Опера - Opera

Из Википедии, бесплатной энциклопедии

Ла Скала в Милане

Опера - это форма театра, в которой музыка является фундаментальным компонентом, а драматические роли исполняют певцы , но отличается от музыкального театра . Такая «работа» (дословный перевод итальянского слова «опера») обычно представляет собой сотрудничество композитора и либреттиста и включает в себя ряд исполнительских видов искусства , таких как актерское мастерство , декорации , костюмы , а иногда и танец или балет . Спектакль обычно проводится в оперном театре в сопровождении оркестра или небольшого музыкального ансамбля , которым с начала 19 века руководит дирижер .

Опера - ключевая часть западной классической музыкальной традиции. Первоначально понимаемая как полностью спетое произведение, в отличие от пьесы с песнями, опера стала включать в себя множество жанров , в том числе те, которые включают разговорные диалоги, такие как музыкальный театр , Зингшпиль и комическая опера . В традиционной опере с номерами певцы используют два стиля пения: речитатив , речевой стиль и автономные арии . В 19 веке возникла непрерывная музыкальная драма .

Опера возникла в Италии в конце 16-го века (в основном утерянная Дафне Якопо Пери , поставленная во Флоренции в 1598 году), особенно из произведений Клаудио Монтеверди , особенно L'Orfeo , и вскоре распространилась по остальной Европе: Генрих Шютц в Германии Жан-Батист Люлли во Франции и Генри Перселл в Англии - все они помогли установить свои национальные традиции в 17 веке. В 18 веке итальянская опера продолжала доминировать в большей части Европы (за исключением Франции), привлекая зарубежных композиторов, таких как Джордж Фридрих Гендель . Opera seria была самой престижной формой итальянской оперы, пока Кристоф Виллибальд Глюк не отреагировал на ее искусственность своими «реформаторскими» операми в 1760-х годах. Самая известная фигура оперы конца 18-го века - Вольфганг Амадей Моцарт , который начал с Opera seria, но наиболее известен своими итальянскими комическими операми , особенно «Женитьба Фигаро» ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni и Così fan tutte , а также Die Entführung aus dem Serail ( Похищение из Сераля ) и Волшебная флейта ( Die Zauberflöte ), вехи в немецкой традиции.

В первой трети XIX века стиль бельканто стал периодом расцвета , когда Джоакино Россини , Гаэтано Доницетти и Винченцо Беллини создали фирменные произведения этого стиля. Он также видел появление большой оперы типичным примером произведений Даниэля Обера и Джакомо Мейербера , а также Карл Мария фон Вебер введения «s немецкого Romantische Oper (немецкой романтической оперы). Середина и конец 19 века были золотым веком оперы, во главе которой стояли Джузеппе Верди в Италии и Рихард Вагнер в Германии. Популярность оперы продолжалась в эпоху веризма в Италии и современной французской оперы до Джакомо Пуччини и Рихарда Штрауса в начале 20 века. В 19 веке параллельные оперные традиции возникли в Центральной и Восточной Европе, особенно в России и Богемии . В 20 веке было много экспериментов с современными стилями, такими как атональность и сериализм ( Арнольд Шенберг и Альбан Берг ), неоклассицизм ( Игорь Стравинский ) и минимализм ( Филип Гласс и Джон Адамс ). С развитием технологий звукозаписи такие певцы, как Энрико Карузо и Мария Каллас, стали известны гораздо более широкой аудитории, которая вышла за пределы круга поклонников оперы. Со времени изобретения радио и телевидения оперы также ставились на этих носителях (и писались для них). Начиная с 2006 года, ряд крупных оперных театров начали предоставлять прямые видеотрансляции своих выступлений в высоком разрешении в кинотеатрах по всему миру. С 2009 года все выступления можно скачать и транслировать в прямом эфире .

Оперная терминология

Слова оперы известны как либретто (буквально «маленькая книжка»). Некоторые композиторы, особенно Вагнер, написали свои собственные либретти; другие работали в тесном сотрудничестве со своими либреттистами, например, Моцарт с Лоренцо да Понте . Традиционная опера, часто называемая « числовой оперой », состоит из двух режимов пения: речитатива , сюжетных отрывков, исполняемых в стиле, призванном имитировать и подчеркивать интонации речи, и арии («воздушная» или формальная песня. ), в которой персонажи выражают свои эмоции в более структурированном мелодическом стиле. Часто встречаются вокальные дуэты, трио и другие ансамбли, а для комментирования действия используются припевы. В некоторых формах оперы, таких как зингшпиль , комическая опера , оперетта и полуопера , речитатив в основном заменяется разговорным диалогом. Мелодические или полумелодические отрывки, происходящие посреди речитатива или вместо него, также называются ариозо . Терминология различных оперных голосов подробно описана ниже . В период барокко и классики речитатив мог проявляться в двух основных формах, каждая из которых сопровождалась различным инструментальным ансамблем: секко (сухой) речитатив, исполняемый в свободном ритме, продиктованном акцентом слов, в сопровождении только бассо. континуо , который обычно представлял собой клавесин и виолончель; или аккомпанемент (также известный как струментато ), в котором оркестр обеспечивал аккомпанемент. В течение 18 века арии все чаще сопровождались оркестром. К 19 веку аккомпанемент взял верх, оркестр играл гораздо большую роль, и Вагнер произвел революцию в опере, устранив почти все различия между арией и речитативом в своем поиске того, что Вагнер назвал «бесконечной мелодией». Последующие композиторы, как правило, следовали примеру Вагнера, хотя некоторые, например Стравинский в его «Прогрессе граблей», пошли против этой тенденции. Меняющаяся роль оркестра в опере более подробно описана ниже .

История

Происхождение

Итальянское слово « опера» означает «работа» как в смысле проделанной работы, так и в смысле ее результата. Итальянское слово происходит от латинского слова opera , существительного в единственном числе, означающего «работа», а также множественного числа существительного opus . Согласно Оксфордскому словарю английского языка , итальянское слово впервые было использовано в смысле «композиция, в которой сочетаются поэзия, танец и музыка» в 1639 году; первое зарегистрированное английское употребление в этом смысле относится к 1648 году.

«Дафне » Якопо Пери была самым ранним сочинением, которое в современном понимании считается оперой. Он был написан примерно в 1597 году, во многом по вдохновению элитного круга грамотных флорентийских гуманистов, которые собрались как « Камерата де 'Барди ». Примечательно, что Дафне была попыткой возродить классическую греческую драму , частью более широкого возрождения античности, характерного для эпохи Возрождения . Члены «Камераты» считали, что изначально исполнялись «хоровые» части греческих драм и, возможно, даже весь текст всех ролей; Таким образом, опера задумывалась как способ «восстановить» эту ситуацию. Дафне, однако, потеряна. Более поздняя работа Пери, Эвридика , датируемая 1600 годом, является первой оперной партитурой, сохранившейся до наших дней. Честь быть первой оперой прежнему регулярно выполняется, однако, идет к Клаудио Монтеверди «s L'Орфею , составленный для суда Мантуя в 1607 Мантуях суда Гонзага , работодатели Монтеверди, сыграли значительную роль в зарождение оперы, в которой работали не только придворные певцы Concerto delle donne (до 1598 г.), но и одна из первых настоящих «оперных певиц» мадам Европа .

Итальянская опера

Эпоха барокко

Частный театр в стиле барокко в Чески Крумлов

Опера недолго оставалась закрытой для придворной публики. В 1637 году в Венеции возникла идея «сезона» (часто во время карнавала ) публичных опер, поддерживаемых продажей билетов . Монтеверди переехал в город из Мантуи и написал свои последние оперы Il ritorno d'Ulisse in patria и L'incoronazione di Poppea для венецианского театра в 1640-х годах. Его самый важный последователь Франческо Кавалли способствовал распространению оперы по всей Италии. В этих операх в стиле раннего барокко широкая комедия смешивалась с трагическими элементами в смеси, которая всколыхнула некоторые образованные чувства, вызвав первое из множества реформаторских движений оперы, спонсируемых Аркадской академией , которая стала ассоциироваться с поэтом Метастазио , чьи либретти помогли кристаллизовать жанр Opera seria , который до конца 18 века стал ведущей формой итальянской оперы. Как только метастазианский идеал был твердо утвержден, комедия в опере эпохи барокко была зарезервирована для того, что стало называться оперой буффа . До того, как такие элементы были вытеснены из opera seria, во многих либретто был отдельно разворачивающийся комический сюжет как своего рода «опера в опере». Одной из причин этого была попытка привлечь в публичные оперные театры представителей растущего купеческого класса, недавно разбогатевших, но все еще не столь культурных, как дворянство . Эти отдельные сюжеты почти сразу были возрождены в отдельно развивающейся традиции, частично заимствованной из комедии дель арте , давно процветающей импровизационной сценической традиции Италии. Подобно тому, как когда-то между актами театральных постановок исполнялись промежуточные звенья, оперы в новом комическом жанре интермецци , который в основном развивался в Неаполе в 1710-1720-х годах, первоначально ставились во время антрактов Opera seria. Однако они стали настолько популярными, что вскоре стали предлагаться как отдельные постановки.

Opera seria была возвышенной по тону и сильно стилизованной по форме, обычно состояла из речитатива секко с вкраплениями длинных арий да капо . Это предоставило прекрасную возможность для виртуозного пения, и в золотой век Opera Seria певец действительно стал звездой. Роль героя обычно писалась для высокого мужского голоса кастрата , который создавался кастрацией певца до полового созревания , что не давало возможности трансформировать гортань мальчика в период полового созревания. Кастраты, такие как Фаринелли и Сенезино , а также женские сопрано, такие как Фаустина Бордони , стали пользоваться большим спросом по всей Европе, поскольку опера сериа управляла сценой во всех странах, кроме Франции. Фаринелли был одним из самых известных певцов 18 века. Итальянская опера установила стандарты барокко. Итальянские либретти были нормой, даже когда такой немецкий композитор, как Гендель, сочинял для лондонской публики Ринальдо и Джулио Чезаре . Итальянские либретти оставались доминирующими и в классический период , например, в операх Моцарта , который писал в Вене в конце века. Среди ведущих итальянских композиторов оперной серии Алессандро Скарлатти , Антонио Вивальди и Никола Порпора .

Реформы Глюка и Моцарт

Иллюстрация к партитуре оригинальной венской версии " Орфея эд Эвридика"

У Opera seria были свои слабости и критики. Вкус к приукрашиванию со стороны великолепно подготовленных певцов и использование зрелища в качестве замены драматической чистоте и единству вызвали нападения. « Очерк об опере» Франческо Альгаротти (1755 г.) оказался источником вдохновения для реформ Кристофа Уиллибальда Глюка . Он выступал за то, чтобы opera seria вернулась к основам и что все различные элементы - музыка (как инструментальная, так и вокальная), балет и постановка - должны подчиняться доминирующей драме. В 1765 году Мельхиор Гримм опубликовал « Poème lyrique », влиятельную статью для Encyclopédie о лирических и оперных либретто . Несколько композиторов того периода, в том числе Никколо Джоммелли и Томмазо Траэтта , пытались претворить эти идеалы в жизнь. Однако первым преуспел Глюк. Глюк стремился добиться «красивой простоты». Это очевидно в его первой опере-реформаторе, Orfeo ed Euridice , где его невиртуозные вокальные мелодии поддерживаются простыми гармониями и более богатым оркестровым присутствием.

Реформы Глюка имели резонанс на протяжении всей оперной истории. Вебер, Моцарт и Вагнер, в частности, находились под влиянием его идеалов. Моцарт, во многом преемник Глюка, объединил великолепное чувство драмы, гармонии, мелодии и контрапункта, чтобы написать серию комических опер с либретти Лоренцо да Понте , в частности, Le nozze di Figaro , Don Giovanni и Così fan tutte , которые остаются в числе самых любимых, популярных и известных опер. Но вклад Моцарта в Opera seria был более неоднозначным; к его времени оно угасало, и, несмотря на такие прекрасные произведения, как « Идоменей» и «Клеменза ди Тито» , ему не удалось бы вернуть эту форму искусства к жизни снова.

Бельканто, Верди и веризм

Джузеппе Верди, Джованни Болдини , 1886 г.

Движение бельканто в опере процветало в начале 19 века и представлено операми Россини , Беллини , Доницетти , Пачини , Меркаданте и многими другими. Опера бельканто, буквально «красивое пение», происходит от одноименной итальянской стилистической школы пения. Линии бельканто обычно витиеватые и замысловатые, требующие высочайшей ловкости и контроля высоты тона. Примеры известных опер в стиле бельканто: « Барбьер ди Сивилья» и «Сенерентола» Россини , а также « Норма» Беллини , «Сомнамбула» и « Пуритани», а также « Лючия ди Ламмермур» Доницетти , «Любовный напиток» и « Дон Паскуале» .

После эпохи бельканто Джузеппе Верди быстро популяризировал более прямой, сильный стиль , начиная с его библейской оперы « Набукко» . Эта опера, как и те, которые последуют за Верди, произвела революцию в итальянской опере, превратив ее из простого вокального фейерверка с произведениями Россини и Доницетти в драматическое повествование. Оперы Верди перекликались с растущим духом итальянского национализма в пост- наполеоновскую эпоху, и он быстро стал иконой патриотического движения за объединенную Италию. В начале 1850-х годов Верди поставил три свои самые популярные оперы: « Риголетто» , «Трубадур» и «Травиата» . Первый из них, Риголетто , оказался самым смелым и революционным. В нем Верди стирает грань между арией и речитативом, как никогда раньше, превращая оперу в «бесконечную вереницу дуэтов». «Травиата» тоже была романом. В ней рассказывается история куртизанки, и ее часто называют одной из первых «реалистичных» опер, потому что она не показывает великих королей и литературных деятелей, а фокусируется на трагедиях повседневной жизни и общества. После этого, он продолжал развивать свой стиль, составляя , возможно, величайший французский Гранд - опера , Дон Карлос , и заканчивая свою карьеру с двумя Шекспира вдохновил работ, Отелло и Фальстаф , которые показывают , насколько итальянская опера, выращенных в сложности с начала 19 век. Эти последние две работы показали Верди в его самой мастерской оркестровке, и обе они невероятно влиятельны и современны. В « Фальстафе» Верди устанавливает выдающийся стандарт формы и стиля, который будет доминировать в опере на протяжении всего двадцатого века. Вместо длинных, прерванных мелодий, « Фальстаф» содержит множество маленьких мотивов и девизов, которые вместо того, чтобы расширять, вводятся и впоследствии отбрасываются, чтобы потом снова вспомнить. Эти мотивы никогда не расширяются, и так же, как аудитория ожидает, что персонаж начнет длинную мелодию, новый персонаж говорит, вводя новую фразу. Эта мода оперы руководила оперой, начиная с Верди и далее, оказывая огромное влияние на его преемников Джакомо Пуччини , Рихарда Штрауса и Бенджамина Бриттена .

После Верди в Италии появилась сентиментальная «реалистическая» мелодрама веризма . Это был стиль представлен Пьетро Масканьи «s Cavalleria Rusticana и Руджеро Леонкавалло » s Паяцы , что стали доминировать в мире оперных сценах с такими популярными работами , как Джакомо Пуччини «s Богема , Тоска , и Мадам Баттерфляй . Позднее итальянские композиторы, такие как Берио и Ноно , экспериментировали с модернизмом .

Немецкоязычная опера

Королева ночи в постановке 1815 года Моцарта " Волшебная флейта"

Первой немецкой оперой была « Дафне» , написанная Генрихом Шютцем в 1627 году, но нотная запись не сохранилась. Итальянская опера имела большое влияние в немецкоязычных странах до конца 18 века. Тем не менее, несмотря на это влияние, местные формы будут развиваться. В 1644 году Зигмунд Staden подготовила первый зингшпиль , Seelewig , популярной форме на немецком языке оперу , в которой пение чередуется с разговорного диалога. В конце 17-го - начале 18-го века в Гамбургском театре на Генсемаркт были представлены немецкие оперы Кейзера , Телемана и Генделя . Тем не менее, большинство крупных немецких композиторов того времени, включая самого Генделя, а также Грауна , Хассе и позже Глюка , предпочитали писать большинство своих опер на иностранных языках, особенно на итальянском. В отличие от итальянской оперы, которая, как правило, создавалась для аристократического сословия, немецкая опера в основном создавалась для широких масс и, как правило, состояла из простых народных мелодий, и только с приходом Моцарта немецкая опера смогла сравниться с ней. Итальянский аналог в музыкальной изысканности. Театральная труппа Абеля Зейлера стала пионером серьезной немецкоязычной оперы в 1770-х годах, положив конец предыдущим более простым музыкальным развлечениям.

Рихард Вагнер

Моцарт «s Singspiele , Похищение из сераля (1782) и Волшебная флейта (1791) стала важным прорывом в достижении международного признания немецкой оперы. Традиция была развита в 19 веке Бетховеном с его « Фиделио» (1805), вдохновленным климатом Французской революции . Карл Мария фон Вебер основал немецкую романтическую оперу в противовес господству итальянского бельканто . Его Der Freischütz (1821) показывает его гений в создании сверхъестественной атмосферы. Среди других оперных композиторов того времени - Маршнер , Шуберт и Лорцинг , но наиболее значимой фигурой, несомненно, был Вагнер .

Брюнгильда бросается на погребальный костер Зигфрида в
Götterdämmerung Вагнера

Вагнер был одним из самых революционных и противоречивых композиторов в истории музыки. Начав под влиянием Вебера и Мейербера , он постепенно развил новую концепцию оперы как Gesamtkunstwerk («законченное произведение искусства»), сплав музыки, поэзии и живописи. Он значительно увеличил роль и мощь оркестра, создав партитуры со сложной сетью лейтмотивов , повторяющихся тем, часто связанных с персонажами и концепциями драмы, прототипы которых можно услышать в его более ранних операх, таких как Der fliegende Holländer , Tannhäuser и Лоэнгрин ; и он был готов нарушить общепринятые музыкальные условности, такие как тональность , в своем стремлении к большей выразительности. В своих зрелых музыкальных драмах « Тристан и Изольда» , «Мейстерзингер фон Нюрнберг» , «Кольцо нибелунгов» и « Парсифаль» он отменил различие между арией и речитативом в пользу непрерывного потока «бесконечной мелодии». Вагнер также привнес новое философское измерение в оперу в своих произведениях, которые обычно основывались на рассказах из германских или артуровских легенд. Наконец, Вагнер построил свой собственный оперный театр в Байройте при частичном покровительстве Людвига II Баварского , посвященный исключительно исполнению своих собственных произведений в том стиле, который он хотел.

Опера после Вагнера уже никогда не будет прежней, и для многих композиторов его наследие стало тяжелым бременем. С другой стороны, Рихард Штраус принял идеи Вагнера, но развил их в совершенно новых направлениях, наряду с включением новой формы, введенной Верди. Впервые он получил известность благодаря скандальной « Саломее» и мрачной трагедии « Электра» , в которой тональность была доведена до предела. Затем Штраус сменил тактику в своем величайшем успехе «Кавалер роз» , где Моцарт и венские вальсы оказали такое же влияние, как и Вагнер. Штраус продолжал создавать самые разнообразные оперные произведения, часто с либретто поэта Гуго фон Хофманнсталя . Среди других композиторов, которые внесли индивидуальный вклад в немецкую оперу в начале 20-го века, были Александр фон Землинский , Эрих Корнгольд , Франц Шрекер , Пауль Хиндемит , Курт Вайль и итальянец Ферруччо Бузони . Оперные нововведения Арнольда Шенберга и его последователей обсуждаются в разделе, посвященном модернизму .

В конце 19 - го века, австрийский композитор Иоганн Штраус II , почитатель из французских -Language оперетт , сложенных Жак Оффенбах , написал несколько оперетт на немецком языке, наиболее известными из которых был Die Fledermaus . Тем не менее, вместо того, чтобы копировать стиль Оффенбаха, оперетты Штрауса II имели отчетливо венский колорит.

Французская опера

Спектакль оперы Люлли Армида в зале Пале-Рояль в 1761 году.

В соперничестве с импортированными итальянскими оперными постановками отдельная французская традиция была основана итальянцем Жан-Батистом Люлли при дворе короля Людовика XIV . Несмотря на свое иностранное происхождение, Люлли основал Музыкальную академию и монополизировал французскую оперу с 1672 года. Начиная с Кадма и Гермионы , Люлли и его либреттист Куино создали tragédie en musique , форму, в которой танцевальная музыка и хоровое сочинение были особенно заметны. В операх Люлли также проявляется забота о выразительном речитативе, который соответствовал контурам французского языка. В 18 веке самым важным преемником Люлли был Жан-Филипп Рамо , сочинивший пять музыкальных трагедий, а также множество произведений в других жанрах, таких как опера-балет , все они отличались богатой оркестровкой и гармоничной смелостью. Несмотря на популярность итальянской серии опер на большей части Европы в период барокко, итальянская опера так и не получила широкого распространения во Франции, где ее собственная национальная оперная традиция была более популярной. После смерти Рамо немца Глюка убедили поставить шесть опер для парижской сцены 1770-х годов. Они показывают влияние Рамо, но упрощенно и с большим акцентом на драму. В то же время к середине XVIII века во Франции набирал популярность другой жанр: комическая опера . Это был эквивалент немецкого зингшпиля , где арии чередовались с разговорным диалогом. Известные образцы этого стиля были созданы Монсиньи , Филидором и, прежде всего, Гретри . В революционный и наполеоновский период такие композиторы, как Этьен Мехул , Луиджи Керубини и Гаспаре Спонтини , которые были последователями Глюка, привнесли новую серьезность в жанр, который никогда не был полностью «комическим». Другим феноменом этого периода была «пропагандистская опера», прославляющая революционные успехи, например, « Триумф Республики» Госсека (1793 г.).

К 1820-м годам глюковское влияние во Франции уступило место вкусу итальянского бельканто , особенно после прибытия Россини в Париж . Гийом Телль Россини помог основать новый жанр большой оперы , наиболее известным представителем которой был другой иностранец, Джакомо Мейербер . В работах Мейербера, таких как Les Huguenots , особое внимание уделялось виртуозному пению и необычным сценическим эффектам. Легкая комическая опера также пользовалась огромным успехом в руках Бойельдье , Обера , Герольда и Адама . В этой обстановке оперы французского композитора Гектора Берлиоза изо всех сил пытались добиться внимания. Эпический шедевр Берлиоза «Троянцы», кульминация глюковской традиции, не исполнялся в полном объеме почти сто лет.

Во второй половине XIX века Жак Оффенбах создал оперетту с остроумными и циничными произведениями, такими как Orphée aux enfers , а также оперу Les Contes d'Hoffmann ; Шарль Гуно добился огромного успеха с Фаустом ; и Жорж Бизе состоит Кармен , которая после того , как зрители узнали принять его сочетание романтизма и реализма, стал самым популярным из всех OPERA comiques. Жюль Массне , Камиль Сен-Санс и Лео Делиб - все сочиненные произведения, которые до сих пор являются частью стандартного репертуара, например, « Манон» Массне , « Самсон и Далила» Сен-Санса и « Лакме » Делиба . Их оперы сформировали другой жанр - Opera Lyrique, объединив оперную комическую и большую оперу. Он менее грандиозен, чем большая опера, но без разговорного комического оперного диалога. В то же время влияние Рихарда Вагнера воспринималось как вызов французской традиции. Многие французские критики гневно отвергли музыкальные драмы Вагнера, в то время как многие французские композиторы имитировали их с переменным успехом. Пожалуй, самый интересный ответ пришел от Клода Дебюсси . Как и в произведениях Вагнера, оркестр играет ведущую роль в уникальной опере Дебюсси « Пеллеас и Мелизанда» (1902), и здесь нет настоящих арий, только речитатив. Но драма заниженная, загадочная и совершенно невагнеровская.

Другие известные имена 20-го века включают Равеля , Дюка , Русселя , Онеггера и Мильо . Франсис Пуленк - один из очень немногих послевоенных композиторов любой национальности, чьи оперы (в том числе « Диалоги Кармелитов» ) прочно вошли в международный репертуар. Широкое внимание привлекла и длинная священная драма Оливье Мессиана « Сен-Франсуа д'Ассиз» (1983).

Англоязычная опера

В Англии антецедентом оперы была джига 17-го века . Это было после пьесы в конце пьесы. Часто он был клеветническим и скандальным и состоял в основном из диалогов, поставленных на музыку, переложенную на популярные мелодии. В этом отношении джиги предвосхищают балладные оперы 18 века. В то же время французская маска прочно закрепилась при английском дворе, обладая еще более роскошным великолепием и очень реалистичными пейзажами, чем это было раньше. Иниго Джонс стал типичным дизайнером этих постановок, и этот стиль доминировал на английской сцене в течение трех столетий. Эти маски содержали песни и танцы. В « Любовниках, сделанных мужчинами» Бена Джонсона (1617) «вся маска была спета в итальянской манере, stilo recitativo». Приближение Английского Содружества закрыло театры и остановило любые события, которые, возможно, привели к созданию английской оперы. Однако в 1656 году драматург сэр Уильям Давенант поставил «Осада Родоса» . Поскольку у его театра не было лицензии на постановку драмы, он попросил нескольких ведущих композиторов ( Лоуса , Кука , Локка , Коулмана и Хадсона ) переложить в пьесе музыку. За этим успехом последовали «Жестокость испанцев в Перу» (1658 г.) и «История сэра Фрэнсиса Дрейка» (1659 г.). Эти произведения были поддержаны Оливером Кромвелем, потому что они критиковали Испанию. С английской реставрацией снова были приглашены иностранные (особенно французские) музыканты. В 1673 году была написана « Психея» Томаса Шедвелла по мотивам одноименного комедийного балета 1671 года, поставленного Мольером и Жаном-Батистом Люлли . В том же году Уильям Давенант продюсировал «Бурю» , ставшую первой музыкальной адаптацией пьесы Шекспира (сочиненной Локком и Джонсоном). Около 1683 года Джон Блоу написал « Венеру и Адониса» , которую часто считают первой настоящей англоязычной оперой.

Непосредственным преемником Блоу был более известный Генри Перселл . Несмотря на успех его шедевра « Дидона и Эней» (1689), в котором действие продвигается за счет использования речитатива в итальянском стиле, большая часть лучших работ Перселла не была связана с написанием типичной оперы, а вместо этого он обычно работал внутри ограничения формата полуопера , где отдельные сцены и маски содержатся в структуре устной пьесы, например, Шекспир в «Королеве фей» Перселла (1692) и Бомонт и Флетчер в «Пророчице» (1690) и Бондука (1696). ). Главные герои пьесы, как правило, не участвуют в музыкальных сценах, а это значит, что Перселлу редко удавалось развивать своих персонажей через песню. Несмотря на эти препятствия, его целью (и целью его сотрудника Джона Драйдена ) было создание серьезной оперы в Англии, но эти надежды закончились ранней смертью Перселла в возрасте 36 лет.

После Перселла популярность оперы в Англии на несколько десятилетий пошла на убыль. Возрождение интереса к опере произошло в 1730-х годах, что в значительной степени связано с Томасом Арне , как для его собственных сочинений, так и для предупреждения Генделя о коммерческих возможностях крупномасштабных произведений на английском языке. Арне был первым английским композитором, который экспериментировал с полностью спетой комической оперой в итальянском стиле, и его наибольшим успехом стали Томас и Салли в 1760 году. Его опера « Артаксеркс» (1762) была первой попыткой создать полномасштабную серию опер на английском и французском языках. имел огромный успех, продержавшись на сцене до 1830-х годов. Хотя Арне имитировал многие элементы итальянской оперы, он был, пожалуй, единственным английским композитором в то время, который смог выйти за рамки итальянских влияний и создать свой собственный уникальный и отчетливо английский голос. Его модернизированная баллада-опера « Любовь в деревне» (1762) положила начало моде на стилизованные оперы, которая просуществовала до 19 века. Чарльз Берни писал, что Арне представил «легкую, воздушную, оригинальную и приятную мелодию, полностью отличную от мелодии Перселла или Генделя, которых все английские композиторы либо грабили, либо имитировали».

Микадо (литография)

Помимо Арне, другой доминирующей силой в английской опере в то время был Джордж Фридрих Гендель , чьи оперные сериалы заполнили лондонские оперные сцены на протяжении десятилетий и оказали влияние на большинство отечественных композиторов, таких как Джон Фредерик Лампе , писавший по итальянским образцам. Эта ситуация сохранялась на протяжении 18 и 19 веков, в том числе в творчестве Майкла Уильяма Балфа , и оперы великих итальянских композиторов, а также Моцарта, Бетховена и Мейербера продолжали доминировать на музыкальной сцене Англии.

Исключение было только баллада оперы , такие как Джон Гей «s Оперы нищих (1728), музыкальные бурлески , европейские оперетты , и в конце викторианской эпохи легких оперы , в частности в Savoy Оперы из Гилберта и Артур Салливана , все , какие видов музыкальных развлечения часто подделывали оперные условности. Салливан написал только одну большую оперу, « Айвенго» (после усилий ряда молодых английских композиторов, начиная примерно с 1876 года), но он утверждал, что даже его легкие оперы составляли часть школы «английской» оперы, призванной вытеснить французские оперетты ( обычно исполняется в плохих переводах), которая доминировала на лондонской сцене с середины 19 века до 1870-х годов. Лондонская Daily Telegraph согласилась с этим, охарактеризовав «Йомены гвардии» как «настоящую английскую оперу, предшественницу многих других, позвольте нам надеяться и, возможно, значительную для продвижения к национальной лирической сцене». Салливан поставил несколько легких опер в 1890-х годах, которые носили более серьезный характер, чем оперы из серии G&S, в том числе « Хэддон Холл» и «Камень красоты» , но « Айвенго» (в котором было проведено 155 выступлений подряд с использованием чередующихся составов - рекорд до бродвейского театра « Ла»). богема ) сохранилась как его единственная большая опера .

В 20-м веке английская опера начала утверждать большую независимость благодаря произведениям Ральфа Воана Уильямса и, в частности, Бенджамина Бриттена , который в серии произведений, которые сегодня остаются в стандартном репертуаре, продемонстрировал превосходное драматическое чутье и великолепную музыкальность. Совсем недавно сэр Харрисон Биртвистл стал одним из самых значительных современных композиторов Великобритании, начиная с его первой оперы « Панч и Джуди» и заканчивая его последним критическим успехом в «Минотавре» . В первое десятилетие XXI века либреттист ранней оперы Birtwistle Майкл Найман сосредоточился на сочинении опер, включая « Лицом к Гойе» , « Человек и мальчик: Дада» и « Любовь графа» . Сегодня такие композиторы, как Томас Адес, продолжают экспортировать английскую оперу за границу.

Также в 20-м веке американские композиторы, такие как Джордж Гершвин ( Порги и Бесс ), Скотт Джоплин ( Тримониша ), Леонард Бернстайн ( Кандид ), Джан Карло Менотти , Дуглас Мур и Карлайл Флойд, начали создавать англоязычные оперы, проникнутые нотками искусства. популярные музыкальные стили. За ними последовали такие композиторы, как Филип Гласс ( Эйнштейн на пляже ), Марк Адамо , Джон Корильяно ( Призраки Версаля ), Роберт Моран , Джон Адамс ( Никсон в Китае ), Андре Превин и Джейк Хегги . Появились многие современные оперные композиторы 21 века, такие как Мисси Маццоли , Кевин Путс , Том Сипулло , Хуанг Руо , Дэвид Т. Литтл , Теренс Бланшар , Дженнифер Хигдон , Тобиас Пикер , Майкл Чинг и Рики Ян Гордон .

Русская опера

Опера была привезена в Россию в 1730-х годах итальянскими оперными труппами и вскоре стала важной частью развлечения для российского императорского двора и аристократии . Многие зарубежные композиторы, такие как Бальдассаре Галуппи , Джованни Паизиелло , Джузеппе Сарти , Доменико Чимароза (а также многие другие) были приглашены в Россию для написания новых опер, в основном на итальянском языке . Одновременно некоторые отечественные музыканты, такие как Максим Березовский и Дмитрий Бортнянский, были отправлены за границу учиться писать оперы. Первой оперой, написанной на русском языке, была опера итальянского композитора Франческо Араджа « Цефал и Прокрис » (1755). Развитие русскоязычной оперы поддержали российские композиторы Василий Пашкевич , Евстигней Фомин и Алексей Верстовский .

Однако настоящее рождение русской оперы произошло с Михаилом Глинкой и его двумя великими операми «Жизнь за царя» (1836) и « Руслан и Людмила» (1842). После него в XIX веке в России были написаны такие оперные шедевры, как « Русалка» и «Каменный гость » Александра Даргомыжского , « Борис Годунов» и « Хованщина » Модеста Мусоргского , « Князь Игорь » Александра Бородина , « Евгений Онегин» и «Пиковая дама » Петра Чайковского. , «Снегурочка и Садко » Николая Римского-Корсакова . Эти события отражали рост русского национализма в художественном спектре как часть более общего движения славянофильства .

В ХХ веке традиции русской оперы развивались многими композиторами, включая Сергея Рахманинова в его произведениях «Скупой рыцарь» и « Франческа да Римини» , Игоря Стравинского в «Россиньоле» , « Мавра» , « Царь Эдип» и «Прогресс повесы» , Сергея Прокофьева в «Игроке». , Любовь к трем апельсинам , Огненный ангел , Обручение в монастыре , и войны и мира ; а также Дмитрия Шостаковича в «Носе и леди Макбет Мценского уезда» , Эдисона Денисова в « L'écume des jours» и Альфреда Шнитке в « Жизнь с идиотом» и « История фон Д. Иоганна Фаустена» .

Чешская опера

Чешские композиторы также развили собственное процветающее национальное оперное движение в 19 веке, начиная с Бедржиха Сметаны , написавшего восемь опер, в том числе всемирно популярную «Проданную невесту» . Восемь опер Сметаны составили основу чешского оперного репертуара, но из них только «Проданная невеста» регулярно исполняется за пределами родины композитора. Достигнув Вены в 1892 году и Лондона в 1895 году, он быстро стал частью репертуара всех крупных оперных трупп мира.

Леош Яначек в 1917 году

Девять опер Антонина Дворжака , кроме его первой, имеют либретто на чешском языке и были предназначены для передачи чешского национального духа, как и некоторые из его хоровых произведений. Безусловно, самой успешной из опер является « Русалка», в которую входит известная ария «Песня на луну»; его часто играют на современных оперных сценах за пределами Чешской Республики . Это связано с их неравномерным изобретением и либретто, а также, возможно, с их требованиями к постановке - Якобинцу , Армиде , Ванде и Дмитрию нужны сцены, достаточно большие, чтобы изобразить вторгшиеся армии.

Партитура по произведению Сметаны " Проданная невеста"

Леош Яначек получил международное признание в ХХ веке за свои новаторские работы. Его более поздние, зрелые произведения включают в себя его ранние исследования национальной народной музыки в современном, очень оригинальном синтезе, который впервые проявился в опере Jenůfa , премьера которой состоялась в 1904 году в Брно . Успех « Енуфы» (которую часто называют « Моравской национальной оперой») в Праге в 1916 году дал Яначеку доступ на мировые оперные сцены. Более поздние работы Яначека - его самые знаменитые. В их числе оперы « Кана Кабанова» и «Хитрая маленькая лисица» , « Симфониетта» и « Глаголическая месса» .

Другие национальные оперы

Испания также создала свою собственную отличительную форму оперы, известную как сарсуэла , которая имела два отдельных периода расцвета: один с середины 17 века до середины 18 века, а другой - примерно с 1850 года. В 19 веке итальянская опера была чрезвычайно популярна в Испании, вытеснив родную форму.

В русской Восточной Европе начали появляться несколько национальных опер. Украинская опера создана Семеном Гулак-Артемовским (1813–1873), чье самое известное произведение « Запорожец за Дунаем» регулярно ставится во всем мире. Среди других украинских оперных композиторов - Николай Лысенко ( Тарас Бульба и Наталка Полтавка ), Георгий Майборода и Юлий Мейтус . На рубеже веков в Грузии также начало формироваться отчетливое национальное оперное движение под руководством Захарии Палиашвили , который соединил местные народные песни и рассказы с романтическими классическими темами 19-го века .

Ференц Эркель , отец венгерской оперы

Ключевой фигурой венгерской национальной оперы 19 века был Ференц Эркель , в произведениях которого преобладали исторические темы. Среди его наиболее часто исполняемых опер - Хуньяди Ласло и Банк бан . Самый известный современный венгерский опера Бартока «s Замок герцога Синяя Борода .

Опера Станислава Монюшко « Страшный двор» (на английском языке «Поместье с привидениями» ) (1861–64) представляет собой вершину польской национальной оперы XIX века . В 20 веке другие оперы, созданные польскими композиторами, включали « Король Роджер » Кароля Шимановского и « Убу Рекс » Кшиштофа Пендерецкого .

Первой известной оперой из Турции ( Османской империи ) была опера « Аршак II» , армянская опера, написанная этническим армянским композитором Тиграном Чухаджяном в 1868 году и частично исполненная в 1873 году. Она была полностью поставлена ​​в 1945 году в Армении.

В первые годы существования Советского Союза появились новые национальные оперы, такие как « Короглу» (1937) азербайджанского композитора Узеира Гаджибекова . Премьера первой киргизской оперы « Ай-Чурек» состоялась 26 мая 1939 года в Москве в Большом театре в рамках Декады кыргызского искусства. Его составили Владимир Власов , Абдылас Малдыбаев и Владимир Фер . Либретто написали Жоомарт Боконбаев, Жусуп Турусбеков и Кыбанычбек Маликов. Опера основана на киргизском героическом эпосе « Манас» .

В Иране опера привлекла к себе больше внимания после появления западной классической музыки в конце 19 века. Тем не менее, только в середине 20-го века иранские композиторы начали знакомиться с полем, особенно потому, что строительство Зала Рудаки в 1967 году сделало возможным постановку большого разнообразия произведений для сцены. Пожалуй, самая известная иранская опера - « Ростам и Сохраб » Лориса Тьекнаворяна, премьера которой состоялась не раньше начала 2000-х годов.

Современная китайская классическая опера , китайская языковая форма оперы в западном стиле, которая отличается от традиционной китайской оперы, имеет оперы, восходящие к «Беловолосой девушке» 1945 года.

В Латинской Америке опера возникла в результате европейской колонизации. Первой оперой, написанной в Америке, была «Пурпура де ла роза » Томаса де Торрехона и Веласко , хотя « Партенопа » мексиканца Мануэля де Сумайя была первой оперой, написанной композитором, родившимся в Латинской Америке (музыка теперь утеряна). Первой бразильской оперой с либретто на португальском языке была «Найт де Сан-Жуан » Элиаса Альвареса Лобо . Однако Антониу Карлос Гомеш обычно считается самым выдающимся бразильским композитором, добившимся относительного успеха в Италии с его операми на бразильскую тематику с итальянскими либретто, такими как Il Guarany . Опера в Аргентине возникла в 20-м веке после открытия Театра Колон в Буэнос-Айресе. Опера Этторе Паницца « Аврора » находилась под сильным влиянием итальянских традиций из-за иммиграции. Среди других известных композиторов из Аргентины - Фелипе Боеро и Альберто Хинастера .

Современные, недавние и модернистские тенденции

Модернизм

Пожалуй, наиболее очевидное стилистическое проявление модернизма в опере - развитие атональности . Отход от традиционной тональности в опере начался с Рихарда Вагнера , особенно с аккорда Тристана . Композиторы, такие как Рихард Штраус , Клод Дебюсси , Джакомо Пуччини , Пол Хиндемит , Бенджамин Бриттен и Ганс Пфицнер, продвинули вагнеровскую гармонию еще дальше с более экстремальным использованием хроматизма и более широким использованием диссонанса. Еще один аспект модернистской оперы - это переход от длинных, прерывистых мелодий к коротким, быстрым девизам, что впервые продемонстрировал Джузеппе Верди в его « Фальстафе» . Композиторы, такие как Штраус, Бриттен, Шостакович и Стравинский, переняли и расширили этот стиль.

Арнольд Шенберг в 1917 году; портрет Эгона Шиле

Оперный модернизм действительно начался в операх двух венских композиторов, Арнольда Шенберга и его ученика Альбана Берга , композиторов и сторонников атональности и ее более позднего развития (разработанного Шенбергом), додекафонии . Ранние MUSICO-драматические произведения Шенберга, Erwartung (1909, премьера которой состоялась в 1924 году) и Die glückliche рук использовать дисплей тяжелой хроматической гармонии и диссонанса в целом. Шенберг также иногда использовал Sprechstimme .

Две оперы ученика Шенберга, Альбана Берга, Воццек (1925) и Лулу (незаконченная на момент его смерти в 1935 году) имеют многие из тех же характеристик, что описаны выше, хотя Берг сочетал свою очень личную интерпретацию двенадцатитонной техники Шенберга с мелодичными отрывками из более традиционно тональный характер (вполне малеровский по характеру), который, возможно, частично объясняет, почему его оперы остались в стандартном репертуаре, несмотря на их противоречивую музыку и сюжеты. С тех пор теории Шенберга повлияли (прямо или косвенно) на значительное число оперных композиторов, даже если они сами сочиняли не с использованием его техник.

Стравинский в 1921 году

Композиторы, оказавшиеся под таким влиянием, включают англичанина Бенджамина Бриттена , немца Ганса Вернера Хенце и россиянина Дмитрия Шостаковича . ( Филип Гласс также использует атональность, хотя его стиль обычно описывается как минималистский , что обычно считается еще одной разработкой 20-го века.)

Однако использование атональности оперным модернизмом также вызвало негативную реакцию в форме неоклассицизма . Одним из первых лидеров этого движения был Ферруччо Бузони , который в 1913 году написал либретто для своей неоклассической номерной оперы « Арлекино» (впервые исполненной в 1917 году). Также в авангарде был россиянин Игорь Стравинский . После написания музыки к балетам Дягилева « Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913) Стравинский обратился к неоклассицизму, кульминацией которого стала его опера-оратория « Царь Эдип» (1927). Стравинский уже отвернулся от модернистских тенденций его ранних балетов для производства мелких работ , которые не в полной мере квалифицируют как опера, но , конечно , содержат много оперных элементов, в том числе Ренара (1916: «бурлеска в песнях и танец») и «Солдатская сказка» (1918: «читать, играть и танцевать»; в обоих случаях описания и инструкции принадлежат композитору). В последнем актеры декламируют отрывки речи в определенном ритме под инструментальный аккомпанемент, что очень похоже на старый немецкий жанр мелодрамы . Вскоре после его произведений «Соловей» (1914) и « Мавра» (1922), вдохновленных Римским-Корсаковым , Стравинский продолжал игнорировать сериалистическую технику и в конце концов написал полноценную диатоническую числовую оперу в стиле 18-го века «Прогресс граблей» (1951). Его сопротивление сериализму (отношение, которое он изменил после смерти Шенберга) оказалось источником вдохновения для многих других композиторов.

Другие тенденции

Общей тенденцией ХХ века, как в оперном, так и в общем оркестровом репертуаре, было использование небольших оркестров в качестве меры по сокращению затрат; великие оркестры эпохи романтизма с огромными струнными секциями, несколькими арфами, дополнительными рожками и экзотическими ударными инструментами больше не существовали. По мере того как государственное и частное покровительство искусству уменьшалось на протяжении 20-го века, новые произведения часто заказывались и выполнялись с меньшими бюджетами, что очень часто приводило к работам камерного размера и коротким одноактным операм. Многие оперы Бенджамина Бриттена оценены всего для 13 инструменталистов; Двухактная реализация Марка Адамо « Маленьких женщин» оценивается 18 инструменталистами.

Еще одна особенность оперы конца 20-го века - появление современных исторических опер, в отличие от традиции основывать оперы на более далекой истории, пересказывая современные вымышленные истории или пьесы, или на мифах или легендах. Смерть Клингхоффера , Никсон в Китае , и доктора Atomic от Джона Адамса , Dead Man Walking по Jake Хегги , и Анна Николь от Марк-Энтони Turnage иллюстрировать инсценировка на сцене событий в последнее время живой памяти, где персонажи изображаются в опере были живы во время премьерного спектакля.

Метрополитен - опера в США (часто известная как Met) сообщили в 2011 году о том , что средний возраст аудитории было 60. Многие оперные компании пытались привлечь более молодую аудиторию , чтобы остановить большую тенденцию поседение аудитории для классической музыки , так как в последние десятилетия ХХ века. Усилия привели к снижению среднего возраста аудитории Метрополитена до 58 лет в 2018 году, средний возраст зрителей Берлинской государственной оперы составил 54 года, а средний возраст Парижской оперы - 48 лет.

Небольшие компании в США живут более хрупко и обычно зависят от «лоскутного одеяла» поддержки со стороны правительств штата и местных властей, местных предприятий и сборщиков средств. Тем не менее, некоторые небольшие компании нашли способы привлечь новую аудиторию. Помимо радио- и телетрансляций оперных спектаклей, которые имели некоторый успех в привлечении новой аудитории, прямые трансляции представлений в кинотеатры показали потенциал для охвата новой аудитории.

От мюзиклов к опере

К концу 1930-х годов некоторые мюзиклы стали писать с более оперной структурой. Эти произведения включают сложные полифонические ансамбли и отражают музыкальные разработки своего времени. «Порги и Бесс» (1935), находившийся под влиянием джазовых стилей, и « Кандид» (1956) с его широкими лирическими пассажами и фарсовыми пародиями на оперу, оба были открыты на Бродвее, но стали частью оперного репертуара. Популярные мюзиклы, такие как Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Opera и другие, рассказывают драматические истории через сложную музыку, а в 2010-х годах их иногда можно увидеть в оперных театрах. . «Самый счастливый парень» (1952) - квазиоперный спектакль, возрожденный оперой Нью-Йорка . Другие рок-мюзиклы , такие как Tommy (1969) и Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) и Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) использовать различные оперные условности, такие как композиция , речитатив вместо диалога и лейтмотивы .

Акустическое улучшение в опере

Тонкий тип звукового электронного усиления, называемый акустическим усилением , используется в некоторых современных концертных залах и театрах, где исполняются оперы. Хотя ни один из крупных оперных театров "... не использует традиционное звукоусиление в бродвейском стиле, в котором большинство, если не все певцы оснащены радиомикрофонами, смешанными с рядом неприглядных громкоговорителей, разбросанных по всему театру", многие используют звукоусиление система для улучшения звука и тонкого усиления закулисных голосов, детских певцов, диалогов на сцене и звуковых эффектов (например, церковные колокола в « Тоске» или эффекты грома в вагнеровских операх).

Оперные голоса

Оперная вокальная техника развивалась до появления электронного усиления, чтобы позволить певцам производить достаточно громкости, чтобы их можно было слышать в оркестре, без необходимости существенно снижать громкость инструменталистам.

Вокальные классификации

Певцы и роли, которые они исполняют, классифицируются по типу голоса , в зависимости от тесситуры , ловкости, мощности и тембра их голоса. Мужчины певцы могут быть классифицированы по вокальному диапазону , как бас , бас-баритон , баритон , baritenor , тенора и контртенор и певицы , как контральто , меццо-сопрано и сопрано . (Мужчины иногда поют в "женских" вокальных диапазонах, и в этом случае их называют сопранистами или контртенорами . Контртенор часто встречается в опере, иногда поют партии, написанные для кастратов - мужчин, кастрированных в молодом возрасте специально, чтобы дать им более высокий уровень пения. Затем певцы классифицируются по размеру - например, сопрано можно описать как лирическое сопрано, колоратуру , субретт , спинто или драматическое сопрано. Эти термины, хотя и не полностью описывают певческий голос, связывают голос певца с ролями, наиболее подходящими для его вокальных характеристик.

Еще одна подклассификация может быть сделана в соответствии с актерскими навыками или требованиями, например, бассо-буфф, который часто должен быть специалистом по скороговорке, а также комическим актером. Это осуществляется подробно в Fach системе немецкоговорящих стран, где исторически опера и произносимая драму часто ставят на ту же самой репертуарной компанию.

Голос конкретного певца может резко измениться в течение его или ее жизни, редко достигая вокальной зрелости до третьего десятилетия, а иногда и до среднего возраста. Два типа французского голоса, премьер-дюгазон и deuxieme dugazon , были названы в честь последовательных этапов в карьере Луизы-Розали Лефевр (мадам Дюгазон). Другие термины, берущие свое начало в системе звездного кастинга парижских театров, - это баритон-мартин и сокол- сопрано .

Историческое использование голосовых частей

Следующее предназначено только в качестве краткого обзора. Для основных статей см сопрано , меццо-сопрано , контральто , тенор , баритон , бас , контртенор и кастрато .

Голос сопрано обычно использовался в качестве голоса главной героини оперы со второй половины 18 века. Раньше эту партию исполнял любой женский голос или даже кастрат . Нынешний упор на широкий вокальный диапазон был в первую очередь изобретением классического периода . До этого приоритетом была виртуозность вокала, а не диапазон, при этом партии сопрано редко выходили выше высокой А ( например, Гендель написал только одну роль, простирающуюся до высокой до ), хотя кастрат Фаринелли, как утверждалось, обладал вершиной. D (его нижний диапазон также был необычным, простираясь до тенора C). Меццо-сопрано, термин сравнительно недавнего происхождения, также имеет обширный репертуар, начиная от главной женской роли в « Дидоне» Пёрселла и Энея до таких тяжелых ролей, как Брангена в « Тристане и Изольде» Вагнера (обе эти роли иногда исполняют сопрано; довольно много движения между этими двумя типами голоса). Для настоящего контральто диапазон партий более ограничен, что привело к шутке инсайдеров о том, что контральто поют только роли «ведьм, сук и штанов ». В последние годы многие «брючные роли» эпохи барокко, изначально написанные для женщин и исполненные кастратами, были переданы контртенорам.

Голосу тенора, начиная с классической эпохи, традиционно отводилась роль главного героя мужского пола. Многие из самых сложных теноровых ролей в репертуаре были написаны в эпоху бельканто , например, последовательность Доницетти из 9 Cs выше среднего C во время La fille du régiment . Вместе с Вагнером акцент был сделан на вокальном весе его главных героев, и эта вокальная категория описывалась как Heldentenor ; этот героический голос имел более итальянский аналог в таких ролях, как Калаф в « Турандот» Пуччини . Басы имеют долгую историю в опере, они использовались в опере сериа в вспомогательных ролях, а иногда и для облегчения комиксов (а также для контраста с преобладанием высоких голосов в этом жанре). Басовый репертуар широк и разнообразен: от комедии Лепорелло в « Дон Жуане» до благородства Вотана в « Кольцевом цикле» Вагнера и конфликтующего короля Филиппа Верди в « Дон Карлос» . Между басом и тенором находится баритон, который также варьируется по весу от, скажем, Гульельмо в « Così fan tutte» Моцарта до Посы в « Дон Карлосе» Верди ; собственно название «баритон» не было стандартным до середины 19 века.

Известные певцы

Кастрат Сенезино , ок. 1720

Ранние постановки оперы были слишком редки, чтобы певцы могли зарабатывать на жизнь исключительно этим стилем, но с рождением коммерческой оперы в середине 17 века начали появляться профессиональные исполнители. Роль мужского героя обычно доверялась кастрату , и к 18 веку, когда итальянская опера стала ставиться по всей Европе, ведущие кастраты, обладающие необычайной виртуозностью вокала, такие как Сенезино и Фаринелли , стали звездами мирового масштаба. Карьера первой крупной звезды женского пола (или примадонны ) Анны Ренци относится к середине 17 века. В 18 веке ряд итальянских сопрано приобрели международную известность и часто вступали в ожесточенное соперничество, как это было в случае с Фаустиной Бордони и Франческой Куццони , которые начали драку друг с другом во время исполнения оперы Генделя. Французы не любили кастратов, предпочитая, чтобы их героев-мужчин воспевал haute-contre (высокий тенор), ярким примером которого был Жозеф Легро (1739–1793).

Хотя оперный патронат в прошлом веке уменьшился в пользу других видов искусства и средств массовой информации (таких как мюзиклы, кино, радио, телевидение и звукозаписи), средства массовой информации и появление звукозаписи поддержали популярность многих известных певцов, включая Марию Каллас , Энрико. Карузо , Галли-Курчи , Флагстад , Хуан Arvizu , Нестор Mesta Chayres , Марио дель Монако , Тебальди , Возвышение Стивенс , Альфредо Краус , Франко Корелли , Монсеррат Кабалье , Джоан Сазерленд , Биргит Нильссон , Нелли Мельба , Роза Понсель , Beniamino Gigli , Юсси Бьёрлинг , Федор Шаляпин , Сесилия Бартоли , Рене Флеминг , Мэрилин Хорн , Брин Терфель и « Три тенора » ( Лучано Паваротти , Пласидо Доминго и Хосе Каррерас ).

Меняется роль оркестра

До 1700-х годов в итальянских операх использовался небольшой струнный оркестр , но он редко играл, чтобы аккомпанировать певцам. Оперные соло в этот период сопровождались группой бассо континуо , которая состояла из клавесина , «щипковых инструментов», таких как лютня и басовый инструмент. Струнный оркестр обычно играл только тогда, когда певец не пел, например, во время «... входов и выходов певца, между вокальными номерами [или] для [сопровождения] танцев». Еще одна роль оркестра в этот период заключалась в исполнении оркестровой ритурнели, ознаменовавшей окончание соло певца. В начале 1700-х годов некоторые композиторы начали использовать струнный оркестр, чтобы отмечать определенные арии или речитативы «... как особенные»; к 1720 году большинство арий сопровождалось оркестром. Оперные композиторы, такие как Доменико Сарро , Леонардо Винчи , Джамбаттиста Перголези , Леонардо Лео и Иоганн Адольф Хассе, добавили новые инструменты в оперный оркестр и дали инструментам новые роли. Они добавили духовые инструменты к струнам и использовали оркестровые инструменты для исполнения инструментальных соло, чтобы отметить определенные арии как особенные.

Немецкий оперный оркестр начала 1950-х гг.

Оркестр также выступил с инструментальной увертюрой перед выходом певцов на сцену с 1600-х годов. « Эвридика» Пери открывается короткой инструментальной ритурнелью , а « Орфей» Монтеверди (1607) открывается токкатой , в данном случае фанфарами для приглушенных труб . Французская увертюра , как найти в Жан-Батист Люлли оперы «s состоит из медленного введения в отмеченном„пунктирном ритме“, а затем живое движением в фугато стиля. Перед тем, как подняться занавес, увертюра часто сопровождалась серией танцевальных мелодий. Этот стиль увертюры также использовался в английской опере, особенно в « Дидоне» и «Энея» Генри Пёрселла . Гендель также использует французскую увертюру в некоторых своих итальянских операх, таких как « Джулио Чезаре» .

В Италии особая форма, называемая «увертюра», возникла в 1680-х годах и получила широкое распространение благодаря операм Алессандро Скарлатти и распространилась по всей Европе, вытеснив французскую форму в качестве стандартной оперной увертюры к середине 18 века. В нем используются три обычно омофонических движения : быстро-медленно-быстро. Движение открытия обычно было в двойном метре и в мажорной тональности; медленное движение в предыдущих примерах было коротким и могло быть в контрастной тональности; заключительная часть была танцевальной, чаще всего с ритмами жиги или менуэта , и возвращалась к тональности вступительной части. По мере развития формы первая часть может включать в себя элементы фанфар и приобретает образец так называемой «сонатинной формы» ( сонатная форма без развивающей части), а медленная часть становится более протяженной и лиричной.

В итальянской опере после 1800 года увертюра стала известна как симфония . Фишер также отмечает, что термин Sinfonia avanti l'opera (буквально «симфония перед оперой») был «ранним термином для симфонии, использовавшейся для начала оперы, то есть как увертюра, а не как начало более позднего. раздел работы ». В опере 19-го века, в некоторых операх увертюра, Vorspiel , Einleitung , Introduction или как еще ее можно назвать, была частью музыки, которая происходит до того, как поднимается занавес; особой жесткой формы увертюре уже не требовалось.

Роль оркестра в сопровождении певцов изменилась в течение 19 века, когда классический стиль перешел в эпоху романтизма. В целом оркестры становились больше, добавлялись новые инструменты, такие как дополнительные ударные инструменты (например, большой барабан, тарелки, малый барабан и т. Д.). Оркестровка оркестровых частей также разработаны в течение 19 - го века. В вагнеровских операх оркестр выходит за рамки увертюры. В вагнеровских операх, таких как «Кольцевой цикл» , оркестр часто играл повторяющиеся музыкальные темы или лейтмотивы , роль, которая придавала оркестру известность, который «... повысил его статус до статуса примадонны ». Оперы Вагнера были озвучены с беспрецедентным размахом и сложностью, добавив больше медных инструментов и огромных размеров ансамбля: действительно, для его партитуры Das Rheingold требуется шесть арф . У Вагнера и произведений последующих композиторов, таких как Бенджамин Бриттен, оркестр «часто сообщает факты об истории, которые превышают уровень осведомленности персонажей в ней». В результате критики стали рассматривать оркестр как исполняющий роль, аналогичную роли литературного рассказчика ».

По мере того как роль оркестра и других инструментальных ансамблей менялась на протяжении истории оперы, менялась и роль руководителей музыкантов. В эпоху барокко музыкантами обычно руководил клавесинист, хотя французский композитор Люлли, как известно, дирижировал длинным посохом. В 1800-х годах, в классический период, первый скрипач, также известный как концертмейстер , руководил оркестром сидя. Со временем некоторые режиссеры начали вставать и использовать жесты рук и рук, чтобы вести исполнителей. В конце концов, роль музыкального руководителя стала называться дирижером , и был использован подиум, чтобы всем музыкантам было легче увидеть его или ее. К тому времени, когда появились вагнеровские оперы, сложность произведений и огромные оркестры, которые играли их, дали дирижеру все более важную роль. У современных оперных дирижеров сложная роль: они должны руководить и оркестром в оркестровой яме, и певцами на сцене.

Проблемы с языком и переводом

Со времен Генделя и Моцарта многие композиторы предпочитали итальянский язык в качестве языка либретто своих опер. От эпохи Бельканто до Верди композиторы иногда руководили версиями своих опер на итальянском и французском языках. Из-за этого оперы, такие как « Лючия ди Ламмермур» или « Дон Карлос» , сегодня считаются каноническими как в их французской, так и в итальянской версиях.

До середины 1950-х годов было приемлемо выпускать оперы в переводах, даже если они не были санкционированы композитором или оригинальными либреттистами. Например, оперные театры Италии обычно ставили Вагнера на итальянском языке. После Второй мировой войны оперная наука улучшилась, художники переориентировались на оригинальные версии, а переводы вышли из моды. Знание европейских языков, особенно итальянского, французского и немецкого, сегодня является важной частью подготовки профессиональных певцов. «Самая большая часть оперного обучения приходится на лингвистику и музыкальность», - объясняет меццо-сопрано Долора Заджик . «[Я должен понимать] не только то, что я пою, но и то, что поют все остальные. Я пою на итальянском, чешском, русском, французском, немецком, английском».

В 1980-х годах стали появляться субтитры (иногда называемые субтитрами ). Хотя сначала субтитры почти повсеместно осуждались как отвлечение, сегодня многие оперные театры предоставляют либо субтитры, обычно проецируемые над аркой авансцены театра , либо индивидуальные экраны, на которых зрители могут выбирать из более чем одного языка. Телепередачи обычно включают субтитры, даже если они предназначены для аудитории, хорошо знающей язык (например, трансляция итальянской оперы в формате RAI ). Эти субтитры предназначены не только для слабослышащих, но и для аудитории в целом, поскольку спетый дискурс гораздо труднее понять, чем устный, даже в ушах носителей языка. Субтитры на одном или нескольких языках стали стандартом в оперных трансляциях, одновременных передачах и выпусках DVD.

Сегодня оперы редко исполняются в переводе. Исключения включают Английскую национальную оперу , Оперный театр Сент-Луиса , Оперный театр Питтсбурга и Опера Юго-Востока, которые предпочитают переводы на английский язык. Еще одно исключение - оперные постановки, предназначенные для юной аудитории, такие как « Гензель и Гретель» Хумпердинка, а также некоторые постановки « Волшебной флейты» Моцарта .

Финансирование

Шведские оперные певцы в честь Кьерстина Деллерта и
театра Ulriksdal Palace на 40-летнем юбилее в 2016 году его финансирования, ремонта и последующего открытия

За пределами США, особенно в Европе, большинство оперных театров получают государственные субсидии от налогоплательщиков. В Милане, Италия, 60% годового бюджета Ла Скала в 115 миллионов евро приходится на продажу билетов и частные пожертвования, а остальные 40% поступают из государственных средств. В 2005 году Ла Скала получила 25% от общей государственной субсидии Италии в размере 464 миллиона евро на исполнительское искусство. В Великобритании Совет по делам искусств Англии предоставляет средства для Opera North , Королевского оперного театра , Валлийской национальной оперы и Английской национальной оперы . В период с 2012 по 2015 годы на эти четыре оперные компании, а также на Английский национальный балет , Бирмингемский королевский балет и северный балет приходилось 22% средств в национальном портфеле Художественного совета. В течение этого периода Совет провел анализ финансирования крупных оперных и балетных трупп, установив для компаний рекомендации и целевые показатели до принятия решений о финансировании на 2015–2018 годы. В феврале 2015 года опасения по поводу бизнес-плана Английской национальной оперы привели к тому, что Художественный совет поместил его «в особые условия финансирования», что The Independent назвала «беспрецедентным шагом», когда он пригрозил отозвать государственное финансирование, если опасения совета не будут учтены к 2017 году. Европейское государственное финансирование оперы привело к несоответствию между количеством круглогодичных оперных театров в Европе и Соединенных Штатах. Например, «Германия имеет около 80 круглогодичных оперных театров [по состоянию на 2004 год], в то время как в США с населением более чем в три раза их нет. Даже в Метрополитене есть только семимесячный сезон».

Телевидение, кино и Интернет

Вехой для оперного вещания в США стало 24 декабря 1951 года, когда в прямом эфире транслировалась одноактная опера Джан Карло Менотти « Амаль и ночные посетители» . Это была первая опера в Америке, написанная специально для телевидения . Еще одна важная веха произошла в Италии в 1992 году, когда Тоска транслировалась в прямом эфире с ее первоначальной римской обстановкой и временем дня: первый акт был произведен в церкви Сант-Андреа-делла-Валле XVI века в полдень субботы; Палаццо Фарнезе XVI века был местом проведения второго в 20:15; а в воскресенье в 6 часов утра из Кастель Сант-Анджело транслировался третий акт. Спектакль транслировался через спутник в 105 стран мира.

Крупные оперные труппы начали представлять свои спектакли в местных кинотеатрах США и многих других стран. Метрополитен-опера начала серию прямых трансляций видео высокой четкости в кинотеатры по всему миру в 2006 году. В 2007 году спектакли Метрополитен были показаны в более чем 424 кинотеатрах в 350 городах США. "Богема" вышла на 671 экран по всему миру. Опера Сан-Франциско начала транслировать видеотрансляции с предварительной записью в марте 2008 года. По состоянию на июнь 2008 года представления проводились примерно в 125 театрах в 117 городах США. Передачи оперы в формате HD транслируются через те же цифровые кинопроекторы HD, которые используются в основных голливудских фильмах . Европейские оперные театры и фестивали, включая Королевскую оперу в Лондоне, Ла Скала в Милане, Зальцбургский фестиваль , Ла Фениче в Венеции и Maggio Musicale во Флоренции, также с 2006 года транслировали свои постановки в театры в городах по всему миру, в том числе в 90 городах. в США

Появление Интернета также повлияло на то, как зрители смотрят оперу. В 2009 году оперный театр Британского Глайндборнского фестиваля впервые предложил онлайн-скачивание цифрового видео своего полного спектакля 2007 года « Тристан и Изольда» . В сезоне 2013 года все шесть спектаклей фестиваля транслировались онлайн. В июле 2012 года на Оперном фестивале в Савонлинне состоялась премьера первой оперы онлайн-сообщества . Названный « Свободная воля» , он был создан участниками интернет-группы Opera By You. 400 участников из 43 стран написали либретто, сочинили музыку и разработали декорации и костюмы, используя веб-платформу Wreckamovie . Оперный фестиваль в Савонлинне представил профессиональных солистов, хор из 80 человек, симфонический оркестр и сценическое оборудование. Он исполнялся вживую на фестивале и транслировался в прямом эфире в Интернете.

Смотрите также

Рекомендации

Заметки

Источники

дальнейшее чтение

Внешние ссылки