренессанса
Роберт Кампен - Алтарь Мерод , ок. 1427. Центральная панель L'Annonciation, автор Campin, боковые панели выполнены ассистентом.

Возрождение (по-французски «возрождение»), культурное движение, охватывающее примерно с 14 по середину 17 века, было движимо гуманизмом эпохи Возрождения и изучением классических источников. В живописи в 1420-х и 1430-х годах ведущие художники Италии и Нидерландов по отдельности разработали новые способы живописи, которые позволили картинам казаться более реалистичными, чем в работах известных художников, стиль которых называется международной готикой , или в некоторых странах. случаи как прото-ренессанс (в основном в Италии). Этот период, продолжавшийся примерно до 1495 года, получил название раннего Возрождения .

Во Фландрии, в Нидерландах, после достижений в области освещения рукописей , особенно братьев Лимбург , умерших в 1416 году, художники были очарованы материальным в видимом мире и начали изображать предметы чрезвычайно натуралистично. Принятие масляной живописи , первое использование которой на панно было традиционно, но ошибочно, приписано Яну ван Эйку , сделало возможным новое правдоподобие в изображении этого натурализма. Масляная краска уже присутствовала в работах Мельхиора Бродерлама (умершего в 1409 году), но Роберт Кампен (ранее известный как Мастер Флемаль ) и ван Эйк подняли его применение на новый уровень и использовали его, чтобы представить натурализм для которые они нацеливали. С помощью этой новой среды художники этого периода могли создавать более богатые цвета с глубокой интенсивной тональностью. Иллюзия сияющего света с фарфоровой отделкой характеризовала раннюю нидерландскую живопись и была основным отличием от матовой поверхности темперной краски, используемой в Италии.

Фра Анджелико , 1425–1428 гг.

В отличие от итальянцев, чьи работы в значительной степени основывались на искусстве Древнего Рима, северяне сохранили стилистический остаток скульптуры и иллюминированных рукописей средневековья (особенно его натурализма). Другим важным голландским художником этого периода был Рогир ван дер Вейден , ученик Кампена, чьи композиции подчеркивали человеческие эмоции и драму, продемонстрированные, например, в его картине «Снятие с креста» , которая входит в число самых известных произведений XV века и является самой известной. самая влиятельная нидерландская картина распятия Христа. Другими важными художниками были Хуго ван дер Гус (чьи работы имели большое влияние в Италии), Диерик Баутс (который был одним из первых северных художников, продемонстрировавших использование единой точки схода), Петрус Кристус , Ганс Мемлинг и Жерар Давид . В совокупности достижения в живописи в Европе к северу от Альп известны как Северное Возрождение .

В итальянской живописи эпохи Возрождения искусство классической античности вдохновило стиль живописи, подчеркивающий идеал. Мазаччо приписывают успехи в линейной перспективе, изображении объема в своих фигурах и в изображении эмоций на лицах своих фигур в 1420-х годах. Затем художники, такие как Паоло Уччелло , Фра Анджелико , Пьеро делла Франческа , Андреа Мантенья , Филиппо Липпи и Сандро Боттичелли , в период раннего Возрождения, продолжавшийся примерно до 1495 года, а затем Леонардо да Винчи , Микеланджело Буонарроти и Рафаэль во время Высокого Возрождения. примерно с 1495 по 1520 год поднял живопись на более высокий уровень благодаря использованию перспективы , изучению анатомии и пропорций человека и развитию беспрецедентной утонченности в рисовании и технике живописи. Несколько более натуралистический стиль Высокого Возрождения возник в Венеции . Художники венецианской школы , такие как Джованни Беллини , Джорджоне , Тициан и Веронезе , меньше заботились о точности своего рисунка, чем о богатстве цвета и единстве эффекта, которого можно было достичь с помощью более спонтанного подхода к живописи.

Фламандские, голландские и немецкие художники Северного Высокого Возрождения, такие как Альбрехт Дюрер , Лукас Кранах , Маттиас Грюневальд и Ганс Гольбейн Младший, использовали другой подход, чем их итальянские коллеги, более реалистичный и менее идеализированный. Некоторые северные художники, начиная с Дюрера в 1490-х годах, отправились в Италию, чтобы увидеть произведения итальянского Высокого Возрождения, и они в той или иной степени включили особенности итальянского искусства в свои собственные. Спустя поколение жанровая живопись как тема для крупных произведений началась с Питера Аэрцена и Питера Брейгеля . Более позднее поколение художников Северного Возрождения, которые путешествовали в Рим и переняли большую часть идеализированного подхода итальянского Возрождения, стали известны как католики .

Тициан , 1520–1523 гг.

Живопись эпохи Возрождения отражает революцию идей и науки ( астрономии , географии ), произошедшую в этот период, Реформацию и изобретение печатного станка . Печать становилась все более важной и практиковалась многими художниками. Дюрер, считающийся одним из величайших мастеров гравюры, утверждает, что художники - не просто ремесленники, но и мыслители . С развитием станковой живописи в эпоху Возрождения живопись обрела независимость от архитектуры. Станковые картины - подвижные картины, которые можно было легко повесить на стены, - стали популярной альтернативой картинам, прикрепленным к мебели, стенам или другим конструкциям. После столетий преобладания религиозных образов светская тематика постепенно вернулась в западную живопись. Художники включали в свои картины видения окружающего мира или продукты собственного воображения. Те, кто мог позволить себе расходы, могли стать покровителями и заказать портреты себя или своей семьи.

Высокое Возрождение в Италии привело к стилизованному искусству , известное как маньеризм после 1520, хотя некоторые художники, таких как Тициан и Паоло Веронез , продолжали писать в стиле Высокого Возрождения до позднего века. Вместо уравновешенных композиций и рационального подхода к перспективе, которые характеризовали искусство на заре XVI века, маньеристы искали нестабильность, уловку и сомнения. Спокойные Девы Рафаэля и безмятежные выражения лиц Леонардо сменяются тревожным выражением лица Понтормо и эмоциональной напряженностью Эль Греко . Беспокойные и нестабильные композиции, часто экстремальные или дизъюнктивные эффекты перспективы и стилизованные позы характерны для итальянских маньеристов, таких как Тинторетто , Понтормо и Бронзино , и позже появились в работах северных маньеристов, таких как Хендрик Гольциус , Бартоломеус Шпрангер и Иоахим Втевал. .

Барокко и рококо

Основные статьи: барокко , живопись в стиле барокко , рококо , квадратура , голландская живопись золотого века и фламандская живопись в стиле барокко

Живопись в стиле барокко связана с культурным движением барокко, движением , которое часто отождествляется с абсолютизмом и контрреформацией или католическим возрождением; Однако существование важной живописи в стиле барокко в неабсолютистских и протестантских государствах также подчеркивает ее популярность, поскольку стиль распространился по всей Западной Европе.

Живопись в стиле барокко характеризуется большой драматичностью, богатым, глубоким цветом и интенсивными светлыми и темными тенями с целью вызвать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения. Самыми ранними художниками эпохи барокко были братья Караччи, Аннибале и Агостино в последней десятке XVI века и Караваджо в последнее десятилетие века. Караваджо признан одним из величайших художников эпохи барокко и наследником гуманистической живописи Высокого Возрождения . Его реалистичный подход к человеческой фигуре, нарисованной прямо с натуры и эффектно освещенной на темном фоне, шокировал современников и открыл новую главу в истории живописи. Барокко было доминирующим стилем живописи с 1600 года по 17 век. Среди величайших художников эпохи барокко является Рубенс , Веласкес , Рембрандт , Франс Халс , Johannes Vermeer , Ленен , Рибера , Пуссен , тур , и Клод Лоррэйн , который сосредоточился на пейзажной живописи. Пуссен, Клод и Ла Тур, все французы, переняли «классический» стиль барокко, уделяя меньше внимания эмоциям и большему вниманию к очертаниям фигур на картине, чем к цвету. Большинство этих художников отправились в Италию в рамках своего обучения, а затем вернули стиль барокко на свою родину, хотя в некоторых случаях они оставались в Италии на протяжении значительной части своей карьеры (Клод и Пуссен). В Италии стиль барокко воплощен в религиозных и мифологических картинах великих художников, таких как Карраччи , Гвидо Рени и Лука Джордано . Иллюзионистские фрески потолка церкви Пьетро да Кортона словно открывались в небо.

Рембрандт ван Рейн , Еврейская невеста , ок. 1665–1669

Гораздо более спокойный тип барокко возник в Голландской республике , где станковые картины повседневных предметов были популярны среди коллекционеров среднего класса, и многие художники стали специалистами в жанрах , другие - в пейзажах, морских пейзажах или натюрмортах. Вермеер, Жерар тер Борх и Питер де Хох внесли большую техническую изысканность в живопись домашних сцен, как и Виллем Клас. Хеда до натюрморта. Напротив, Рембрандт преуспел в рисовании всех типов предметов и разработал индивидуальный живописный стиль, в котором светотень и темный фон, заимствованные из Караваджо и Утрехтских караваджистов, теряют свое театральное качество. Живопись голландского барокко часто называют живописью голландского золотого века .

В 18 веке живопись рококо стала более светлым продолжением барокко, часто легкомысленным и эротичным, с использованием светлых пастельных тонов. Рококо впервые развился в декоративном искусстве и дизайне интерьеров во Франции. Преемственность Людовика XV внесла изменения в придворных художников и в общей художественной моде. 1730-е годы представляли собой пик развития рококо во Франции, примером которого являются работы Антуана Ватто и Франсуа Буше . Рококо по-прежнему сохранял вкус барокко к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал объединять множество разнообразных характеристик, включая вкус к восточному дизайну и асимметричным композициям.

Стиль рококо распространился французскими художниками и гравированными изданиями. Его с радостью приняли в католических частях Германии, Богемии и Австрии, где он был смешан с живыми традициями немецкого барокко. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось к церквям и дворцам, особенно на юге, в то время как фредериканское рококо развивалось в Королевстве Пруссия .

Французские мастера Ватто , Буше и Фрагонар представляют стиль, а также Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист-Симеон Шарден , которого некоторые считают лучшим французским художником XVIII века - анти-рококо . Портретная живопись была важным компонентом живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидерами были Уильям Хогарт в стиле резкого реализма и Фрэнсис Хейман , Анжелика Кауфман (которая была швейцаркой), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс в более лестных стилях. под влиянием Энтони ван Дейка . Во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грёз (любимый художник Дени Дидро ) преуспел в портретах и исторических картинах , а Морис Квентин де Ла Тур и Элизабет Виже-Лебрен были выдающимися художниками-портретистами . Ла Тур специализировался на пастельной живописи, которая стала популярной в этот период.

Уильям Хогарт помог разработать теоретические основы красоты в стиле рококо. Хотя и не ссылаясь намеренно на движение, он утверждал в своем « Анализе красоты» (1753 г.), что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме ). . Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие деятели, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали критиковать поверхностность и вырождение искусства. Блондель осуждает «смехотворное нагромождение ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах.

К 1785 году рококо вышло из моды во Франции, его сменили порядок и серьезность неоклассических художников, таких как Жак-Луи Давид , чьи внушительные исторические картины, изображающие как исторические, так и современные события, воплощали идеалы Французской революции .

XIX век: неоклассицизм, историческая живопись, романтизм, импрессионизм, постимпрессионизм, символизм

Основные статьи: неоклассицизм , историческая живопись , романтизм , импрессионизм , постимпрессионизм и символизм

После рококо в конце 18 века возник в архитектуре, а затем и в живописи суровый неоклассицизм , лучше всего представленный такими художниками, как Давид и его наследник Энгр . В творчестве Энгра уже есть много чувственности, но никакой спонтанности, характерной для романтизма .

К середине 19 века художники освободились от требований своего покровительства и стали изображать только сцены из религии, мифологии, портретной живописи или истории. Искусство стало более чистым средством личного выражения в работах таких художников, как Франсиско де Гойя , Джон Констебл и Дж . М. У. Тернер . Художники-романтики превратили пейзажную живопись в большой жанр, который до этого считался второстепенным или декоративным фоном для фигурных композиций. Некоторые из крупнейших художников этого периода - Эжен Делакруа , Теодор Жерико , Дж. М. У. Тернер, Каспар Давид Фридрих и Джон Констебль. В конце работы Франсиско Гойи демонстрирует Романтичный интерес к иррациональному, работа Арнольда Беклин вызывает тайны, работа прерафаэлитов Братства в Англии сочетает в себе усердная преданность природе с ностальгией по средневековой культуре, а также картины Эстетическое движение художника Джеймса Эббота Макнил Уистлер ассоциируется с изысканностью, декадансом и философией «искусство ради искусства». В Соединенных Штатах романтическая традиция пейзажной живописи была известна как школа реки Гудзон : экспонентами являются Томас Коул , Фредерик Эдвин Черч , Альберт Бирштадт , Томас Моран и Джон Фредерик Кенсетт . Люминизм - это направление в американской пейзажной живописи, связанное со школой реки Гудзон.

Йохан Йонгкинд , 1871 год, прообраз импрессионизма.

Основной силой в свою очередь , к реализму в середине века Гюстав Курбе , чьи unidealized картины простых людей обидел зрителей , привыкших к обычному предмету и лизнул отделки из академического искусства , но вдохновил многих молодых художников. Ведущий художник барбизонской школы Жан-Франсуа Милле также писал пейзажи и сцены крестьянской жизни. С барбизонской школой слабо ассоциировался Камиль Коро , писавший как в романтическом, так и в реалистическом ключе; его работы являются прообразом импрессионизма , как и картины Йохана Йонгкинда и Эжена Будена (который был одним из первых французских пейзажистов, которые рисовали на открытом воздухе). Буден оказал большое влияние на молодого Клода Моне , которого в 1857 году он познакомил с пленэрной живописью.

Во второй трети века импрессионисты, такие как Эдуард Мане , Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар , Камиль Писсарро , Альфред Сислей , Берта Моризо , Мэри Кассат и Эдгар Дега, работали в более прямом подходе, чем ранее выставлялись публично. Они отказались от аллегории и повествования в пользу индивидуализированных ответов на современный мир, иногда нарисованных с небольшим предварительным изучением или без него, полагаясь на ловкость рисунка и высокую хроматическую палитру. Моне, Писсарро и Сислей использовали пейзаж в качестве основного мотива, быстротечность света и погоды играли важную роль в их работах. Следуя практике, которая становилась все более популярной к середине века, они часто вместе отправлялись в сельскую местность, чтобы рисовать на открытом воздухе, но не для традиционной цели создания эскизов, которые затем превращались в тщательно законченные работы в студии. Рисуя при солнечном свете прямо с натуры и смело используя яркие синтетические пигменты, которые стали доступны с начала века, они разработали более легкую и яркую манеру рисования.

Эдвард Мунк , 1893 год, ранний пример экспрессионизма

Мане, Дега, Ренуар, Моризо и Кассат сосредоточили свое внимание прежде всего на человеке. И Мане, и Дега переосмыслили классические образные каноны в современных ситуациях; в случае Мане переосмысление было встречено враждебной общественностью. Ренуар, Моризо и Кассат обратились к домашней жизни за вдохновением, а Ренуар сосредоточился на женской обнаженной натуре. В то время как Сислей наиболее строго придерживался оригинальных принципов импрессионистского восприятия пейзажа, Моне искал проблемы во все более цветных и изменчивых условиях, кульминацией которых стала серия монументальных работ « Водяные лилии», написанные Живерни .

Постимпрессионисты, такие как Поль Сезанн и немного моложе Винсент Ван Гог , Поль Гоген и Жорж-Пьер Сёра, привели искусство к краю модернизма . Для Гогена импрессионизм уступил место личному символизму. Сёра превратил сломанный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, структурированное на фризовых композициях. Техника живописи, которую он разработал, называемая дивизионизмом , привлекла многих последователей, таких как Поль Синьяк , и в течение нескольких лет в конце 1880-х годов Писсарро перенял некоторые из его методов. Бурный метод нанесения краски Ван Гога в сочетании с звучным использованием цвета предсказал экспрессионизм и фовизм , а Сезанн, желавший объединить классическую композицию с революционной абстракцией природных форм, стал бы предшественником искусства 20-го века. .

Очарование импрессионизма ощущалось во всем мире, в том числе в Соединенных Штатах, где он стал неотъемлемой частью живописи американских импрессионистов, таких как Чайльд Хассам , Джон Генри Твахтман и Теодор Робинсон . Это также оказало влияние на художников, которые не были импрессионистами в теории, таких как портретист и пейзажист Джон Сингер Сарджент . В то же время в Америке на рубеже 20-го века существовал местный и почти островной реализм, который богато воплощен в фигуративных работах Томаса Икинса , Школы Ашкана , а также в пейзажах и морских пейзажах Уинслоу Гомера , все картины которого были глубоко вложены в твердость природных форм. Призрачный пейзаж, мотив, во многом зависящий от двусмысленности ноктюрна, нашел своих защитников в лице Альберта Пинхэма Райдера и Ральфа Альберта Блейклока .

В конце 19-го века также было несколько довольно непохожих групп художников-символистов, чьи работы находили отклик у молодых художников 20-го века, особенно у фовистов и сюрреалистов . Среди них были Гюстав Моро , Одилон Редон , Пьер Пюви де Шаванн , Анри Фантен-Латур , Арнольд Бёклин , Фердинанд Ходлер , Эдвард Мунк , Фелисьен Ропс , Ян Тороп и Густав Климт , а также русские символисты, такие как Михаил Врубель .

Художники-символисты копили мифологию и образы снов для визуального языка души, ища вызывающие воспоминания картины, которые напоминали статичный мир тишины. Символы, используемые в символизме, не являются знакомыми символами господствующей иконографии, а являются очень личными, частными, неясными и двусмысленными отсылками. Художники-символисты, скорее философия, чем настоящий стиль искусства, повлияли на современное движение ар-нуво и Les Nabis . В своем исследовании сказочных предметов художники-символисты встречаются через века и культуры, как и сегодня; Бернар Дельвай описал сюрреализм Рене Магритта как «Символизм плюс Фрейд ».

20 век

Основная статья: Западная живопись 20-го века
Фернан Леже , 1919, синтетический кубизм , тубизм

Наследие таких художников, как Ван Гог , Сезанн , Гоген и Сёра, имело важное значение для развития современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисс и несколько других молодых художников, включая докубистов Жоржа Брака , Андре Дерен , Рауля Дюфи и Мориса де Вламинка, произвели революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и рисунки. что критики назвали фовизмом . Вторая версия Анри Матисса « Танец» знаменует собой ключевой момент в его карьере и развитии современной живописи. Он отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивным искусством : насыщенные теплые цвета на холодном сине-зеленом фоне и ритмичная последовательность танцующих обнаженных тел передают чувство эмоционального раскрепощения и гедонизма . Пабло Пикассо создал свои первые кубистические картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображение природы можно свести к трем твердым телам: кубу , сфере и конусу . В картине Les Demoiselles d'Avignon (1907) Пикассо создал новую и радикальную картину, изображающую сцену публичного дома с пятью проститутками, сильно раскрашенными женщинами, напоминающую маски африканских племен и его собственные кубистские изобретения. Кубизм был совместно разработан примерно с 1908 по 1912 год Пабло Пикассо и Жоржем Браком , чья скрипка и подсвечник, Париж (1910), показаны здесь. Первое явное проявление кубизма практиковали Брак, Пикассо, Жан Метцингер , Альбер Глез , Фернан Леже , Анри Ле Фоконье и Робер Делоне . Вскоре к ним присоединились Хуан Грис , Марсель Дюшан , Александр Архипенко , Джозеф Чаки и другие. Синтетический кубизм , практикуемый Браком и Пикассо, характеризуется введением различных текстур, поверхностей, элементов коллажа , папье-колле и большого разнообразия объединенных предметов.

Осенний Салон 1905 года принес известность и внимание к работам Анри Матисса и фовистов . Группа получила свое название после того, как критик Луи Вокселлес описал свою работу фразой « Donatello chez les fauves» («Донателло среди диких зверей»), противопоставляя картины скульптуре в стиле эпохи Возрождения, которая делила с ними комнату. Сцена в джунглях «Голодный лев бросается на антилопу » Анри Руссо (который не был фовистом) висела рядом с работами Матисса и, возможно, послужила источником саркастического термина, используемого в прессе. Комментарий Вокселя был напечатан 17 октября 1905 года в ежедневной газете Gil Blas и стал широко использоваться.

В первые два десятилетия 20-го века и после кубизма возникло несколько других важных движений; Футуризм ( Балла ), Абстрактное искусство ( Кандинский ) Der Blaue Reiter (Кандинский и Франц Марк ), Баухаус (Кандинский и Клее ), Орфизм ( Делоне и Купка ), Синхромизм ( Рассел ), Де Стиджл ( Ван Дусбург и Мондриан ), Супрематизм ( Малевич ), конструктивизм ( Татлин ), дадаизм ( Дюшан , Пикабиа и Арп ) и сюрреализм ( де Кирико , Андре Бретон , Миро , Магритт , Дали и Эрнст ). Современная живопись повлияла на все изобразительное искусство, от модернистской архитектуры и дизайна до авангардного кино, театра и современного танца, и стала экспериментальной лабораторией для выражения визуального опыта, от фотографии и конкретной поэзии до рекламного искусства и моды.

Фовизм, Der Blaue Reiter, Die Brücke

Основные статьи: фовизм , Der Blaue Reiter и Die Brücke

Фовизм была свободная группировкой художников начала двадцатого века , чьи работы подчеркивали живописность качества, а также творческое использование глубокого цвета на репрезентативных значения. Лидерами движения были Анри Матисс и Андре Дерен - своего рода дружелюбные соперники, каждый со своими последователями. В конечном счете Матисс стал янь к Пикассо «s инь в 20 - м веке. Художники- фовисты включали Альберта Марке , Шарля Камуана , Мориса де Вламинка , Рауля Дюфи , Отона Фриеса , голландского художника Кеса ван Донгена и партнера Пикассо по кубизму, Жоржа Брак и других.

У фовизма не было конкретных теорий, и он просуществовал недолго, начиная с 1905 года и заканчивая 1907 годом. У них было всего три выставки. Матисс считался лидером движения из-за его старшинства в возрасте и предшествующего самоутверждения в академическом мире искусства. Его портрет г-жи 1905 года. «Зеленая полоса» Матисса произвела фурор в Париже, когда была впервые представлена. Он сказал, что хочет создавать искусство, которое восхищает, и можно сказать, что его использование ярких цветов пытается сохранить безмятежность композиции. В 1906 году по предложению своего дилера Амбруаз Воллар , Андре Дерен отправился в Лондон , и выпустил серию картин , включая Чаринг Кросс Бридж, Лондон в фовизма стиля, перефразируя знаменитую серию со стороны импрессионистов художником Клода Моне .

К 1907 году фовизм больше не был шокирующим новым движением, и Аполинер сказал о Матиссе в статье, опубликованной в La Falange : «Мы здесь не в присутствии экстравагантных или экстремистских начинаний: искусство Матисса в высшей степени разумно».

Die Brücke - группа немецких художников- экспрессионистов, сформированная в Дрездене в 1905 году. Основателями были Фриц Блейль , Эрих Хекель , Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуф . Позже в состав входили Макс Пехштейн и Отто Мюллер . Эта основополагающая группа оказала большое влияние на эволюцию современного искусства в 20-м веке и создала стиль экспрессионизма .

Der Blaue Reiter было немецким движением, существовавшим с 1911 по 1914 год и являвшимся основополагающим для экспрессионизма. Василий Кандинский , Франц Марк , Август Макке , Алексей фон Явленский , чья психически выразительная картина русского танцора Портрет Александра Сахарова (1909 г.) представлена ​​здесь, Марианна фон Верефкин , Лионель Фейнингер и другие основали группу Der Blaue Reiter в ответ на отказ от картины Кандинского « Страшный суд» с выставки. В Der Blaue Reiter не было центрального художественного манифеста, но он был сосредоточен вокруг Кандинского и Марка. Также были задействованы художники Габриэле Мюнтер и Пауль Клее . Название движения происходит от картины Кандинского 1903 года . Для Кандинского синий - это цвет духовности: чем темнее синий, тем больше он пробуждает в людях стремление к вечному.

Экспрессионизм, Символизм, Американский модернизм, Баухаус

Основные статьи: экспрессионизм , символизм (искусство) , американский модернизм , модернизм и Баухаус

Экспрессионизм и символизм - это широкие рубрики, которые включают несколько связанных движений в живописи 20-го века, которые доминировали в большей части авангардного искусства, создаваемого в Западной, Восточной и Северной Европе. Экспрессионистские работы были написаны в основном между Первой и Второй мировой войнами, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Фовизм , Die Brücke и Der Blaue Reiter - три из самых известных групп художников-экспрессионистов и символистов. Картина Марка Шагала « Я и деревня» рассказывает автобиографическую историю, в которой исследуются отношения между художником и его происхождением с помощью лексики художественного символизма. Густав Климт , Эгон Шиле , Эдварда Мунка , Эмиль Нольде , Хаим Сутин , Джеймс Энсор , Оскар Кокошка , Эрнст Людвиг Кирхнер , Макс Бекман , Франц Марк , Жорж Руо , Амедео Модильяни , и некоторые американцы за границей , такие как Марсден Хартли и Стюарт Дэвис , были считаются влиятельными художниками-экспрессионистами. Хотя Альберто Джакометти в первую очередь считается скульптором-сюрреалистом, он также писал яркие экспрессионистские картины.

Американские художники в период между Первой и Второй мировыми войнами стремились ехать в Европу за признанием. Художники- модернисты, такие как Марсден Хартли, Патрик Генри Брюс , Джеральд Мерфи и Стюарт Дэвис, заработали репутацию за рубежом. В то время как Патрик Генри Брюс создавал в Европе картины, связанные с кубизмом , Стюарт Дэвис и Джеральд Мерфи создавали картины, которые были ранними источниками вдохновения для американского поп-арта, а Марсден Хартли экспериментировал с экспрессионизмом. В течение 1920-х годов фотограф Альфред Штиглиц выставлял Джорджию О'Киф , Артура Дава , Альфреда Генри Маурера , Чарльза Демута , Джона Марина и других художников, включая европейских мастеров Анри Матисса, Огюста Родена, Анри Руссо, Поля Сезанна и Пикассо, в его Нью-Йорке. Галерея 291 . В Европе такие мастера, как Анри Матисс и Пьер Боннар, продолжали развивать свои повествовательные стили независимо от каких-либо движений.

Пионеры абстракции

Пит Мондриан , "Композиция № 10" 1939–1942, Де Стейл

Василия Кандинского принято считать одним из первых значительных художников современного абстрактного искусства . Будучи ранним модернистом , он, как и современные оккультисты и теософы , теоретизировал , что чистая визуальная абстракция имеет следствием вибрации со звуком и музыкой. Они утверждали, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его самые ранние абстракции обычно назывались примером в Композиции VII , что связано с творчеством композиторов музыки. Кандинский включил многие из своих теорий об абстрактном искусстве в свою книгу « О духовном в искусстве» . Среди других крупных пионеров ранней абстракции - шведская художница Хильма аф Клинт , русский художник Казимир Малевич и швейцарский художник Пауль Клее . Робер Делоне был французским художником, связанным с орфизмом (что напоминает связь между чистой абстракцией и кубизмом). Его ключевой вклад в абстрактную живопись связан с его смелым использованием цвета и его экспериментами как с глубиной, так и с тоном.

Дадаизм и сюрреализм

Марсель Дюшан приобрел международную известность после проведения в 1913 году Нью-Йоркской оружейной выставки, где его картина «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» № 2 стала знаменитой. Впоследствии он создал «Невесту, обнаженную голой» холостяками «Даже , большое стекло» . Большое стекло протолкнул искусство живописи к радикальным новым пределам , являющийся частью картины, часть коллажа, часть строительства. Дюшан (который вскоре отказался от искусства ради шахмат) стал тесно связан с движением Дада, которое началось в нейтральном Цюрихе, Швейцария , во время Первой мировой войны и достигло своего пика с 1916 по 1920 год. Движение в основном касалось изобразительного искусства, литературы (поэзия, художественные манифесты) , теория искусства), театр и графический дизайн, чтобы продвигать свою антивоенную политику и отвергать преобладающие стандарты в искусстве с помощью антиискусственных культурных работ. К другим художникам, связанным с движением Дада, относятся Фрэнсис Пикабиа , Ман Рэй , Курт Швиттерс , Ханна Хёх , Тристан Цара , Ганс Рихтер , Жан Арп и Софи Тойбер-Арп . Дюшан и несколько дадаистов также связаны с сюрреализмом, движением, которое доминировало в европейской живописи в 1920-х и 1930-х годах.

Марсель Дюшан , Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 , 1912 год, Художественный музей Филадельфии.

В 1924 году Андре Бретон опубликовал « Манифест сюрреализма» . Сюрреалистическое движение в живописи стало синонимом авангарда и признаков художников , чьи работы отличались от абстрактного к супер-реалисту. Создавая такие работы на бумаге, как « Быстро поворачивается машина» , Франсис Пикабиа продолжал свое участие в движении Дада до 1919 года в Цюрихе и Париже, прежде чем оторваться от него после того, как проявил интерес к сюрреалистическому искусству. Ив Танги , Рене Магритт и Сальвадор Дали особенно известны своими реалистичными изображениями сновидений и фантастическими проявлениями воображения. В 1920-е годы работы Андре Массона сыграли решающую роль в том, чтобы помочь молодому художнику Жоану Миро найти корни в сюрреалистической живописи. «Возделываемое поле» Миро (1923–1924) граничит с абстракцией, предлагая комплекс объектов, фигур и аранжировок сексуально активных персонажей; это был первый сюрреалистический шедевр Миро . Жоан Миро, Жан Арп, Андре Массон и Макс Эрнст были очень влиятельными людьми, особенно в Соединенных Штатах в 1940-х годах.

Макс Эрнст, чья картина 1920 года « Самолет-убийца» изображена здесь, изучал философию и психологию в Бонне и интересовался альтернативными реальностями, с которыми сталкиваются безумцы. Его картины, возможно, были вдохновлены исследованием психоаналитика Зигмунда Фрейда иллюзий параноика Даниэля Пола Шребера. Фрейд определил фантазию Шребера о том, чтобы стать женщиной, как комплекс кастрации . Центральное изображение двух пар ног отсылает к гермафродитическим желаниям Шребера. Надпись Эрнста на обратной стороне картины гласит: Картина любопытна своей симметрией. Два пола уравновешивают друг друга.

На протяжении 1930-х годов сюрреализм продолжал становиться все более заметным для широкой публики. Группа сюрреалистов развивалась в Великобритании, и, по словам Бретона, их Лондонская международная выставка сюрреалистов в 1936 году стала кульминацией того периода и стала образцом для международных выставок. Группы сюрреалистов в Японии, особенно в Латинской Америке, Карибском бассейне и Мексике, создавали новаторские и оригинальные работы. Другие известные художники - сюрреалисты включают Джорджо де Кирико , Meret Оппенгейм , Tøyen , Мишонц , Роберто Матта , Кей Сейдж , Леонора Каррингтон , Доротеи Солярии и Леонор Фини .

Neue Sachlichkeit, Социальный реализм, регионализм, Американская сюжетная живопись, Символизм

В течение 1920-х и 1930-х годов и Великой депрессии для европейской арт-сцены были характерны сюрреализм, поздний кубизм, Баухаус , Де Стидж , Дада, Neue Sachlichkeit и экспрессионизм; и был занят искусными художниками- модернистами- колористами, такими как Анри Матисс и Пьер Боннар .

Макс Бекманн , Ночь (Die Nacht) , 1918–1919, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Дюссельдорф

В Германии Neue Sachlichkeit («Новая объективность») возникла, когда Макс Бекманн , Отто Дикс , Джордж Гросс и другие политизировали свои картины. Работы этих художников выросли из экспрессионизма, были ответом на политическую напряженность Веймарской республики и часто были резко сатирическими.

В течение 1930-х годов радикальная левая политика характеризовала многих художников, связанных с сюрреализмом, включая Пабло Пикассо . 26 апреля 1937 года, во время гражданской войны в Испании , баскский город Герника стал местом " бомбардировки Герники " легионом Кондор люфтваффе нацистской Германии. Немцы атаковали, чтобы поддержать усилия Франсиско Франко по свержению баскского правительства и испанского республиканского правительства. Пабло Пикассо написал свою фреску размером с Гернику, чтобы увековечить ужасы бомбежек.

Пабло Пикассо , 1937, Герника , протест против фашизма

Герника - это огромная черно-белая фреска высотой 3,5 метра (11 футов) и шириной 7,8 метра (23 фута), написанная маслом. На фреске изображены сцены смерти, насилия, жестокости, страдания и беспомощности, но не показаны их непосредственные причины. Выбор рисования в черно-белом цвете вызывает непосредственность газетной фотографии. Впервые картина была выставлена ​​в Париже в 1937 году, затем в Скандинавии и Лондоне, а в 1939 году по просьбе Пикассо картина была отправлена ​​в Соединенные Штаты в виде расширенной ссуды (на хранение) в MoMA . Наконец, в соответствии с желанием Пикассо подарить картину народу Испании, в 1981 году она была отправлена ​​в Испанию.

Начиная с Великой депрессии 1930-х годов и до Второй мировой войны, американское искусство характеризовалось социальным реализмом и американской сценографией . Движения регионализма , содержащие как политические, так и социальные комментарии, доминировали в мире искусства в США. Известными стали такие художники, как Бен Шан , Томас Харт Бентон , Грант Вуд , Джордж Тукер , Джон Стюарт Карри , Реджинальд Марш и другие.

«Американская готика» - это картина Гранта Вуда 1930 года. Изображающая фермера с вилами и молодую женщину перед домом в готическом стиле Карпентера - одно из самых известных образов в американском искусстве 20-го века. Искусствоведы предположили, что это было сатирическим по замыслу; она считается частью тенденции к более критическому изображению сельской Америкипримере Шервуд Андерсон «s 1919 Уайнсбурга, штат Огайо , Синклер Льюис » 1920 Main Street , и Карлы Ван Вехтенна «s Татуированный графином в литературе. Однако с началом Великой депрессии картина стала рассматриваться как изображение стойкого американского первопроходца.

Возрождение искусства в Латинской Америке включало уругвайского художника Хоакина Торреса Гарсиа , мексиканского художника Руфино Тамайо , художников мексиканского движения монументалистов, таких как Диего Ривера , Давид Сикейрос , Хосе Ороско , Педро Нель Гомес и Сантьяго Мартинес Дельгадо , а также символиста Сантьяго Мартинеса Дельгадо. художница Фрида Кало . Муралисты передали исторические и политические послания. Диего Ривера, пожалуй, наиболее известен широкой публике благодаря своей фреске 1933 года « Человек на перекрестке» в вестибюле здания RCA в Рокфеллер-центре . Когда его покровитель Нельсон Рокфеллер обнаружил, что фреска включает портрет Ленина и другие коммунистические образы, он уволил Риверу, и незаконченная работа была в конечном итоге уничтожена сотрудниками Рокфеллера.

Работы Фриды Кало относятся к сюрреализму и движению магического реализма в литературе. Ее работы часто характеризуются резким изображением боли. Из 143 ее картин 55 - автопортреты, часто содержащие символические изображения ее физических и психологических ран.

Абстрактный экспрессионизм

Джексон Поллок , Голубые полюса , 1952, Национальная галерея Австралии

1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактного экспрессионизма , движения, которое объединило уроки, извлеченные европейскими модернистами через великих американских учителей, таких как Ганс Хофманн и Джон Д. Грэм . Американские художники извлекли пользу из присутствия Пита Мондриана , Фернана Леже , Макса Эрнста и группы Андре Бретона , галереи Пьера Матисса и галереи Пегги Гуггенхайм « Искусство этого века» , а также других факторов.

Барнетт Ньюман , Onement 1, 1948. В 1940-х годах Барнетт Ньюман написал несколько статей о новой американской живописи.

Американская живопись после Второй мировой войны под названием «Абстрактный экспрессионизм» включала таких художников, как Джексон Поллок , Виллем де Кунинг , Аршил Горки , Марк Ротко , Ганс Хофманн, Клиффорд Стилл , Франц Клайн , Адольф Готлиб , Барнетт Ньюман , Марк Тоби , Джеймс Брукс , Филип Гастон , Роберт Мазервелл , Конрад Марка-Релли , Джек Творков , Эстебан Висенте , Уильям Базиотес , Ричард Пусетт-Дарт , Эд Рейнхардт , Хедда Стерн , Джимми Эрнст , Брэдли Уокер Томлин , Теодорос Стамос и другие. Американский абстрактный экспрессионизм получил свое название в 1946 году от искусствоведа Роберта Коутса . Абстрактный экспрессионизм, живопись Действие и цвет поля картина ассоциируется с Нью - Йоркской школе .

Технически сюрреализм был важным предшественником абстрактного экспрессионизма с его упором на спонтанное, автоматическое или подсознательное творчество. Капание краски Джексона Поллока на холст, лежащий на полу, - это техника, уходящая корнями в творчество Андре Массона . Еще одно важное раннее проявление того, что стало абстрактным экспрессионизмом, - это работы американского северо-западного художника Марка Тоби , особенно его холсты с «белым письмом», которые, хотя в целом и невелики по размеру, предвосхищают «сплошной» вид капельных картин Поллока.

Вдобавок у абстрактного экспрессионизма есть образ мятежного, анархического, в высшей степени идиосинкразического и, как некоторые считают, довольно нигилистического. На практике этот термин применяется к любому количеству художников, работающих (в основном) в Нью-Йорке, которые придерживаются совершенно разных стилей, и даже применяется к работам, которые не являются особенно абстрактными или экспрессионистскими. Энергичные « картины действия » Поллока с их «занятым» чувством технически и эстетически отличаются от жестоких и гротескных « Женщин » Виллема де Кунинга . Женщина V - одна из шести картин, созданных де Кунингом между 1950 и 1953 годами, на которых изображена женская фигура в три четверти длины. Он начал первую из этих картин, «Женщина I», в июне 1950 года, неоднократно меняя и раскрашивая изображение до января или февраля 1952 года, когда картина осталась незавершенной. Историк искусства Мейер Шапиро увидел картину в мастерской де Кунинга и призвал художника проявить настойчивость. В ответ Де Кунинг начал три других картины на ту же тему; Женщина II, Женщина III и Женщина IV. Летом 1952 года, проведенным в Ист-Хэмптоне , де Кунинг дополнительно исследовал эту тему с помощью рисунков и пастели. Он закончил работу над «Женщиной I» к ноябрю 1952 года, и, вероятно, остальные три женские картины были созданы примерно в то же время. Серия « Женщина» - безусловно фигуративные картины . Другим важным художником является Франц Клайн , о чем свидетельствует его картина « Хай-стрит» (1950), которую назвали художником-экшеном из-за его, казалось бы, спонтанного и интенсивного стиля, который меньше или совсем не сосредотачивался на фигурах или образах, а на самом деле. мазки кистью и использование холста.

Клайффорд Стилл , Барнетт Ньюман , Адольф Готлиб и безмятежно мерцающие цветные блоки в работах Марка Ротко (которые обычно не называются экспрессионистами и которые Ротко отрицали, были абстрактными) классифицируются как абстрактные экспрессионисты, хотя и от того, что Клемент Гринберг назвал направление цветового поля абстрактного экспрессионизма. И Ханса Хофманна, и Роберта Мазервелла можно охарактеризовать как практиков живописи действия и живописи цветового поля.

В течение 1950-х годов живопись Цветового поля первоначально относилась к определенному типу абстрактного экспрессионизма , особенно к работам Марка Ротко, Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Роберта Мазервелла и Адольфа Готлиба. По сути, он включал абстрактные картины с большими плоскими цветовыми пространствами, которые выражали чувственные и визуальные ощущения и свойства больших участков нюансированной поверхности. Искусствовед Клемент Гринберг считал живопись цветового поля связанной с живописью действия, но отличной от нее. Общая широта и гештальт работ ранних художников цветового поля говорят о почти религиозном опыте, трепетном перед лицом расширяющейся вселенной чувственности, цвета и поверхности. В период с начала до середины 1960-х живопись Цветового поля стала относиться к стилям таких художников, как Жюль Олицки , Кеннет Ноланд и Хелен Франкенталер , чьи работы были связаны с абстрактным экспрессионизмом второго поколения, и с более молодыми художниками, такими как Ларри Зокс , и Фрэнк Стелла - все движутся в новом направлении.

Реализм, Пейзаж, Морской пейзаж, Фигура, Натюрморт, Городской пейзаж

В период с 1930-х по 1960-е годы абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в такие движения, как абстрактный экспрессионизм , живопись цветового поля, пост-живописная абстракция , оп-арт , жесткая живопись , минимальное искусство , фигурная живопись на холсте и лирическая абстракция . Другие художники отреагировали как ответ на тенденцию к абстракции, позволяющую изображениям продолжаться в различных новых контекстах, таких как Фигуративное движение в районе залива в 1950-х годах и новые формы экспрессионизма с 1940-х по 1960-е годы. На протяжении 20 века многие художники практиковали реализм и использовали выразительные образы в пейзаже и фигуративную живопись с современными сюжетами. Среди них такие разные художники, как Милтон Эйвери , Джон Д. Грэм , Фэрфилд Портер , Эдвард Хоппер , Эндрю Уайет , Бальтус , Фрэнсис Бэкон , Франк Ауэрбах , Люсьен Фрейд , Леон Коссофф , Филип Перлштейн , Виллем де Кунинг , Аршил Горки , Грейс Хартиган , Роберт Де Ниро старший и Элейн де Кунинг .

В то время в Италии Джорджо Моранди был ведущим художником-натюрмортами, исследовавшим самые разные подходы к изображению повседневных бутылок и кухонных принадлежностей.

Фрида Кало , 1940, латиноамериканский символизм

Портрет Виллема де Кунинга Аршилом Горки является примером эволюции абстрактного экспрессионизма из контекста фигурной живописи, кубизма и сюрреализма . Вместе со своими друзьями де Кунинг и Джоном Д. Грэмом Горки создавали абстрактные фигуративные композиции биоморфной формы, которые к 1940-м годам превратились в полностью абстрактные картины. Работа Горького кажется тщательным анализом памяти, эмоций и формы, с использованием линий и цвета для выражения чувств и природы.

Этюд по мотивам портрета Папы Иннокентия X Веласкеса , 1953 год - это картина ирландского художника Фрэнсиса Бэкона, которая является примером европейского экспрессионизма после Второй мировой войны. Работа представляет собой искаженную версию Портрета Иннокентия X, написанного испанским художником Диего Веласкесом в 1650 году. Работа является одним из серии вариантов картины Веласкеса, которую Бэкон писал в 1950-х и начале 1960-х, всего более сорока. -пять работ. Когда его спросили, почему он был вынужден так часто возвращаться к этой теме, Бэкон ответил, что не имеет ничего против Пап, что он просто «хотел оправдания для использования этих цветов, и вы не можете придать обычной одежде такой фиолетовый цвет, не войдя в нее. своего рода фальшиво- фовистые манеры ". Папа в этой версии кипит гневом и агрессией, а темные цвета придают изображению гротескно-кошмарный вид. Складчатые занавески на заднем фоне сделаны прозрачными и, кажется, ниспадают через лицо Папы.

Фигуративная работа Фрэнсиса Бэкона, Фриды Кало, Эдварда Хоппера, Люсьена Фрейда, Эндрю Уайета и других послужила своеобразной альтернативой абстрактному экспрессионизму. «Ночные ястребы» (1942) - реалистическая картина Эдварда Хоппера, изображающая людей, сидящих в закусочной в центре города поздно ночью. Это не только самая известная картина Хоппера, но и одна из самых узнаваемых в американском искусстве. Городская улица за пределами закусочной пуста, и внутри ни один из трех посетителей явно не смотрит и не разговаривает с другими, а погружается в собственные мысли. Это изображение современной городской жизни как пустой или одинокой - общая тема всей работы Хоппера. Одним из самых известных образов в американском искусстве 20-го века является темперная картина Уайета «Мир Кристины» из коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке . На нем изображена женщина, лежащая на земле в безлесном, в основном желтовато-коричневом поле, смотрящая вверх и ползущая к серому дому на горизонте; К дому примыкает сарай и другие небольшие хозяйственные постройки.

После Второй мировой войны термин Парижская школа часто относился к Ташизму , европейскому эквиваленту американского абстрактного экспрессионизма, и эти художники также связаны с Коброй . Важными сторонниками этой идеи являются Жан Дюбюффе , Пьер Сулаж , Николя де Сталь , Ханс Хартунг , Серж Поляков , Жорж Матье и многие другие. В начале 1950-х годов Дюбюффе (который всегда был фигуративным художником) и де Сталь отказались от абстракции и вернулись к образности через фигурацию и пейзаж. Возвращение Де Стаэля к репрезентации (морские пейзажи, футболисты, джазовые музыканты, чайки) в начале 1950-х годов можно рассматривать как влиятельный прецедент для американского фигуративного движения в районе залива , как и многие абстрактные художники, такие как Ричард Дибенкорн , Дэвид Парк , Элмер Бишофф , Уэйн Тибо , Натан Оливейра , Джоан Браун и другие сделали аналогичный шаг; возвращение к изображениям в середине 1950-х годов. Большая часть поздних работ де Стэля - в частности, его абстрактные пейзажи середины 1950-х годов - предсказывает живопись цветового поля и лирическую абстракцию 1960-х и 1970-х годов. Милтон Эйвери также использует цвет и интерес к морским пейзажам и пейзажам, связанным с аспектом цветового поля абстрактного экспрессионизма, проявленным Адольфом Готлибом и Марком Ротко, а также уроками, которые американские художники извлекли из работ Анри Матисса .

Поп-арт

Поп-арт в Америке изначально был в значительной степени вдохновлен работами Джаспера Джонса , Ларри Риверса и Роберта Раушенберга , хотя картины Джеральда Мерфи , Стюарта Дэвиса и Чарльза Демута в течение 1920-х и 1930-х годов предвосхищают стиль и тематику поп-арта. Изобразительное искусство.

В середине 1950-х годов в Нью-Йорке Раушенберг и Джонс создали произведения искусства, которые сначала казались продолжением абстрактной экспрессионистской живописи. На самом деле их работы и работы Ларри Риверса были радикальным отходом от абстрактного экспрессионизма, особенно в использовании банальных и буквальных образов и включении в свои работы обыденных материалов. Использование Джонсом различных изображений и предметов, таких как стулья, числа, мишени, пивные банки и американский флаг ; Картины Риверса, на которых изображены предметы из популярной культуры, такие как Джордж Вашингтон, пересекающий Делавэр , и его вкрапления изображений из рекламных объявлений, таких как верблюд из сигарет Camel ; и удивительные конструкции Раушенберга, в которых использовались вкрапления предметов и изображений, взятых из массовой культуры, хозяйственных магазинов, свалок, городских улиц и таксидермии , породили радикальное новое движение в американском искусстве. В конце концов, к 1963 году это движение стало известно во всем мире как поп-арт.

Примером поп-арта являются художники Энди Уорхол , Клас Ольденбург , Уэйн Тибо , Джеймс Розенквист , Джим Дайн , Том Вессельманн и Рой Лихтенштейн . Лихтенштейн использовал масло и краску Magna в таких работах, как « Утопающая девушка» (1963; Музей современного искусства, Нью-Йорк ), которая была заимствована из главной истории в DC Comics ' Secret Hearts # 83.) Толстые очертания, смелые цвета и Бен-Дэй. точки воспроизводят внешний вид коммерческой печати. Лихтенштейн сказал бы о своей работе: абстрактные экспрессионисты «раскладывали вещи на холсте и реагировали на то, что они сделали, на расположение цветов и размеры. Мой стиль выглядит совершенно по-другому, но характер нанесения линий почти такой же. мои просто не выглядят каллиграфически, как у Поллока или Клайна ». Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, добавляя при этом юмор, иронию, узнаваемые образы и содержание. В октябре 1962 года галерея Сиднея Джениса открыла «Новые реалисты» , первую крупную групповую выставку поп-арта в художественной галерее на окраине Нью-Йорка. Шоу потрясло школу Нью-Йорка и прокатилось по всему миру. Банок супа Кэмпбелл (иногда упоминается как 32 банок супа Кэмпбелл ) это название из Энди Уорхол произведения искусства , который был произведен в 1962 г. Он состоит из тридцати двух полотен одинакового размера, каждый из которых состоит из картина с супом Кэмпбелла может - по одному из каждого вида консервированного супа, который предлагала компания в то время. Отдельные картины были созданы с использованием полумеханизированного процесса шелкографии в неживописном стиле. Они помогли сделать поп-арт крупным художественным движением, опирающимся на темы популярной культуры .

Ранее в Англии, в 1956 году, термин « поп-арт» использовал Лоуренс Аллоуэй для картин, прославляющих потребительство эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и его ориентацию на герменевтический и психологический интерьер в пользу искусства, которое изображало материальную культуру потребления, рекламу и иконографию эпохи массового производства. Ранние работы английского художника Дэвида Хокни , такие как « Большой всплеск» , а также работы Ричарда Гамильтона , Питера Блейка и Эдуардо Паолоцци считаются основополагающими примерами в этом движении. В галереях 10-й улицы Нью-Йорка в Ист-Виллидж художники создавали американскую версию поп-арта. У Класа Ольденбурга была витрина, а в Зеленой галерее на 57-й улице начали показывать Тома Вессельмана и Джеймса Розенквиста . Есть связь между радикальными работами Дюшана и Мана Рэя , мятежных дадаистов - с чувством юмора; и такие поп-исполнители, как Алекс Кац , Клас Ольденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие.

Art Brut, Новый Реализм, Фигуративное движение Bay Area, Неодада, Фотореализм

В течение 1950-х и 1960-х годов абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в такие движения, как живопись цветового поля , пост-живописная абстракция , оп-арт , жесткая живопись , минимальное искусство , фигурная живопись на холсте , лирическая абстракция и продолжение абстрактного экспрессионизма. Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции с помощью Art brut , как это видно в « Court les rues», 1962, Жана Дюбюффе , Флюксуса , Нео-Дада , Нового Реализма , Фотореализма , что позволило образам возродиться в различных новых контекстах, таких как Поп-арт , фигуративное движение в районе залива (ярким примером является « Городской пейзаж I» Дибенкорна (Пейзаж № 1) (1963), а позже - неоэкспрессионизм 1970 - х годов . Фигуративное движение в районе залива, которого Дэвид Парк , Элмер Бишофф , Натан) Оливейра и Ричард Дибенкорн, чья картина « Городской пейзаж 1» (1963) является типичным примером, были влиятельными участниками, процветавшими в 1950-х и 1960-х годах в Калифорнии. Молодые художники практиковали использование образов новыми и радикальными способами. Ив Кляйн , Арман , Марсьяль Райсс , Кристо , Ники де Сен-Фалль , Дэвид Хокни , Алекс Кац , Малкольм Морли , Ральф Гоингс , Одри Флэк , Ричард Эстес , Чак Клоуз , Сьюзан Ротенберг , Эрик Фишл и Вия Целминс были некоторыми из тех, кто стал заметным в период с 1960-х годов. и 1980-е годы. Фэрфилд Портер был в основном самоучкой и создавал репрезентативные работы в разгар движения абстрактного экспрессионизма. Его предметами были в основном пейзажи, домашние интерьеры и портреты семьи, друзей и коллег-художников.

Также в 1960-х и 1970-х годах была реакция против живописи. Критики, такие как Дуглас Кримп, рассматривали работы таких художников, как Эд Рейнхардт , и объявили «смерть живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Новые движения приобрели широкую известность , некоторые из которых являются: FLUXUS , Happening , видеоарт , художественной установки почтового искусства , в ситуационистах , концептуальное искусство , постминимализм , искусство Земли , арте повер , исполнительское искусство и искусство тела среди других.

Нео-дада - это также движение, зародившееся в 1950-х и 1960-х годах и связанное с абстрактным экспрессионизмом только с помощью образов. Эта тенденция, в которой произведенные изделия сочетаются с материалами художников, иллюстрируется работами Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга . «Комбайны» Раушенберга в 1950-х годах были предшественниками поп-арта и инсталляционного искусства и использовали сборку крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческую фотографию. Раушенберг, Джонс, Ларри Риверс , Джон Чемберлен , Клас Ольденбург , Джордж Сигал , Джим Дайн и Эдвард Кинхольц среди других создали новые условности создания искусства; они сделали приемлемым в серьезных кругах современного искусства радикальное включение маловероятных материалов в свои произведения искусства.

Геометрическая абстракция, Оп-арт, Hard-Edge, Цветовое поле, Минимальное искусство, Новый реализм

В течение 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке в различных стилях. Геометрическая абстракция , оп-арт, живопись с резкими краями, живопись цветового поля и минималистичная живопись - вот некоторые взаимосвязанные направления продвинутой абстрактной живописи, а также некоторые другие новые направления. Моррис Луи был важным пионером в продвинутой живописи Colorfield , его работы могут служить мостом между абстрактным экспрессионизмом , живописью Colorfield и минимальным искусством . Два влиятельных учителя, Йозеф Альберс и Ханс Хофманн , познакомили новое поколение американских художников со своими передовыми теориями цвета и пространства. Альберса лучше всего помнят за его работу как художника- геометрического абстракциониста и теоретика. Наиболее известны сотни картин и гравюр из серии « Посвящение площади» . В этой строгой серии, начатой ​​в 1949 году, Альберс исследовал хроматические взаимодействия с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрически на холсте. Теории Альберса об искусстве и образовании стали определяющими для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу как острой живописи, так и оп-арта.

Йозеф Альберс, Ханс Хофманн, Илья Болотовски , Бургойн Диллер , Виктор Вазарели , Бриджит Райли , Ричард Анушкевич , Фрэнк Стелла , Моррис Луи , Кеннет Ноланд , Элсворт Келли , Джон Маклафлин , Барнетт Ньюман , Ларри Пунс , Рональд Дэвис , Джон Хойланд , Ларри Пунс , Рональд Дэвис , Джон Хойланд , Аль Хельд , Мино Ардженто - художники, тесно связанные с геометрической абстракцией , оп-артом, живописью цветового поля, а в случае с Хофманном и Ньюманом - с абстрактным экспрессионизмом. Агнес Мартин , Роберт Мангольд , Брайс Марден , Джо Бэр , Роберт Райман , Ричард Таттл , Нил Уильямс, Дэвид Новрос, Пол Могенсон - примеры художников, связанных с минимализмом и (за исключением Мартина, Бэра и Мардена) использованием формованного холста. также в период с начала 1960-х гг. Многие геометрические абстрактные художники , минималисты и художники с твердым краем предпочитали использовать края изображения для определения формы картины, а не принимать прямоугольный формат. Фактически, использование формованного холста в первую очередь связано с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые имеют холодный абстрактный, формалистический, геометрический, объективный, рационалистический характер, с четкими линиями, резко острыми краями или минималистский характер. Bykert Gallery и Park Place Галерея важных витрин для минимализма и фасонный холст картины в Нью - Йорке в 1960 - х.

Формованный холст, Вашингтонская школа цвета, Абстрактный иллюзионизм, Лирическая абстракция

Ронни Лэндфилд , 1971, Лирическая абстракция

Живопись «Цветового поля» указала на новое направление в американской живописи, уходящее от абстрактного экспрессионизма . Связанная с пост-живописной абстракцией , супрематизмом , абстрактным экспрессионизмом, живописью с резкими краями и лирической абстракцией , живопись цветового поля стремилась избавить искусство от излишней риторики. Художники, такие как Клиффорд Стилл , Марк Ротко , Ханс Хофманн, Моррис Луи , Жюль Олицки , Кеннет Ноланд , Хелен Франкенталер , Ларри Зокс и другие, рисовали с четко сформулированным и психологическим использованием цвета. В целом эти художники устранили узнаваемые образы. Некоторые художники ссылались на прошлое или настоящее искусство, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Преследуя это направление современного искусства , художники хотели представить каждую картину как единый цельный монолитный образ. Джин Дэвис вместе с Кеннетом Ноленд, Моррис Луис и ряд других был членом Washington Цвет школы художников , которые начали создавать картины Color Field в Вашингтоне, округ Колумбия , в 1950 - х и 1960 - х годов, черный, серый, бейте большой вертикальной полосой живописи и типичный для работы Джина Дэвиса. Фрэнк Стелла , Кеннет Ноланд , Эллсуорт Келли , Барнетт Ньюман, Рональд Дэвис , Нил Уильямс , Роберт Мангольд , Чарльз Хинман , Ричард Таттл , Дэвид Новрос и Эл Ловинг - примеры художников, связанных с использованием формованных холстов в период, начавшийся в начало 1960-х гг.

С 1960 года Фрэнк Стелла создавал картины из алюминия и меди, а также свои первые работы, используя фигурные холсты (холсты формы, отличной от традиционного прямоугольника или квадрата), часто в L, N, U или T-образной форме. Позже они превратились в более сложные конструкции, например, в серии Irregular Polygon (1967). Позже он начал свою серию картин транспортиром (1971), в которой дуги , иногда перекрывающиеся внутри квадратных границ, располагаются бок о бок, образуя полные и полукруги, нарисованные в виде концентрических колец. Harran II, 1967, является примером серии Protractor .

Галерея Андре Эммериха, Галерея Лео Кастелли, Галерея Ричарда Фейгена и Галерея Парк-Плейс были важными витринами для живописи цветового поля, фигурной живописи на холсте и лирической абстракции в Нью-Йорке в 1960-х годах. Существует связь с пост-живописной абстракцией , которая отреагировала на мистицизм абстрактного экспрессионизма, гипер-субъективность и акцент на том, чтобы сделать сам акт живописи драматически видимым, а также торжественное принятие плоского прямоугольника как почти ритуальную предпосылку для серьезная картина. В течение 1960-х годов живопись цветового поля и минимальное искусство часто были тесно связаны друг с другом. На самом деле к началу 1970-х оба движения стали явно разнообразными.

Лирическая абстракция (термин, придуманный Ларри Олдричем, основателем Музея современного искусства Олдрича , Риджфилд, Коннектикут) охватывает то, что, по словам Олдрича, он видел в студиях многих художников в то время. Это также название выставки, которая зародилась в Музее Олдрича и с 1969 по 1971 год побывала в Музее американского искусства Уитни и других музеях США. Лирическая абстракция - это тип свободной абстрактной живописи, появившейся в середине 1960-е годы, когда абстрактные художники вернулись к различным формам живописного, живописного, экспрессионизма с преобладающим акцентом на процесс, гештальт и повторяющиеся композиционные стратегии в целом. В отличие от Action Painting, где упор делается на мазки кисти и высокую композиционную драматичность, в Lyrical Abstraction - примером которого является картина Ронни Лэндфилда 1971 года Garden of Delight - присутствует чувство композиционной случайности, расслабленная композиционная драма и упор на процесс, повторение. , и всеобщая чувствительность. Лирическая абстракция в конце 1960-х годов характеризуется картинами Дэна Кристенсена , Ронни Лэндфилда, Питера Янга и других, а также движением Fluxus и постминимализмом (термин, впервые введенный Робертом Пинкусом-Виттеном на страницах Artforum в 1969 году). расширить границы абстрактной живописи и минимализма, сосредоточив внимание на процессе, новых материалах и новых способах выражения. Постминимализм, часто включающий промышленные материалы, сырье, изготовление, найденные объекты, инсталляцию, серийное повторение, и часто со ссылками на дадаизм и сюрреализм, лучше всего представлен в скульптурах Евы Гессе . Лирическая абстракция, концептуальное искусство , постминимализм, Земля Искусство , Видео, исполнительское искусство , установка искусства , наряду с продолжением Fluxus, абстрактного экспрессионизма, цвет полевой живописи, Hard-края картины, Minimal Art, соч искусства, поп - арт, Фотореализм и Новый Реализм расширил границы современного искусства с середины 1960-х до 1970-х годов.

Абстрактный Иллюзионизм, Монохромный, Минимализм, Постминимализм

Рональд Дэвис , Кольцо , 1968, Абстрактный Иллюзионизм

Одним из первых художников, непосредственно связанных с минимализмом, был Фрэнк Стелла , чьи ранние «полосатые» картины были представлены на выставке 1959 года «16 американцев», организованной Дороти Миллер в Музее современного искусства в Нью-Йорке . Ширина полос на картинах Стеллы не была полностью субъективной, но определялась размерами пиломатериалов, использованных для создания поддерживающего каркаса, на котором было натянуто полотно. В каталоге выставки Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел необходимым нарисовать полосы. В его картине больше ничего нет». Эти редуктивные работы резко контрастировали с наполненными энергией и явно эмоционально заряженными картинами Виллема де Кунинга или Франца Клайна и больше склонялись к менее жестовым колористическим полевым картинам Барнетта Ньюмана и Марка Ротко .

Такие художники, как Ларри Пунс - чьи работы связаны с оп-артом с его акцентом на точки, овалы и остаточные изображения, прыгающие по цветовым полям, - Кеннет Ноланд , Ральф Хамфри, Роберт Мазервелл и Роберт Райман также начали исследовать полосы, монохромные и жесткие. кромочные форматы с конца 1950-х по 1960-е годы.

Из-за тенденции минимализма исключать изобразительное, иллюзионистское и вымышленное в пользу буквального - как продемонстрировал Роберт Мангольд , который понимал концепцию формы холста и его отношение к объектности - произошло движение от живописного и к скульптурным проблемам. Дональд Джадд начинал как художник, а закончил как создатель предметов. Его основополагающее эссе «Конкретные объекты» (опубликовано в Arts Yearbook 8, 1965) стало пробным камнем теории для формирования минималистской эстетики. В этом эссе Джадд нашел отправную точку для новой территории для американского искусства и одновременный отказ от остаточных унаследованных европейских художественных ценностей. Он указал на свидетельства этого развития в работах множества художников, работавших в то время в Нью-Йорке, включая Джаспера Джонса, Дэна Флавина и Ли Бонтеку. «Предварительное» значение для Джадда имела работа Джорджа Эрла Ортмана [2] , который конкретизировал и преобразовал формы живописи в грубые, жесткие, философски заряженные геометрии. Эти Особые Объекты обитали в пространстве, которое тогда нельзя было классифицировать ни как живопись, ни как скульптуру. То, что категориальная идентичность таких предметов сама по себе была под вопросом и что они избегали легкой ассоциации с изношенными и слишком знакомыми условностями, было частью их ценности для Джадда.

В более общем смысле можно найти европейские корни минимализма в геометрических абстракциях художников Баухауза , в работах Пита Мондриана и других художников, связанных с движением ДеСтиджл, у русских конструктивистов и в работах румынского скульптора Константина. Brâncuși . Американские художники, такие как Брайс Марден и Сай Твомбли, демонстрируют явное европейское влияние в своей чистой абстракции, минималистской живописи 1960-х годов. Рональд Дэвис полиуретановых работает с конца 1960 - х годов платить дань Хрустальной из Марселя Дюшана . Это движение подверглось резкой критике со стороны искусствоведов и историков высокого модернизма-формалистов. Некоторые обеспокоенные критики думали, что минималистское искусство представляет собой неправильное понимание современной диалектики живописи и скульптуры, как это определено критиком Клементом Гринбергом , возможно, главным американским критиком живописи в период, предшествующий 1960-м годам. Наиболее заметная критика минимализма была произведена Майклом Фридом , критиком Гринберга, который возражал против работы на основании ее "театральности". В своей работе « Искусство и объектность» (опубликованной в «Артфоруме» в июне 1967 года) он заявил, что минималистское произведение искусства, особенно минималистская скульптура, основано на взаимодействии с телесностью зрителя. Он утверждал, что такие работы, как работа Роберта Морриса, трансформировали акт наблюдения в тип зрелища , в котором раскрываются искусность наблюдения за действием и участие зрителя в работе. Фрид видел в этом смещении восприятия зрителя от эстетического вовлечения к событию вне произведения искусства как провал минимального искусства.

Ад Рейнхардт , на самом деле художник поколения абстрактных экспрессионистов , но тот, чьи редуктивные полностью черные картины, казалось, предвосхищали минимализм, так сказал о ценности редуктивного подхода к искусству: «Чем больше в нем материала, тем труднее работа искусства, тем хуже. Больше - меньше. Меньше - больше. Глаз - угроза для ясного зрения. Открывать себя непристойно. Искусство начинается с избавления от природы ».

В течение 1960-х и 1970-х годов такие могущественные и влиятельные художники, как Адольф Готтлиб , Филипп Густон , Ли Краснер , Ричард Дибенкорн , Элмер Бишофф , Агнес Мартин , Сэм Фрэнсис , Джин Дэвис , Джоан Митчелл , Фридель Дзубас и молодые художники, такие как Сэм Гиллиам , Шон Скалли , Пэт Стейр , Элизабет Мюррей , Уолтер Дарби Баннард , Дэн Кристенсен , Джоан Снайдер, Ричард Таттл , Росс Bleckner , Арчи Rand , Сьюзен Crile , и десятки других жизненно важных производства и влиятельных картин.

Еще другие важные инновации в абстрактной живописи произошли в 1960-х и 1970-х годах, характеризуемых монохромной живописью и живописью с твердыми краями, вдохновленными Адом Рейнхардтом , Барнеттом Ньюманом , Милтоном Резником и Эллсуортом Келли. Такие разные художники, как Эл Хелд , Ларри Зокс , Фрэнк Стелла , Ларри Пунс , Брайс Марден и другие, исследовали силу упрощения. Конвергенция живописи цветового поля , минимального искусства, живописи с резкими краями, лирической абстракции и постминимализма размыла различия между движениями, которые стали более очевидными в 1980-х и 1990-х годах. Движение неоэкспрессионизма связано с более ранними разработками в абстрактном экспрессионизме, нео-дада , лирической абстракции и постминимальной живописи.

Неоэкспрессионизм

В конце 1960-х художник абстрактного экспрессионизма Филип Гастон помог осуществить переход от абстрактного экспрессионизма к неоэкспрессионизму в живописи, отказавшись от так называемой «чистой абстракции» абстрактного экспрессионизма в пользу более карикатурных изображений различных личных символов и объектов. Эти работы вдохновили новое поколение художников, заинтересованных в возрождении выразительного образа. Его картина « Живопись, курение, еда» является примером возвращения Густона к репрезентации.

В конце 1970-х - начале 1980-х годов также произошло возвращение к живописи, которое произошло почти одновременно в Италии, Германии, Франции и Великобритании . Эти движения назывались Transavantguardia , Neue Wilde , Figuration Libre , неоэкспрессионизм , лондонская школа, а в конце 80-х - Stuckists соответственно. Эти картины отличались большими форматами, свободным выразительным нанесением знаков, фигурацией, мифом и воображением. Все работы в этом жанре стали называть неоэкспрессионизмом .

Неоэкспрессионизм был стилем современной живописи, который стал популярным в конце 1970-х годов и доминировал на рынке искусства до середины 1980-х годов. Он возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1960-х и 1970-х годов. Неоэкспрессионисты вернулись к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя иногда и в практически абстрактной манере), грубо и сильно эмоционально, используя яркие цвета и банальные цветовые гармонии. Художники-ветераны Филип Густон, Франк Ауэрбах , Леон Коссофф , Герхард Рихтер , А.Р. Пенк и Георг Базелиц , а также несколько более молодые художники Дэмиен Херст , Ансельм Кифер , американцы Эрик Фишль , Сьюзан Ротенберг , Давид Салль , Жан-Мишель Баския , Джулиан Шнабель и Кейт Харинг , итальянцы Франческо Клементе , Миммо Паладино , Сандро Чиа и Энцо Кукки и многие другие стали известны своей работой в этом интенсивном экспрессионистском стиле живописи. Критическая реакция разделилась. Некоторые критики считали, что это вызвано стремлением крупных коммерческих галерей получить прибыль.

Ансельм Кифер - ведущая фигура европейского неоэкспрессионизма. К 1980-м годам тематика Кифера расширилась от акцента на роли Германии в цивилизации до судьбы искусства и культуры в целом. Его работы стали более скульптурными и включают в себя не только национальную идентичность и коллективную память , но и оккультный символизм, теологию и мистицизм . Тема всей работы - травма, переживаемая целыми обществами, а также постоянное возрождение и обновление жизни.

Живопись по-прежнему занимает почетное место в современном искусстве . Искусство - это открытое поле, которое больше не разделяется дихотомией объективного и беспредметного. Художники могут добиться успеха у критиков, независимо от того, являются ли их изображения репрезентативными или абстрактными. Что имеет значение, так это удовлетворение, исследование границ среды и отказ повторять произведения прошлого как конечную цель.

Дэмиен Херст , 2003

Современная живопись в 21 веке

Основные статьи: Современное искусство , постмодернистское искусство и поздний модернизм

На протяжении 20-го века и в 21-м веке, с появлением модернистских и постмодернистских форм искусства, различия между тем, что обычно считается изящным искусством, и низким искусством начали исчезать, поскольку современное высокое искусство продолжает бросать вызов этим концепциям, смешивая с популярной культурой .

Художники постмодернистской эпохи отвергли мейнстримную живопись в пользу художественного плюрализма . По словам искусствоведа Данто есть что - то идет отношение , которое превалирует; синдром «все происходит» и, следовательно, «ничего не происходит»; это создает эстетическую пробку без четкого и четкого направления, и каждая полоса художественной супермагистрали заполнена до отказа.

Смотрите также

использованная литература

Источники

Об эффектах печати Гутенберга

  • Элизабет Л. Эйзенштейн, Печатный станок как агент перемен , Cambridge University Press , сентябрь 1980 г., мягкая обложка, 832 страницы, ISBN  0-521-29955-1
  • Более свежая, сокращенная версия: Элизабет Л. Эйзенштейн, Революция печати в Европе раннего Нового времени , Cambridge University Press, 2 Rev ed, 12 сентября 2005 г., Мягкая обложка, ISBN  0-521-60774-4
  • Маршалл Маклюэн , Галактика Гутенберга: создание типографского человека (1962) Университет Торонто Press (1-е изд.); переиздан Routledge & Kegan Paul ISBN  0-7100-1818-5 .
  • Бриггс и Берк, Социальная история СМИ: печатная революция в контексте (2002)

внешние ссылки